Nitrato lírico

OFFF PDV: ¡RETAGUARDIA!

2012-01-25T00:06:00.001+01:00

OFFF PDV: ¡RETAGUARDIA! es una iniciativa de un grupo de cineastas, músicos y amantes del Festival Punto de Vista surgida en septiembre del año pasado ante la más que probable amenaza de desaparición del festival. En aquel momento, decidimos tomar la vía de la acción y promover una edición paralela del mismo.

Ante los luctuosos acontecimientos que en el mundo de la cultura en general, y de la cinematográfica en particular, estamos viviendo últimamente, y que tienen su máxima expresión en el cese fulminante y sin ningún tipo de justificación del actual equipo directivo del Festival Internacional de Cine de Gijón, un hecho que no es sino el reflejo de toda una manera de entender la cultura como un mero argumento económico y turístico, aspiramos a convertir OFFF PDV: ¡RETAGUARDIA! en un espacio de reivindicación desde la reflexión y la acción creativa. OFFF PDV: ¡RETAGUARDIA! se presenta así como una iniciativa de cultura popular, proactiva y crítica con la idea de mostrar que incluso en las peores circunstancias estamos dispuestos a trabajar colectivamente y a salir a la calle para reclamar no sólo una forma de entender la cultura que sea enriquecedora para la población, sino también el respeto por parte de los políticos hacia los tejidos culturales, puesto que son las redes que acaban sosteniendo la sociedad.

Los días 24 y 25 de febrero, se celebrará en Pamplona OFFF PDV: ¡RETAGUARDIA!, un evento crítico, lúdico y popular, gratuito y abierto a todos y todas, un punto de encuentro. OFFF PDV: ¡RETAGUARDIA! es, por tanto, la reivindicación de los espacios para la cultura, el diálogo y la creación.

La propuesta consiste en dos noches de conciertos y proyecciones que, en paralelo al Seminario Internacional Punto de Vista, tendrán lugar en la sala El Bafle de Pamplona los días 24 y 25 de febrero de 2012. El trabajo que se presentará en OFFF PDV: ¡RETAGUARDIA! es un diálogo entre músicos y directores, que han realizado piezas audiovisuales inspiradas en el grupo al que cada uno acompaña y tomando como punto de partida las cintas Super8 huérfanas recogidas en el proyecto YourLostMemories. Cada realizador ha remontado estas memorias perdidas junto a otras imágenes y el resultado final será proyectado en directo durante los conciertos.

Contamos con la participación comprometida y desinteresada de grupos como Mursego, Corcobado, Kokoshca, Laia Escartín and Friends, La Débil, Salvaje Montoya, El Teatro Magnético o Don Simón y Telefunken, y de los realizadores Isaki Lacuesta, Andrés Duque, Virginia García del Pino, Kikol Grau, Víctor Iriarte, Dani Cuberta, Los Hijos y Fernando Franco.

Puedes colaborar con esta iniciativa a través de la campaña de crowdfunding en la plataforma Verkami.

?O, Zoo!

2012-01-24T23:10:00.000+01:00

Y no me resisto a compartir esta pequeña joya de Philip Hoffman, aún por desgracia un gran desconocido para muchos, que publicó hace poco en su canal de Vimeo.

?O,Zoo! (The Making of a Fiction Film) (Philip Hoffman, 1986)

"El éxito de ?O, Zoo! (The Making of a Fiction Film), la película con la que Philip Hoffman obtuvo la atención internacional, marcó un cambio en el cine experimental de Canadá en los años ochenta, desde el estructuralismo hacia un cine más personal. Comenzado como un documental sobre la realización de A Zed and Two Noughts de Peter Greenaway (1985), el tratado de Hoffman sobre la realidad como una construcción vuelve a la práctica convencional de cine documental del revés. Códigos familiares dan paso a los recuerdos de familia que, a su vez, se funden con reflexiones personales hasta que la noción de verdad colectiva se derrumba. El resultado, en el que los hechos están bajo sospecha y la ficción parece ser la única cosa con la que podemos contar, es una declaración brillante sobre las ficciones tejidas a lo largo de nuestras vidas. En ?O, Zoo! Hoffman se enfrenta con el legado Griersoniano del cine documental canadiense. Rodado en gran medida alrededor de la producción de A Zed and Two Noughts de Peter Greenaway, la película construye una ficción laberíntica de materiales documentales, y coloca la historia de una muerte en su centro invisible. Inteligente, contrario, y exquisitamente fotografiado, ?O, Zoo! fue nominado para un Genie Award en 1987 al Mejor Documental y ganó el Gran Premio (cine experimental) en el Festival Internacional de Atenas." (Enciclopedia de Cine de Canadá, Chris Gehman)

Jennifer Reeves - Landfill 16 (2011)

2012-01-16T20:57:00.000+01:00

Jennifer Reeves acaba de publicar en su canal de Vimeo este fragmento de su útlima obra, 'Landfill 16' creada a partir de los descartes enterrados en su vertedero y posteriormente pintados a mano. La pieza se estreno en el último Views from the Avant Garde y se podrá ver este mes el el Festival de Rotterdam.

Fragmento de 2'40'' de Landfill 16 (Jennifer Reeves, 2011)

Película exhumada de mi propio vertedero en Elkhart, Indiana, constituye el lienzo de mi pintado a mano 'Landfill 16'. Tras acabar mi doble proyección 'When I was blue' me quedé horrorizada por la cantidad de descartes que normalmente habrían ido a parar al vertedero. Así que enterré temporalmente y posteriormente pinté el celuloide para transformarlo. Dentro de esta colorida, vibrante y abstracta "pintura en movimiento" intento expresar mi temor a los residuos que deja el hombre y que ponen en peligro la tierra y la vida silvestre. Este "reciclaje" es una meditación sobre la desaparición del hermoso medio de los 16 mm y sobre la batalla perdida de la naturaleza para descomponer las reliquias de nuestras tecnologías abandonadas.

Para la banda sonora combiné sonidos reconocibles, desde excavadoras hasta sonidos de la naturaleza, con sonidos de texturas más abstractas y rítmicos rítmicas que he creado utilizando audio de fábricas de bienes de consumo, viejos equipos de 16mm, el llanto de un pájaro moribundo atrapado en mi pared, y otras rarezas.

Recomendadísima la lectura de la traducción que Paco Algarín hace en su blog de la entrevista con Scott MacDonald.

A Hollis Frampton Odyssey

2012-01-14T20:16:00.001+01:00

Por fin, tras hacernos hecho esperar un largo tiempo, Criterion acaba de anunciar el lanzamiento, tanto en DVD (10 de abril) como en blu-ray (9 de abril) de 'A Hollis Frampton Odyssey'. Sobre el contenido, poco (o mucho) que comentar. Están incluídas las grandes obras de Frampton: (nostalgia), Zorns Lemma, Poetic justice... Pero al tratarse de una selección de sus obras surgen las mismas cuestiones que en las ediciones de Brakhage: ¿por qué editar ciclos incompletos? ¿No sería mejor haber editado 'Hapax Legomena' o 'Magellan' en su totalidad? Lo cierto es que, al contrario de como hizo Criterion con Brakhage, es muy dudoso que veamos una segunda parte de esta edición. Además, se rumorea que la edición en blu-ray de SB no tuvo el éxito que Criterion espeaba, por lo que esto es un 'lo tomas o lo dejas'

Hollis Frampton, fotografía de Marion Faller, 1975

Primeros filmes
- Manual of Arms (1966, 17 minutos, b/n, muda)
- Process Red (1966, 3 minutos, 30 seconds, Color, muda)
- Maxwell’s Demon (1968, 4 minutos, Color/b/n, muda)
- Surface Tension (1968, 9 minutos, 30 seconds, Color, Monaural)
- Carrots & Peas (1969, 5 minutos, Color, Monaural)
- Lemon (1969, 5 minutos, Color, muda)
- Zorns Lemma (1970, 60 minutos, Color, Monaural)

(nostalgia) (Hollis Frampton, 1971)

Hapax Legomena
- (nostalgia) (1971, 36 minutos, b/n, Monaural)
- Poetic Justice (1972, 31 minutos, 30 seconds, b/n, muda)
- Critical Mass (1971, 25 minutos, 30 seconds, b/n, Monaural)

Magellan
- The Birth of Magellan: Cadenza I (1977–1980, 6 minutos, Color, Monaural)
- Pans 0–4 and 697–700 (1974, 1-minute each, Color, muda)
- INGENIVM NOBIS IPSA PVELLA FECIT, Part I (1975, 5 minutos, Color, muda)
- Magellan: At the Gates of Death, Part I: The Red Gate I, 0 (1976, 4 minutos, 20 seconds, Color, muda)
- Winter Solstice (1974, 33 minutos, Color, muda)
- Gloria! (1979, 9 minutos, 30 seconds, Color, Monaural)

Winter Solstice (Hollis Frampton, 1974)

Zorns lemma (Hollis Frampton, 1970)

Robert Nelson (1930-2012)

2012-01-11T07:19:00.001+01:00

Otro grande que se nos va. Nadie mejor que Mark Toscano para hablar sobre él en su blog 'Preservation insanity'.

Seminario Internacional Punto de Vista 2012

2012-01-09T23:57:00.001+01:00

Aunque este año no tenemos festival (que se ve pospuesto hasta 2013), Punto de Vista mantiene vivo su espíritu más reinvindicativo a través del Seminario Internacional Punto de Vista. En los próximos 22 al 25 de febrero, PdV estrena un nuevo formato paralelo al festival centrado en el cine más comprometido socialmente, mediante sendas restrospectivas y master classes de dos destacados cineastas: Sylvain George y el malayo Amir Muhamad. Hasta el 15 de febrero se puede realizar la inscripción a través de la página web (con descuento si se realiza antes del 20 de enero). El seminario se cierra el sábado 25 con la presentación de los proyectos X Films 2012 y la proyección de la obra realizada por los ganadores del año pasado, WeareQQ. Además, como si el programa 'oficial' no fuese suficiente aliciente, se prometen 'gratas sorpresas'.

The Big Durian (Amir Muhammad, 2003)

Programa:

Miércoles 22 Febrero
16:00h. Retrospectiva Amir Muhammad. Sesión 1: 6 cortos (6horts) (2002). 55 min.
17:30h. Retrospectiva Sylvain George. Sesión 1: L’impossible- Pages Arrachées (2009). 110 min.
20:00h. Retrospectiva Amir Muhammad. Sesión 2: Malaysian Gods (2009). 70 min.

Jueves 23 Febrero
10:00h. Master Class con Amir Muhammad
12:00h. Debate con ambos cineastas: “cine ensayo y compromiso”
16:00h. Retrospectiva Sylvain George. Sesión 2: Cortometrajes y trabajos breves. 2005 – 2011.
17:30h. Retrospectiva Amir Muhammad. Sesión 3: The Big Durian (2003). 75 min.
20:00h. Retrospectiva Sylvain George. Sesión 3: Qu’ils réposent en révolte (Des Figures de Guerres I) (2010). 154 min.

L’impossible- Pages Arrachées (Sylvain George, 2009)

Viernes 24 Febrero
10:00h. Master Class con Sylvain George
12:00h. Debate con ambos cineastas: “poéticas de la urgencia”
16:00h. Retrospectiva Amir Muhammad. Sesión 4: 18 MP (2006), The Last Comunist (2003). 104 min.
18:00h. Retrospectiva Sylvain George. Sesión 4: Les éclats (ma gueule, ma révolte, mon nom) (2011). 84 min.
20:00h. Proyección: Obras de los artistas X Films.

Sábado 25 Febrero
10:00h. Presentación proyectos X Films 2012.
12:00h. Conclusiones.

Qu’ils réposent en révolte (Des Figures de Guerres I) (Sylvain George, 2010)

Chick Strand - Fake Fruit Factory (1986)

2012-01-06T19:22:00.000+01:00

Fake Fruit Factory (Chick Strand, 1986)

Punto y Raya 2011

2011-10-31T20:29:00.000+01:00

El festival de animación abstracta Punto y Raya regresa a Madrid en su tercera edición los proximos días 3 a 6 de noviembre, con una programación altamente interesante. A las 109 películas de su competición oficial con nombres muy conocidos del panorama nacional e internacional (incluyendo la última pieza de un favorito, el genial animador canadiense Steven Woloshen), se le suman diversas retrospectivas de interés. Como la dedicada a la alemana Bärbel Neubauer, que presentará personalmente una selección que comprende desde su piezas de los años 90 con manipulación directa del celuloide, como la ya clásica Feuerhaus (1998), hasta sus trabajos más recientes de animación fractal por ordenador). O las sesiones dedicadas al británico David Daniels y al Iota Center con filmes de Oskar Fischinger, Len Lye, los hermanos Whitney, Stephanie Maxwell...

Tráiler de Punto y Raya 2011

3-6 noviembre 2011 · Museo Reina Sofía · Madrid

Jueves 3 noviembre
11:00–13:30h- Rueda de prensa con los profesionales involucrados - Centro de Estudios

19:00–20:00h- Ceremonia de inauguracion con los profesionales del festival - Auditorio Sabatini

20:00-21:00h- Proyección: Retrospectiva “Lo Mejor de PyR 2009” - Auditorio Sabatini
21:00-22:00h- Charla: Victor Pérez-Porro: un paseo por su obra pictórica. Moderado por Alba G. Corral - Auditorio Sabatini

22:00–23:00h- PyRformance: a cargo de Alba G. Corral + Escort Service (España) - Auditorio Sabatini

Viernes 4 noviembre
12:00-14:00h- Proyección: Competición oficial: Módulos #6 y #7 - Auditorio 200

16:00-21:00h- Proyección: Competición oficial: Módulos #1 a #5 - Auditorio 200
19:00-20:00h- Conferencia: Javier Romañach: “Caos y orden: Dos representaciones de la misma realidad” - Auditorio Sabatini

20:15-21:45h- Proyección: Retrospectiva Bärbel Neubauer. Presentada por la autora en persona - Auditorio Sabatini

22:00-23:00h- PyRformance: a cargo de Hatori Yumi (Italia) - Auditorio 200

Sábado 5 noviembre
12:00-14:00h- Proyección: Competición oficial: Módulos #1 y #2 - Auditorio 200
11:00-14:30h- Taller familiar #1: “Experimentación óptica” a cargo de Laboratoria - Aula Taller
16:00-21:00h- Proyección: Competición oficial: Módulos #3 a #7 - Auditorio 200
17:30–18:00h- Proyección: Sección invitada: l’Alternativa Festival - Auditorio Sabatini
18:00–19:30h- Proyección + charla: Retrospectiva David Daniels. Presentada por el autor en persona - Auditorio Sabatini
20:00-21.45h- Proyección 16mm: Retrospectiva curada por The iotaCenter - Auditorio Sabatini
22:00-23:00h- PyRformance: a cargo de Things Happen (España) - Auditorio 200

Domingo 6 noviembre
12:00-14:00h- Proyección: Competición oficial: Módulos #3 y #4 - Auditorio 200
11:00-14:30h- Taller familiar #2: “Experimentación óptica” a cargo de Laboratoria - Aula Taller
14:00-19:00h- Proyección: Competición oficial: Módulos #5, #6, #7, #1, #2 - Auditorio 200
19:00-21:00h- Entrega de premios: Proyección de las obras ganadoras + Mesa redonda con artistas de la competición - Auditorio 200
21:00-21.45h- Presentación: Micro·recital poético a cargo de Anabel Verdín + obra resultante del taller de Laboratoria - Hall Auditorio 200
22:00–23:00h- Fiesta clausura PyRformance: a cargo de Optical Machines (Reino de los Países Bajos) - Auditorio 200

Cuando Brasil devoró el cine (1960-1970)

2011-09-29T20:59:00.000+02:00

El Museo Reina Sofía inicia mañana el ciclo Cuando Brasil devoró el cine (1960-1970), que intenta recoger el universo de inventividad y nuevas propuestas que surgieron en el cine brasileño durante esas dos décadas. Resumir en apenas seis programas esta diversidad es una tarea imposible, con ausencias destacadas como la de Júlio Bressane, pero con todo contiene joyas como el clásico O Bandido da Luz Vermelha de Rogerio Sganzerla o la inclasificable Hitler 3ª Mundo de José Agrippino de Paula. Y agradables sorpresas procedentes de artistas visuales, como dos de los cortometrajes que realizó el pintor de origen portugués Antonio Manuel, o el "mini-thriller político" Mamãe fiz um super-8 nas calças (Mamá, me hice un super-8 en los calzoncillos) de Carlos Zilio. Todas las proyecciones en el Auditorio Sabatini a las 7 de la tarde.

Agripina é Roma-Manhattan (Hélio Oiticica, 1972)

Viernes 30 de septiembre: Sesión 1. Experimentar lo experimental
- O Patio (Glauber Rocha, 1959). Formato original: 16 mm.; formato de proyección: DVD, b./n., 3’ 22’’.
- Agripina é Roma-Manhattan (Hélio Oiticica, 1972). Formato original: Súper 8; formato de proyección: DVD, color, sin sonido, 15’ 3’’. Cortesía Projeto Hélio Oiticica, Río de Janeiro.
- Jardim de Guerra (Neville d’Almeida, 1968). Formato original: Súper 8; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 100’.

Lunes 3 de octubre: Sesión 2. La cultura fuera de la ley
- By Antonio (Antonio Manuel, 1972). Formato original: 16 mm.; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 3’.
- Loucura-Cultura (Antonio Manuel, 1973). Formato original: 35 mm.; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 9’.
- O Bandido da Luz Vermelha (Rogerio Sganzerla, 1968). Formato original: 35 mm; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 92’.

O Bandido da Luz Vermelha (Rogerio Sganzerla, 1968)

Jueves 6 de octubre: Sesión 3. El delirio como réplica
- Mamãe fiz um super-8 nas calças (Carlos Zílio, 1974). Formato original: Súper 8; formato de proyección: DVD, color, 1’.
- Poema (Paulo Bruscky, 1979). Formato original: Súper 8; formato de proyección: DVD, color, 2’. Cortesía Galería Nara Roesler.
- Hitler 3ª Mundo (José Agrippino de Paula, 1968). Formato original: 16 mm; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 90’.

Viernes 7 de octubre: Sesión 4. ¿Cine o experiencia? Ambos y ninguno
- Apocalipopótese (Raymundo Amado, 1968). Formato original: 35 mm.; formato de proyección: DVD, color, V.O.S.E., 10’.
- Câncer (Glauber Rocha, 1968/72). Formato original: 16 mm.; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 86’.

Hitler 3ª Mundo (José Agrippino de Paula, 1968)

Lunes 10 de octubre: Sesión 5. Gestos al margen.
- Music for Paper Sheet (Guilherme Vaz, 1973). Formato original: VHS; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 1’ 30’’.
- A Margem (Ozualdo R. Candeias, 1967). Formato original: 16 mm.; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 96’.

Jueves 13 de octubre: Sesión 6. Metáforas del silencio
- Você também pode dar um presunto legal (Sérgio Muniz, 1970-71/2006). Formato original: 16 mm.; formato de proyección: DVD, b./n., V.O.S.E., 42’.
- Cabra Marcado Para Morrer (Eduardo Coutinho, 1964/1984). Formato original: 35 mm.; formato de proyección: DVD, color, V.O.S.E., 119’.

Cabra Marcado Para Morrer (Eduardo Coutinho, 1964/1984)

Punto de Vista en 2013

2011-09-29T13:40:00.000+02:00

Publicado hace unos momentos en el muro de Facebook del festival:

La octava edición del festival se celebrará en 2013

Después de días de incertidumbre, nos alegra anunciar que el Festival Punto de Vista no desaparece del mapa, sino que pasa a convertirse en una cita bienal mientras dure la actual crisis económica. Así, la octava edición, que estaba prevista para febrero de 2012, se aplaza un año y se celebrará en febrero de 2013.

Carta del director del Festival Punto de Vista

2011-09-22T19:51:00.001+02:00

"El pasado jueves, 15 de septiembre, recibí una llamada en la que se me comunicaba que se suspendía la que tenía que ser la octava edición de Punto de Vista, que debía celebrarse entre el 21 y el 26 de febrero de 2012.

No solo yo, sino parte del equipo del equipo de Punto de Vista llevaba trabajando en el festival desde el mes de mayo, cuando se abrió el plazo de inscripciones (cerca de 500 películas presentadas a fecha de hoy) y empezamos a diseñar los contenidos del programa. El trabajo de varias personas durante cuatro meses, además de otros gastos de programación y producción del festival (como el mantenimiento y seguimiento de las inscripciones, los viajes a festivales o los envíos de material) ahora es una inversión desperdiciada. La programación de Punto de Vista de 2012 está cerrada en un 90%. Tenemos incluso cartel y el anuncio para las salas. Por no hablar de un programa de búsqueda de financiación privada que se había puesto en marcha a principio del verano y parecía que podía empezar a dar frutos en breve.

Todo eso es un esfuerzo personal, profesional y económico que ahora se pierde irremediablemente. Eso, en un momento donde se nos dice que priman las políticas de austeridad. Punto de Vista en su edición de 2011 finalmente consiguió calar entre los diferentes públicos de la ciudad y dejar atrás una etiqueta de elitista que le había perseguido de manera injusta desde su creación: inteligente sí, elitista no. ¿Cómo puede considerarse elitista una actividad cultural que tiene un precio de 3 euros? Punto de Vista es un festival para el disfrute de los navarros y de todas aquellas personas que, cada año, se desplazaban desde diferentes rincones de España, y del extranjero, hasta Pamplona para asistir al evento. Visitantes que llegaban a la ciudad en el frío mes de febrero para aumentar la actividad económica del sector servicios de manera evidente con la ocupación de habitaciones de hotel, comidas y cenas en bares y restaurantes, transportes, etc.

Como han dicho los medios en repetidas ocasiones, Punto de Vista se había convertido en una de las citas cinematográficas más importantes del Estado y de creciente y reconocido prestigio en el extranjero (así lo han atestiguado algunas de las publicaciones punteras como Cahiers du Cinema, Senses of Cinema o Art Forum en los últimos años). Todo ello con un presupuesto total que era hasta tres y cuatro veces menor que algunos de los otros festivales españoles con los que Punto de Vista se comparaba habitualmente en cuanto a calidad. Y así parecía reconocerlo UPN en su programa electoral de mayo, donde afirmaba que Punto de Vista es, o tenía que ser, el ‘programa de referencia’ en el área de cine del actual Gobierno de Navarra. Dichos programas de referencia eran una serie de iniciativas propias a los que era ‘preciso de dotarles de una mayor financiación para incrementar su actividad y promoción’ (Muévete por Navarra. Programa electoral Unión del Pueblo Navarro 2011-2015, pág. 41). ¿Dónde quedan hoy esas promesas electorales? ¿Dónde la defensa de una actividad cultural de reconocido prestigio dentro y fuera de Navarra y España? ¿Dónde el compromiso con un público navarro que el festival ha ido consolidando a lo largo de sus siete ediciones? ¿Dónde, por último, el compromiso con todo un conjunto de profesionales que hicieron posible eso a lo largo de todos estos años y un equipo que lleva trabajando cuatro meses en la nueva edición y ya ha adquirido compromisos con directores de lugares tan diferentes como Alemania, Malasia o Estados Unidos?".

Atentamente,
Josetxo Cerdán

Director Artístico de Punto de Vista

Apoya a Punto de Vista uniéndote a la petición online o vía facebook

Moscas

2011-09-15T00:19:00.000+02:00

La imagen superior es una licencia 'artística' y puede no representar la experiencia real de visionado (pero lo intenta)

Una pequeña joya en el buzón

2011-09-08T08:46:00.001+02:00

Operation Rewrite - Un proyecto de Esperanza Collado y Maximilian Le Cain

Cine indómito. Retrospectiva de Antoni Padrós

2011-09-02T14:37:00.001+02:00

A partir de la semana que viene, La Casa Encendida nos ofrece una retrospectiva casi completa de la nunca suficientemente reconocida y difundida filmografía de Antoni Padrós. Situación que quizás se mitigue con la próxima edición de un DVD y texto por la Filmoteca de Catalunya. La sesión del 28 (Shirley Temple Story) contará con la presencia del autor. Todos los miércoles de Septiembre a las 20h, salvo día 28 a las 18h. Proyecciones en Betacam.

Sesión 1. 7 de Septiembre
- Alice has discovered the napalm bomb (1968, 26 min., Súper 8, Color)
Fábula situacionista. Alicia atraviesa la puerta y se encuentra tras ella con un país en el que impera la muerte y en donde su inocencia será manipulada por las ideologías del momento. Finalmente será engañada y abandonada sobre una bandera que representa, sin lugar a dudas, los más altos valores de la Nación.
- Dafnis y Cloe (1969, 18 min., 16 mm, B/N)
Un perverso juego de interiores en donde una pareja llega a la conclusión, después de representar y decir algunas frases, de que la única salida posible es la anarquía.
- Ice Cream (1970, 8 min., 16 mm, B/N)
Simbolismo poético. Montaje en paralelo de una situación que deriva hacia una evidente incomunicación. Mientras, se consume un helado.
- Pim, Pam, Pum, Revolución (1970, 20 min., 16 mm., B/N)
Sátira política de las contradicciones de cierta burguesía “comprometida” y autista que se justifica a sí misma intentando acallar su mala conciencia.

Dafnis y Cloe (Antoni Padrós, 1969)

Sesión 2. 14 de Septiembre
- Swedenborg (1971, 38 min., 16 mm, B/N)
Eros y Tanatos: frustraciones, dependencias, humillaciones y odios en la relación de pareja. El título es una deformación de Swedenborg, filósofo sueco por el que William Blake sentía gran admiración.
- ¿Qué hay para cenar, querida? (1971, 23 min., 16 mm., B/N)
La vampirización de la familia a través de los débiles. Una relación de dependencia entre hermanos. Solo la muerte o la locura podrá redimirlos.
- El Porcs (1972, 15 min)
Corrosiva desmitificación del líder.
- Ombres de foc (1981, 10 min., VHS, Color)
Película jamás realizada de la que solo quedan unas escenas de exteriores e interiores rodadas en VHS y montadas unos años más tarde como testimonio de lo que pudo haber sido y nunca fue. La recuperación de estas imágenes permite revivir por unos instantes el espíritu del manuscrito.
- Ascensión, caída y reposo de María Von Herzig (1986, 22 min., Vídeo HD, Color)
Música y drama. María Montenegro es una actriz española que triunfa en la Alemania nazi bajo el nombre de María Von Herzig. Una grave enfermedad la devuelve a la España de posguerra, azul y de Cifesa. Se recluye en una mansión para preparar la que será su actuación definitiva…

Ice Cream (Antoni Padrós, 1970)

Sesión 3. 21 de Septiembre
- Lock Out (1973, 127 min., 16 mm, B/N)
En su desesperada búsqueda hacia la libertad, unos personajes, desarraigados y sin una verdadera postura política a la que aferrarse, deambulan como fantasmas entre lo dogmático y lo anarquizante. La incapacidad de desprenderse de los dogmas adquiridos en el pasado los llevará a su aniquilación, y su intento de integrarse nuevamente en la sociedad (una fiesta) significará la muerte. Uno de los supervivientes se enfrentará al mundo despojado ya de cualquier identidad.

Lock Out (Antoni Padrós, 1973)

Sesión 4. 28 de Septiembre, 18h
- Shirley Temple Story (1975-1976, 208 min., 16 mm., B/N) (Copia restaurada por Lapospo)
Rosa Morata/Shirley Temple, acompañada de tres decentes damas de la asociación de Hijas de Generales, inicia un largo recorrido hasta el País de Esmeralda para entrevistarse con el Mago de Oz. Pero será perseguida por una malvada hada del Este (comunista) y coreada y manipulada por tres jóvenes revolucionarios anarcoestructuralistas. Película en la que Padrós destruye y pulveriza mitos y arquetipos, y con la que le llegó la consagración, al menos en el extranjero: obtuvo reconocimiento en el Festival de Berlín en 1978; la Cinémathèque Royale de Bruselas le concedió el Premio L’Âge d’Or (galardón que se concede a la película que suponga un revulsivo parecido a La Edad de Oro, de Luis Buñuel, en su momento) en 1978; y recibió el Premio de la crítica internacional en el Festival de Hyérès en 1979.

El mundo que encontrarás

2011-08-25T13:09:00.001+02:00

Playtime audiovisuales regresa del parón vacacional con un nuevo programa itinerante: El mundo que encontrarás engloba cinco propuestas personales de sus autores en torno al tema del 'viaje', tanto físico como espiritual. Proyecciones en Madrid, 06 de Septiembre de 2011, a partir de las 20:30h, Off Limits; y Barcelona, 15 de Septiembre de 2011, a partir de las 20:00h, NIU.

Oveja, buey, viento (Álex Reynolds, 2009)

Programa
- When in Bucharest (Do as the romans do) de José Cabrera Betancort (20’, 2010, digital, color, sonido, V.O.S.E.)
Proyecto sobre el cine neorrealista italiano y la nueva ola del cine rumano que esconde una revisión extremadamente personal de la sociedad y la historia reciente de Roma y Bucarest.

- Tran de Miguel Aparicio (10’, 2011, 16mm, b/n.)
"A finales de febrero de 2011 me invitaron a pasar unos días en la ciudad de Vitoria, y allí realizar un corto. El resultado es este diario de viaje en el tranvía de la ciudad, rodado con una cámara de 16mm de cuerda, revelado artesanalmente y montado en esos mismos días."

- Oveja, buey, viento de Alex Reynolds (18’ 38”, 2009, digital, color, sonido, V.O.S.E.)
Una artista se va a Cerdeña con la idea de realizar un proyecto absurdo: cantar con un coro masculino de tradición antiquísima. Le acompaña una operadora de cámara, encargada de grabar todo el proceso de aprendizaje. Una serie de imprevistos provocan la pérdida de control sobre el proyecto, obligando a tomar partido en el desarrollo de la acción a la cámara, que desde ese momento pasa a ser un personaje más de la narración. De esta manera se ponen de manifiesto dos maneras distintas de enfrentarse a la realidad.

- Noruega de Enrique Piñuel (5’ 32”, 2011, digital, color, sonido)
En un día lluvioso, unos turistas realizan un crucero por los alrededores de Oslo.

- Bell & Howell 2146 XL de Ana Rodríguez León (8’ 52”, 2011, Super 8, color, sonido)
Bell & Howell 2146 XL es una carta escrita desde el presente hacia el futuro y hacia el pasado, recorriendo así en tres tiempos los diversos propietarios de una antigua cámara de Súper 8 y las imágenes que cada uno de ellos han visto a través de su lente.

Michael Gitlin - Dust Studies (2010)

2011-08-01T11:30:00.000+02:00

Dust Studies from Michael Gitlin on Vimeo.

Michael Robinson - And we all shine on (2006)

2011-06-22T10:38:00.001+02:00

Una pequeña joya de Michael Robinson, uno de los artistas más interesantes de los últimos años, en el que vuelve a realizar una genial utilización de la hibridación de medios. Vista ayer como parte del programa 'Panorámica: Proximidad' de La Casa Encendida (última proyección el próximo Martes 28). Imágenes nocturnas de follaje, subexpuestas, en las que apenas se intuye el mecer del viento, enmarcan el refilmado de paisajes procedentes de videojuegos 'lo-fi', de apariencia sobrenatural, todo elloal compás de una versión karaoke del 'Nothing compares 2 U' de Prince.

And we all shine on (Michael Robinson, 2006)

Entrevista con Cat Tyc en Incite!
'Songs Sung Blue: The Films of Michael Robinson' de Michael Sicinski en Cinemascope

Leer las imágenes, leer el tiempo

2011-06-02T12:56:00.000+02:00

Durante el mes de Junio, el MNCARS organiza el ciclo 'Leer las imágenes, leer el tiempo', que trata de seguir las tesis expuestas en la anterior exposición dedicada a Georges Didi-Huberman, Atlas ¿Como llevar el mundo a cuestas?. El ciclo, bajo la premisa de 'desvelar un conjunto de contradicciones en busca de mostrar un sentido precario de la historia', agrupa una serie de obras y autores dispares, fuera de lo que sería una concepción estándar del programa. Enfoque arriesgado, y evidentemente peligroso. Con la excepción de la sesión monográfica dedicada a Hollis Frampton con una selección de su ciclo Magellan, el resto de programas más que agrupar, enfrentan bajo un titular a autores con concepciones muy distintas del tema tratado. Con todo, una excelente oportunidad para disfrutar de pequeñas obras maestras del cine de David Gatten, Peter Nestler, Gregory Markopoulos, Robert Beavers...

Gloria! (Hollis Frampton, 1979)

Sesión 1. La imagen dialéctica: Hollis Frampton
Lunes 6 de Junio, 19h
- Straits of Magellan: Drafts & Fragments (Panopticons) (1974, 16mm, 52’)
- Apparatus Sum (Studies For Magellan #1) (1972, 16mm., 3’)
- Winter Solstice (Solariumagelani) (1974, 16mm., 33’)
- Otherwise Unexplained Fires (Memoranda Magelani) (1976, 16mm., 14’)
- For Georgia O'Keefe (Pares Magelani) (1976, 16mm., 3’)
- Not The First Time (Tempera Magelani) (1976, 16mm., 5’)
- Tiger Balm (Memoranda Magelani #1) (1972, 16mm., 10’)
- Gloria! (1979, 16 mm., 9’)

Sesión 2. Moi est un autre
Jueves 9 de Junio, 19h
- Quixote (Bruce Baillie, 1965, 16mm., 45’)
- NÔ (Sharon Lockhart, 2003, 16mm., 34’)
- Early Monthly Segments (Robert Beavers, 1968-70/2002, 35mm., 33’)
- Les Maîtres fous (Jean Rouch, 1955, 16mm., 36’)

Quixote (Bruce Baillie, 1965)

Sesión 3: Pa(i)sajes
Lunes 13 de Junio
17:30h
- Die Nordkalotte (Peter Nestler, 1991, 16mm., 90’)
- The Passage Clock (For Walter Benjamin) (Jem Cohen, 2008, DVD, 10’)
19:30h
- One Way Boogie Woogie/27 Years Later (James Benning, 2005, 16 mm., 121’)

Sesión 4 - Representacion de la historia, historia de la representación
Jueves 16 de Junio, 19h
- Secret History of the Dividing Line (David Gatten, 1996-2002, 16mm., 20’)
- The Great Art of Knowing (David Gatten, 2004, 16mm., 37’)
- So Sure of Nowhere Buying Times to Come (David Gatten, 2010, 16mm., 9’)
- Crossings (Robert Fenz, 2006, 16mm., 5’)
- Meditations on Revolution, Part V: Foreign City (Robert Fenz, 2003, 16mm., 32’)
- Portrait with Parents / Candle and Clock / Tap / Breathing / Metronome / Maya (Guy Sherwin, 1976, 16mm., 20’)

The Great Art of Knowing (David Gatten, 2004)

Sesión 5. Guerra y locura
Lunes 20 de Junio, 19h
- Blokada (Sergei Loznitsa, 2006, 35 mm, 51’)
- Viet Flakes (Carolee Schneemann, 1965, Vídeo, 7’)
- Profit Motive and the Whispering Wind (John Gianvito, 2008, Vídeo, 58’)

Sesión 6. El futuro ya ha pasado
Miercoles 22 de Junio, 19h
- Twice a Man (Gregory J. Markopoulos, 1963, 16mm., 49’)
- Agatha et les lectures illimitées (Marguerite Duras, 1981, 35mm., 90’)

Viet Flakes (Carolee Schneemann, 1965)

48

2011-05-31T14:12:00.000+02:00

Como parte de las exposiciones de la edición de PHOTOESPAÑA 2011 se inclutye la proyección de la sobrecogedora 48 (2009) de Susana de Sousa Dias. Realizada a partir de las fotografías de las fichas policiales de los prisioneros políticos durante los cuarenta y ocho años de la dictadura de Salazar, 48 es un estremecedor relato de los procesos de tortura policial que utilizó el regimen, narrado de propia voz por sus víctimas. Absolutamente imprescindible.

48 fue galardonada con el Gran Premio del Cinéma du Réel 2010, el FIPRESCI en DokLeipzig 2010, mejor documental en MARFICI 2011, y recibió la Mención Especial del Jurado en Punto de Vista 2011. Matadero Madrid, nave 16. Entrada libre. Del 2 de Junio al 31 de Julio, M-V a las 16h, 17:35h, 19:10h y 20:45h, S-D a las 11:15h, 12:50h, 14:25h, 16h, 17:35h, 19:10h y 20:45h. No se proyecta los días 18, 19 y 29 de Junio.

48 (Susana de Sousa Dias, 2009)

Chick Strand - Loose Ends (1979)

2011-05-14T21:13:00.001+02:00

Chick Strand - Loose Ends (1979)

"LOOSE ENDS es un collage fílmico sobre el proceso de internalización de la información que nos bombardea, a través de una combinación de experiencia personal y medios en todas sus formas. Atravesando veloz nuestros sentidos en cantidades cada vez mayores y más complejas mezclas de fantasía, sueño y realidad tanto desde dentro como desde fuera, estas imágenes fragmentadas de la vida, a veces compartidas por todos, a veces aislada y oscuras, pero con elementos comunes, nos llevan a un estado de entropía psicológica que tiende hacia una inercia uniforme... un desentendimiento insensible de la condición humana y nuestra propia humanidad." - Catálogo de Canyon Cinema

Imágenes en disputa: Emergencias y apropiaciones audiovisuales

2011-05-14T10:39:00.000+02:00

Abierto el proceso de preinscripción para el curso de verano "Imágenes en disputa: Emergencias
y apropiaciones audiovisuales", organizado por la Universidad Miguel Hernández en colaboración
con Camon Alicante, y que tendrá lugar del 4 al 7 de julio de 2011 en la Facultad de Bellas Artes
de Altea y en Camon Alicante. Constará de cuatro módulos, y en ellos se aproximará al alumno
al marco teórico del apropiacionismo, con especial atención a su presencia en el área audiovisual,
además de acercarle a la obra y a la metodología de trabajo del cineasta Alberto Cabrera Bernal,
para concluir repasando las experiencias audiovisuales alternativas que se están desarrollando
en España. El profesorado del curso estará formado por Teresa Marín García, Xose Prieto Souto
y Alberto Cabrera Bernal.

12 tráilers borrados (Alberto Cabrera Bernal, 2010)

El programa del curso será el siguiente, indicándose la fecha y el lugar donde se impartirán
cada uno de los módulos:

1. Prácticas creativas de reciclaje (Facultad de Bellas Artes de Altea, 4 de julio).
2. El soporte fílmico como campo de batalla (Camon Alicante, 5 de julio).
3. Creación y postproducción: Un debate sobre autoría y apropiación (Facultad de Bellas Artes de Altea, 6 de julio).
4. ¿Y qué pasa con lo nuevo? (Facultad de Bellas Artes de Altea, 7 de julio)

Dirigido a cualquiera interesado en las prácticas audiovisuales. El curso está previsto para un número
aproximado de 20 alumnos. En el siguiente enlace se puede gestionar la preinscripción y la posterior
matrícula, además de encontrar información más detallada: http://www.umh.es/fpo/fichaCursoFPO.asp?id_edicion=3517&caca=2010

Duración: 20 horas
Precio: 120 euros (para la comunidad universitaria se rebaja a 90 euros)

12 tráilers borrados (Alberto Cabrera Bernal, 2010)

El cielo en la Tierra: Programa

2011-05-03T13:31:00.001+02:00

Detalle del programa completo del ciclo 'El cielo en la Tierra' en su proyección de La Casa Encendida. Las fechas para (S8) Mostra de Cinema Periférico se anunciarán posteriormente. A destacar la presencia de Nathaniel Dorsky en las sesiones, del 31 de Mayo y 1 de Junio, y la de Zoe Beloff en las del 8 y 9 de Junio.

Miércoles, 4 de Mayo, 20h
Zoe Beloff - Programa 1: “Dreamland”
Performances estereoscópicas, películas en 16 mm, arte multimedia interactivo, dibujo o videoinstalación son algunas de las prácticas de esta artista que además es archivista, profesora y comisaria. Sus proyectos conectan el presente con el pasado para crear mundos paralelos regidos por lo desconocido.
- Coney Island (Fatty Arbuckle, 1917, 16 mm., 28 min)
Roscoe “Fatty” Arbuckle dirige y protagoniza Coney Island junto a un jovencísimo Buster Keaton. La película muestra el lado más fantasioso del parque de atracciones de Coney Island y fue la favorita de Albert Grass, fundador de la Sociedad Psicoanalítica Amateur de Coney Island.
- Dreamland: Sociedad Psicoanalítica Amateur de Coney Island y su entorno (Zoe Beloff. 1926-1972, 16 mm., 40 min)
Con motivo de la conmemoración del centenario de la visita de Sigmund Freud a Coney Island en 1909, Zoe Beloff ha resucitado el olvidado mundo de la Sociedad Psicoanalítica Amateur de Coney Island, así como las visionarias ideas de su fundador, Albert Grass. Beloff aúna los roles de archivista y creadora para dar luz a la historia oculta de esta isla.

Miércoles, 11 de Mayo, 20h
Phil Solomon - Programa 1: “Revelaciones nocturnas”
La belleza de las piezas realizadas en cine y vídeo por este autor es indiscutible; tampoco deja indiferente su fuerza emocional y melancólica. Este cineasta experimental norteamericano, colaborador de Stan Brakhage, con quien correalizó tres trabajos, presenta gran parte de su amplia obra de forma cronológica incluyendo piezas tan celebradas como Remains to be seen o películas prácticamente desconocidas como What’s out tonight is lost.
- Nocturne (1980, 16 mm., Sin sonido, 10 min)
Un grito cruza el cielo. Nocturne es una pieza que evoca una de las películas de Stan Brakhage, Fire of Waters.
- The Exquisite Hour (1989, 16 mm., 14 min)
Mitad canción de cuna para los que ya no están, mitad lamentación por el crepúsculo del cine.
- Psalm II: Walking Distance (1999, 16 mm. 23 min)
Este salmo lírico recrea las imágenes que podrían extraerse de una película de la Edad de Bronce.
- Yes, I Said Yes, I Will, Yes (1999, 16 mm., 3 min)
Delicada pieza musical que se apropia de películas para estudiar la cadencia del movimiento.
- Seasons… (Phil Solomon & Stan Brakhage, 2002, 16 mm., Sin sonido, 15 min)
Esta película está considerada parte de la serie que Stan Brakhage tituló “…”. Está inspirada en los colores y las texturas encontradas en los grabados de madera de los artistas japoneses Hokusai y Hiroshige.

Miércoles, 18 de Mayo, 20h
Nathaniel Dorsky - Programa 1: “Canciones cinemáticas”
Este cineasta ya clásico de la vanguardia norteamericana tiene dos grandes motivaciones: las posibilidades de la luz y el silencio, y la exploración de lo que ocurre dentro de ese campo de energía creado entre la pantalla y cada espectador. Los cuatro programas dedicados a él, suponen la inmersión total en el exquisito e hipnótico universo de un maestro del montaje.
- Triste (1978-1996, 16 mm., Sin sonido, 19 min)
“Triste es una muestra del tipo de lenguaje cinematográfico con el que he estado trabajando durante años. Al cambiar delicadamente el peso de las imágenes, aparece una profunda sensación de transitoriedad y misterio.” (N.D.)
Obra clave en su filmografía.
- Alaya (1976-1987, 16 mm., Sin sonido, 28 min)
Precioso filme minimalista hecho de arena, viento, luz y de ritmo constante.
- Arbor Vitae (1999-2000, 16 mm., Sin sonido, 28 min)
La motivación de Dorsky en este caso es la de revelar lo transparente; esa presencia misteriosa que se expande a través del árbol de la vida.

Miércoles, 25 de Mayo, 20h
Robert Beavers - Programa 1: “El aura de todas las cosas”
Todas las películas de Robert Beavers, colaborador habitual de Gregory Markopoulos, reflejan su intenso estudio de la poesía, la música, la pintura y la arquitectura. Heredero de pensadores y escritores como Leonardo da Vinci o John Ruskin, rescata la mirada renacentista hacia el mundo natural y el creado por el hombre.
- Ruskin (1975-1997, 35 mm., 45 min)
Beavers va en busca de las localizaciones que el escritor británico John Ruskin describe en su obra: Londres, Los Alpes y, sobre todo, Venecia. Camina tras los pasos de su estética, mimetizándose con “Las piedras de Venecia”.
- Pitcher of Colored Light (2007, 16 mm., 24 min)
Esta película es el melancólico diario personal de un hombre adulto que evoca momentos de la infancia. Su anciana madre en el jardín, luces y sombras, soledad y calma; la memoria empieza a rodar.
- The Suppliant (2010, 16 mm., 5 min)
Una estatua de bronce, réplica de una escultura griega, que se halla en el Altes Museum de Berlín, mira hacia el cielo con las manos abiertas, suplicante. Ésta es su última pieza hasta la fecha.

Martes, 31 de Mayo, 20h
Nathaniel Dorsky - Programa 2: “Luz sacra”
- Song and Solitude (2005-2006, 16 mm. Sin sonido. 21 min)
Delicada expresión de un paisaje interior. Cine que alinea corazón y alma.
- Pastourelle (2010. 16 mm., Sin sonido, 16 min)
Último trabajo de Dorsky hasta la fecha, ganadora del Premio al Mejor Cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Róterdam en 2011. Filme devoto, hermano de su pieza Aubade (2010).
- Threnody (2003-2004, 16 mm., Sin sonido, 20 min)
Oración por la muerte de su amigo, e influyente realizador experimental Stan Brakhage.
- The Visitation (2002, 16 mm., Sin sonido, 18 min)
Una revelación lumínica te visita y es más grande que tú…

Coloquio con Nathaniel Dorsky tras la proyección.

Miércoles, 1 de Junio, 20h
Nathaniel Dorsky - Programa 3: “Música cíclica: tres variaciones y un tema”
- Sarabande (2008, 16 mm., Sin sonido, 15 min)
Pieza con forma musical.
- Compline (2009, 16 mm, Sin sonido, 19 min)
Final de un ciclo. Una sentida despedida a la película de Kodachrome con la que Dorsky trabajó durante años.
- Aubade (2010, 16 mm., Sin sonido, 12 min)
El Sol sale y los amantes necesitan marcharse lejos. Primera película del nuevo ciclo.
- Winter (2007, 16 mm., Sin sonido, 19 min)
Un breve periodo de sombras esconde a la protagonista de casi toda la obra de Nathaniel Dorsky: la luz de la ciudad de San Francisco.

Coloquio con Nathaniel Dorsky tras la proyección

Miércoles, 8 de junio, 22h. Patio
Zoe Beloff - Programa 2: Performance 3D. Claire and Don in Slumberland
- Child Analysis. Sanitario Psicoanalítico, Stanford Connecticut, Parte II: Dr. L. (Pierce Clark, 1931, 7 min)
T. Clark, un psicoanalista que promovió el análisis infantil en EEUU, documenta a su paciente, Ned, un epiléptico de 19 años.
- Mysterious Mose (Max y Dave Fleischer, 1930, 6 min)
Protagonizado por Betty Boop y Bimbo. Una criatura fantasmal entra en casa de Betty Boop y nadie parece saber quién o qué es.
- Bubbles (Max y Dave Fleischer, 1922, 6 min)
Una increíble mezcla de imagen real y animación protagonizada por Koko el Payaso, una criatura del Ello en constante estado de metamorfosis.
- Claire and Don in Slumberland (Zoe Beloff, 2002, 16 mm en 3D, Performance, 37 min)
Claire y Don son hipnotizados por una voz y obligados a hacer y a decir una gran variedad de cosas extrañas. Los protagonistas del filme se encuentran a sí mismos actuando incontroladamente envueltos por los miedos y las ansiedades de la posguerra americana.
- Home Movies (Leon V. Korfod, 1945, 3 min)
Cientos de metros de películas Kodachrome caseras, rodadas en un parque de dinosaurios no identificado y en el Monte Rushmore.

Con la presencia de la artista.

Jueves, 9 de Junio, 22h
Zoe Beloff - Programa 3: “Mediumnidad y estados alterados”
- Charming Augustine (16 mm en 3D, 40 min)
Película en 3D centrada en Augustine, la mujer con histeria más fotografiada del hospital Salpêtrière, en el París de 1870. A los doctores les cautivaba lo extraordinariamente teatrales y fotogénicos que eran sus frecuentes ataques. Ella fue la “Sarah Bernhardt” del asilo.
- Shadow Land or Light From The Other Side (2000, 16 mm en 3D, 32 min)
Película en 3D basada en la autobiografía de Elizabeth D’Espérance (1897), médium que podía materializar apariciones e incorporar distintas entidades. Con la representación tridimensional de la realidad psíquica, la película plantea los límites de lo virtual.

Con la presencia de la artista.

Miércoles, 15 de Junio, 20h
Robert Beavers - Programa 2: “En búsqueda”
- From The Notebook Of… (1971-1998, 16 mm., 48 min)
El libro Introducción al método de Leonardo Da Vinci (1895), de Paul Valéry, influye de una forma muy evidente a Beavers a la hora de filmar esta película. Realizada a la temprana edad de 22 años, es considerada una de sus grandes obras.
- The Stoas (1991-1997, 16 mm., 22 min)
Hecha de imágenes tomadas en los soportales desérticos de Atenas durante la hora de la siesta; mientras, las aguas fluyen en un río cercano.

Miércoles, 22 de Junio, 20h
Nathaniel Dorsky - Programa 4: “Meditación”
- Variations (1992-1998, 16 mm., Sin sonido, 24 min)
Esta pieza representa la búsqueda de revelaciones visuales de su autor.
- Pnuema (1977-1983, 16 mm., Sin sonido, 27 min)
En la filosofía estoica, ‘pneuma’ es ‘el alma’ o el viento ardiente que impregna el cuerpo…
- Love’s Refrain (2000-2001, 16 mm, Sin sonido, 23 min)
Una puerta se abre y nos invita

Miércoles, 29 de Junio, 20h
Phil Solomon - Programa 2: “Lo que queda por ver”
- What’s Out Tonight Is Lost (1983, 16 mm. Sin sonido, 8 min)
“La pieza empezó como respuesta a una relación evaporada, pero gradualmente empezó a anticipar otras desapariciones inminentes: juventud, familia, amigos, tiempo…” (P. S.)
- The Secret Garden (1988. 16 mm., Sin sonido, 20 min)
Una leve historia lidia con la desaparición de la inocencia, e invoca por igual al terror y al éxtasis.
- Remains To Be Seen (1989, 16 mm., 17 min)
Filme melancólico dedicado a la memoria de la madre del autor. Uno de los 10 mejores filmes de todos los tiempos según Stan Brakhage.
- The Snowman (1995, 16 mm, 8 min)
“Una meditación sobre el recuerdo, el entierro y la descomposición. Un kaddish tardío para mi padre.” (P. S.)
- Last Days In A Lonely Place (2008, DVCam, 22 min)
“Adiós mis amigos, adiós mis queridos, si fui brusca, perdonad mi debilidad. Adiós mis amigos, adiós a las fiestas de la tarde, recordadme en primavera, ganándote tu propio pan, pronto deberás marcharte. Recuerda a tus familias y trabaja por tus hijos. No necesito demasiado, cuanto mayor soy más me doy cuenta de que mis amistades me llevarán, sea cual sea la distancia del recorrido, sea cual sea la razón de la pena, los amigos que quedan bailarán conmigo. No necesito más, esto es lo que necesito”. (Polly Jean Harvey, Before Departure)

2011-05-03T11:45:00.001+02:00

"I don't think I could edit without pot." - Joyce Wieland

El cielo en la Tierra

2011-04-29T17:20:00.000+02:00

En tiempos de crisis (y no), una buena política es aunar esfuerzos entre instituciones para crear eventos que, de otra forma, hubieran sido incapaces de llevarse a cabo o lo hubieran hecho 'mermados'. Fruto de la colaboración entre La Casa Encendida y (S8) Mostra de Cinema Periférico, y comisariada por Garbiñe Ortega, nos llega el ciclo 'El cielo en la Tierra. La multidimensionalidad en el cine de vanguardia norteamericano', donde podremos explorar la obra de los gigantes Nathaniel Dorsky, Zoe Beloff, Phil Solomon y Robert Beavers. El ciclo se compondrá de 8 sesiones, dos monográficas por cada realizador y se proyectará en Madrid en sesiones semanales del 4 de Mayo al 29 de Junio, y en A Coruña dentro del marco de (S8).

Aubade (Nathaniel Dorsky, 2010)

Nathaniel Dorsky visitará La Casa Encendida para charlar sobre su obra los días 31 de mayo y 1 de junio. Zoe Beloff impartirá en La Casa Encendida un taller de vídeo para performance e instalaciones del 6 al 10 de junio, presentará una performance abierta al público en 3D el miércoles 8 de junio y el jueves 9 de junio proyectará personalmente y en 3D un vídeo sobre su trabajo.

The snowman (Phil Solomon, 1995)

Aula Xcèntric: The Dancing Death

2011-04-29T12:56:00.000+02:00

El CCCB vuelve a la carga en su sección 'Aula Xcèntric' con un ciclo y seminario comisariado por Andrés Duque y Loïc Díaz Ronda. Del 22 de Mayo al 4 de Junio, cerrando la temporada 2010-2011, 'The Dancing Death: Subversión carnavalesca y cine de no ficción' presenta y explora lo carnavalesco en sus diversas manifestaciones en el conglomerado llamado cine de 'no ficción': documental, experimental, videoarte... a través de proyecciones y mesas redondas, así como de un encuentro con la irreverente austríaca Mara Mattuschka y un taller de dos jornadas con Ben Russell.

Domingo 22 Mayo, 18:30 h, auditorio
Proyecciones 1 - Evil & Pop Culture. Jardines del Mal. Inner Visions, Trips & Acid Eaters.
El espacio cinematográfico como un paisaje subjetivo y alucinado. Estas películas describen apariencias cargadas de subjetividad y onirismo: casas, bosques y templos, viajes, sueños, pesadillas y visiones. En su investigación, los autores plantean dudas sobre la experiencia del espacio en el proceso de filmar.
Con obras de Stan Brakhage y Larry Jordan entre otros

Tuning the Sleeping Machine (David Sherman, 1996)

Lunes 23 Mayo, 19.00 h, aula 2
Mesa 1 - Introducción
En esta sesión inaugural, se discutirán algunos conceptos claves del Aula: ¿Qué es la subversión carnavalesca? ¿Cómo se vinculan diferentes corrientes cinematográficas y artísticas con ella? Una reflexión sobre la experiencia fílmica y de lo carnavalesco como armas de subversión frente a los valores morales y los tabúes sociales.
A cargo de Loïc Diaz Ronda y Andrés Duque

Miércoles 25 Mayo, 19.00 h, aula 2
Mesa 2 - 24 Hour Party Tribes. El efecto boomerang de las celebraciones paganas en el cine de no ficción
El cine etnográfico siempre ha indagado en el carnavalesco: ritos macabros, tráfico, fascinación por el primitivismo ... En un irónico efecto boomerang, el neo-tribalismo ha convertido en un valor cardinal de la dance culture occidental. La mesa propone un recorrido cinematográfico por los diversos intercambios entre tribus.
A cargo de Josetxo Cerdán y Andrés Duque

Jueves 26 Mayo, 20:00 h, auditorio
Proyecciones 2 - Mara Mattuschka. Obras Selectas
Cineasta punk y artista performática, considerada una de las máximas figuras del cine experimental, Mara Mattuschka aborda irónicamente en su obra temas relacionados con la locura, el cuerpo y la identidad. Esta sesión, a modo de retrospectiva, recoge diversas e importantes etapas de su trayectoria.

Viernes 27 Mayo, 19.00 h, aula 2
Encuentro con Mara Mattuschka
La cineasta presentará y debatirá sobre su obra con los alumnos del Aula.

parasympathica (Mara Mattuschka, 1986)

Domingo 29 Mayo, 18:30 h, auditorio
Proyecciones 3 - Evil & Pop Culture. Bailando con los muertos. Fetiches, zombies y coreografías profanas
La danza y el cine han compartido la misma tarea de construir, creativamente, el tiempo y el movimiento. El aura del baile, la repetición, el trance, lo grotesco, el agotamiento y el exceso son algunos de los rastros que iremos encontrando a lo largo de esta sesión dedicada a la sensibilidad ya la subversión carnavalesca.
Con obras de Ashish Avikunthak y Raphael Montañez Ortiz, entre otros

Lunes 30 Mayo, 19.00 h, aula 2
Mesa 3 - Ephemeral Queens of Grotesque. Coreografías profanas en el cine camp, queer y postfeminista
Desde la estética camp de los sesenta al actual cine queer y postfeminista, se exhibe en el arte performativo una concepción del cuerpo grotesco y de las identidades sexuales mutantes, opuesta al cuerpo clásico, cerrado y limitado, con sus correspondientes rituales transformistas y sus coreografías paródicas, hipnotizantes y narcóticas.
A cargo de Elena Oroz y Juan Antonio Suárez

Miércoles 01 Junio, 19.00 h, aula 2
Mesa 4 - Rock My Hollywood. Resurrecciones carnavalescas de los muertos fílmicos
Mientras la concepción moderna considera el cine como un aparato embalsamador, destinado a la conservación del recuerdo, otro cine ha anhelado propagar la vida mediante la metamorfosis y la aceleración de los ritmos. Un paseo por las visiones alternativas del movimiento desde el cine primitivo al apropiacionismo posmoderno.
A cargo de Loïc Diaz Ronda y Miguel Fernández Labayen

Kalighat Fetish (Ashish Avikunthak, 1999)

Jueves 02 Junio, 20.00 h, auditorio
Proyecciones 4 - Ben Russell. Trypps, tribus & dioses pícaros
Artista y cineasta americano, Ben Russell muestra un marcado interés por la etnografía y la performance. Esta sesión reagrupa algunos de sus Trypps, poemas visuales en torno a las múltiples formas de la locura, así como su investigación antropológica sobre la mitología, lo arcaico y lo primitivo. La sesión dará paso a una performance del artista.

Viernes 03 Junio, 19.00 y Sábado 04 Junio, aula 2
Taller con Ben Russell - Sujetos, Objetos de percepción
Ben Russell impartirá un taller teórico-práctico basado en la fenomenología de la percepción y la etnografía surrealista, a partir de su propia obra y de figuras clave como Jean Rouch, Catherine Russell, Renzo Martens, Maurice Merleau-Ponty o Luis Buñuel. Los participantes tendrán la oportunidad de ver y comentar algunas películas, así como de realizar ejercicios, exorcismos a partir de la filmación de un mismo evento desde diferentes puntos de vista, para indagar en los efectos que ello tiene sobre la percepción. Lleva tu cámara y prepárate para encarnar tus ideas!

Color perro que huye

2011-03-24T17:08:00.002+01:00

Los próximos días Sábado 26 a las 18h y Domingo 27 a las 20h, en La Casa Encendida, podremos ver 'Color perro que huye', película ganadora del premio del público en la última edición de Punto de Vista. Con la inestimable presencia de su autor.

Tras un accidente que lo deja en cama por dos meses, Andrés Duque recupera imágenes y descartes que viene archivando durante ocho años, con los que elabora un filme íntimo y poético, compuesto por retratos de amigos, paseos comentados y un viaje a su país natal, Venezuela, donde el caos impone su atractivo estético. Una película compleja y fragmentada que nos muestra el mundo más cercano del cineasta, aunque este no diste a veces de ser tan onírico como una pintura de El Bosco.

Archipiélago Val del Omar

2011-03-16T18:57:00.000+01:00

El Museo Reina Sofía sale parcialmente de su letargo audiovisual con el programa Archipiélago de Val del Omar, tejido a partir de cuatro sesiones temáticas que intentan poner en contraste/relacionar la obra del granadino con la de otros autores como Chris Marker, Joseph Cornell, Marie Menken o los experimentos videográficos de Stan VanDerBeek. Archipiélago, conjunto de islas relacionadas en lo 'geográfico', si bien forzado, pero oportunidad de ver, por fin, la obra de VdO en 35mm, junto a la de otros grandes cineastas. MNCARS, Auditorio Sabatini, C/ Santa Isabel, 52, Madrid.

Sesión 1. Documental y pedagogía social, 1930-35. Cine-Tren y Misiones Pedagógicas.
Lunes 21, 19:30h. Presentado por María García Alonso.
- Misiones Pedagógicas: Estampas 1932 (José Val del Omar, 1932). Película 35mm, 11´. Cortesía del Instituto Valenciano del Audiovisual y la Cinematografía "Ricardo Muñoz Suay", Valencia.
- El último bolchevique, 1ª parte (Chris Marker, 1993). Película transferida a vídeo, color y b/n, v.o.s.e., 60´. Cortesía Intermedio, Barcelona.
- Monólogo de Alekandr Ivanovich Medvedkin, extraído de El tren en marcha, (Chris Marker, 1977). Película transferida a vídeo, b/n, v.o.s.e., 17’. Cortesía Intermedio, Barcelona.

El último bolchevique (Chris Marker, 1993)

Sesión 2. Vibración del deseo, 1935-40. Cinegrafías y vanguardia.
Jueves 24, 19:30h. Presentado por Jesús González Requena.
- Vibración de Granada (José Val del Omar, 1934-35). Película 16mm, b/n (proyectada con filtro verde), sin sonido, 21’. Cortesía Archivo María José Val del Omar & Gonzalo Sáenz de Buruaga.
- Rose Hobart (Joseph Cornell, 1936-39). Película 16mm, b/n virado a azul, sonido, 17’25’’. Cortesía Light Cone, París.

Vibración de Granada (José Val del Omar, 1934-35)

Sesión 3. Otros primitivismos, 1953-55. Flamenco e imagen en movimiento.
Lunes 28, 19:30h. Presentado por Pedro G. Romero.
- Aguaespejo granadino (La gran siguiriya) (José Val del Omar, 1953-55). Película 35mm, b/n y virado a verde, sonido Dolby SR, 23’. Cortesía Archivo María José Val del Omar & Gonzalo Sáenz de Buruaga.
- Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken, 1958-61). Película 16mm, color, sonido, 4’. Cortesía Light Cone, París.
- Fuego en Castilla (TáctilVisión del páramo del espanto) (José Val del Omar, 1958-60). Película 35mm, b/n y color, sonido Dolby SR, 18’. Cortesía Archivo María José Val del Omar & Gonzalo Sáenz de Buruaga.
- Bailes primitivos flamencos (Vicente Escudero y Herbert Matter, 1955). Película 16mm transferida a vídeo, b/n, sonido, 16’26’’.

Arabesque for Kenneth Anger (Marie Menken, 1958-61)

Sesión 4. El cine como experiencia: desbordamientos y expansiones, 1960-1980.
Jueves 31, 19:30h. Presentado por Esperanza Collado.
- Acariño galaico (de barro) (José Val del Omar, 1961-1981-82; Javier Codesal, 1995). Película 35mm, b/n, sonido, 24’. Cortesía Archivo María José Val del Omar & Gonzalo Sáenz de Buruaga.
- Adebar (Peter Kubelka, 1956-57). Película 35mm, b/n, sonido, 3’. Cortesía Light Cone, París.
- Variaciones sobre una Granada (José Val del Omar, ca. 1975). Película 35mm, color, sin sonido, 3’. Cortesía Archivo María José Val del Omar & Gonzalo Sáenz de Buruaga.
- Ensayos PLAT (José Val del Omar, ca. 1975-81). Selección de filmaciones en super-8 transferido a vídeo, sin sonido, 3 secuencias de 4’ c/u. Edición digital de Eugeni Bonet.
- Panels for the Walls of the World (Stan VanderBeek, 1967). Vídeo, b/n, sonido, 7'57''.
- Symmetricks (Stan VanderBeek, 1972). Vídeo, b/n, sonido, 6'12''.

Symmetricks (Stan VanderBeek, 1972)

Repasando Punto de Vista (II)

2011-03-04T20:10:00.002+01:00

Una de mis obras favoritas del festival y parte de mi binomio particular en la porra del palmarés era Erie (2010) de Kevin Jerome Everson. Everson emprende un fascinante retrato de la comunidad negra junto al lago Erie, en su Ohio natal, 'narrado' a través de varias tomas únicas de las diversas rutinas y actividades repetitivas, aunque plenamente humanas, de sus participantes. Obreros pegando carteles, una niña mirando fijamente una vela, dos jóvenes ensayando movimientos de esgrima, un celador ordenando tijeras para esterilizar... Erie logra mostrar a la vez esa cotidianeidad inevitable y repetitiva como su belleza.

Erie (Kevin Jerome Everson, 2010)

El largometraje de Everson fue precedido por la proyección de la última pieza de la neoyorquina Jeanne Liotta: Crosswalk (2010). Sin llegar al nivel de Observando el cielo (2007), Crosswalk nos lleva a un fascinante viaje por las diversas comunidades del Lower East Side de Manhattan y sus procesiones de Semana Santa. Al igual que en su precedente obra, el sonido es parte fundamental de la película: el ambiente del tráfico, los pájaros, la música popular y los cantos de los procesionarios, el soniquete de una furgoneta de helados... sirven de contrapunto a las imágenes en super8 en su mayoría montadas en cámara.

Crosswalk (Jeanne Liotta, 2010)

Después llegaría la película ganadora del premio del público (y merecedora de algo más) Color perro que huye (2011) de Andrés Duque. Color... es la película más personal de su director, un trabajo de patchwork íntimo a partir de imágenes acumuladas durante años, descartes, vídeos extraídos de internet... que articula documental y ficción en una secuencia poética que supera mis limitadas capacidades de descripción. Color perro que huye hay que, fundamentalmente, sentirla.

Color perro que huye (Andrés Duque, 2011)

La peor obra proyectada en el festival, aunque no del todo inesperada, fue la sesión especial dedicada a la Correspondencia entre Jose Luis Guerín y Jonas Mekas. Se proyectaron siete de las nueve cartas realizadas para el proyecto, que alternaban entre un Guerín excesivamente ortodoxo, respetuoso y a veces vanidoso y un Mekas juguetón que buscaba romper el excesivo envaramiento del primero. En palabras de uno de los asistentes, ha estado bien verlo, 'aunque sea para ver lo que no hay que hacer'.

Tras una inane e infantil Talking heads (Muslim women) (2010) de Fathima Nizaruddin llegaba True Love (2010), el primer largometraje de Ion de Sosa. Con un punto de partida apenas tratado en el cine español: el retrato íntimo, desnudo en lo físico y lo psicológico de la relación amorosa de su director con su novia Marta durante su estancia en Berlín, y la siguiente ruptura. El proceso de desnudez y revelación de la relación es asombrosaamente 'sincero' sin caer en ningún momento en el sentimentalismo. Pero filmar la ausencia no es sencillo, y en esto True Love, por desgracia, falla. Las secuencias del trabajo en Berlín, la casa vacía y sus alrededores, que debieran transmitirnos el vacío que siente el director tras la marcha de Marta no logran su objetivo y quedan como un lastre al final de la película. Aun así, una obra que merece verse y que genera muy buenas expectativas sobre las próximas obras de su autor.

True Love (Ion de Sosa, 2010)

Repasando Punto de Vista (I)

2011-03-02T23:47:00.001+01:00

Inicio aquí lo que pretendía ser en su momento un breve diario de mi asistencia al festival (por segundo año consecutivo), y que pronto descubrí me era imposible siquiera de iniciar, por motivos tanto de tiempo como técnicos...

El balance general de Punto de Vista 2011 no puede ser más positivo: una sección competititva repleta de buenas películas, ninguna que pueda decir realmente mala, al contrario que otros festivales, incluyendo la pasada edición de PdV; y complementada ésta con varias secciones paralelas y sesiones especiales que no desmerecían o superaban a aquella. Pero es que además, PdV 2011 ha sido éxito de público, no ya sólo del especializado, sino además de los propio público de la ciudad. A ello sin duda han contribuído algo la concentración de días y sedes, pero atrubuirlo a estas causas únicamente sería mentir: el festival ha 'calado' en la ciudad.

Mi particular viaje por PdV 2011 se abría curiosamente con una pieza 'de cierre': Robinson in ruins de Patrick Keiller finaliza 16 años después la trilogía que iniciara con London (1994) y Robinson in space (1997). Vanessa Redgrave toma esta vez el papel de narrador omnisciente que el difunto Paul Scofield tuviera en las dos anteriores, conduciéndonos por un viaje por la Inglaterra rural y afectada por la crisis, siguiendo el rastro que los oleoductos trazan en el agreste paisaje.. Robinson in ruins, aun siendo una buena película, se queda lejos de la perfección que supone London. El viaje de Keiller parece dar bandazos, ya que, si en London se producía una sintonía entre imagen y hechos narrados, en ésta la plétora de datos que ofrece aplasta literamente la imagen.

Robinson in ruins (Patrick Keiller, 2010)

Mi segunda sesión fue el primer contacto con la sección paralela Lo personal es político, comisariada por Elena Oroz y Sophie Meyer. Esta sección recoge las distintas aproximaciones entre documental y feminismo, haciendo hincapié en enfoques distintos del 'canon occidental'. La sesión en cuestión, Deseos de cambio, cambios en el deseo, trataba la evolución del papel de la mujer en la Europa del Este, e incluía documentales como la magnífica aunque ortodoxa I am an Ox, I am a Horse, I am a Man, I am a Woman (1990) de Sally Potter, sobre la mujer en el cine soviético desde los años 20 hasta la época contemporánea. O Writing Desire (2000) de Ursula Biemann, un video-ensayo sobre internet y su impacto en el 'comercio de cuerpos' entre Oriente y Occidente.

Kira Muratova en
I am an Ox, I am a Horse, I am a Man, I am a Woman (Sally Potter, 1990)

La noche del miércoles finalizaba con la sesión especial Young filmmakers rediscovered, dedicada a recoger una pequeña muestra de la producción que a finales de los 60 y principios de los 70 fue generada por adolescentes de los barrios marginales de Nueva York, gracias a un pequeño Film club que les proporcionaba tanto materiales como la formación necesaria. Comisariada por Gabe Klinger y con la asistencia de uno de los directores, Michael Jacobsohn, las películas seleccionadas muestran una frescura como pocas, a la vez que tratan temas como la guerra de Vietnam, la delincuencia, la drogadicción (esnifar pegamento)... Son de destacar las obras de Jacobsohn, quien se mostró motivado a renovar su carrera cinematográfica, y las de Alfonso Sánchez Jr., joven delincuente del que ahora se ha perdido la pista.

America's best (Michael Jacobsohn, 1971)

Videomix: Lluís Escartín

2011-03-01T18:06:00.000+01:00

Y más LCE. ¿Será el único reducto del audiovisual en Madrid? Mientras otros permanecen aletargados, La Casa Encendida se mueve y con muchas cosas ya a la vista (Padrós, Dorsky...). La sección Videomix de este mes recogerá la casi totalidad de la obra de Lluís Escartín, desde sus primeros diarios hasta la fantástica Amanar Tamasheq, ganadora en la pasada edición 2010 de Punto de Vista. El propio Escartín asistirá a las sesiones del 8 de Marzo de este ciclo y a la sesión del 9 de 'Yo no soy esa'.

Programa I: Martes 1 y 15 de Marzo, 20h
- Texas Sunrise. España/EE.UU., 2002. 17 min
La voz de Johnston Frisco, un vagabundo norteamericano, reflexiona sobre el papel de la libertad en la sociedad occidental actual. Mientras, las imágenes nos presentan una América semicivilizada, profunda, extensa, que esquiva la corrupción de su espíritu y en la que los cowboys trotan en Chevrolet.
- Tabú Maná. España, 2009. 30 min
En la Polinesia se da mucha importancia a las energías espirituales, que en polinesio se llaman Maná. Para ellos, el Maná es algo vital, poderoso. Tabú es también una palabra polinesia y quiere decir prohibido.
El colonialismo francés les ha prohibido su lengua, su religión, su cultura, y sigue prohibiéndoles cosas y destruyendo, a cambio de progreso y dinero. Pero todavía queda algo, una fuerza femenina, telúrica...
- Amor. España, 2001. 27 min
Para exorcizar las experiencias que había vivido como corresponsal de guerra, Escartín quiso hacer un trabajo sobre la violencia sin mostrarla. Así surge este encuentroentrevista con un exsoldado de la élite israelí. En lugar de rehusar a darle la palabra a quien muchos consideran un verdugo, él le reclama su testimonio.

Amanar Tamasheq (Lluís Escartín, 2010)

Programa II: Martes 8 y 22 de Marzo, 20h
- Águila, Arizona. España/EE.UU., 1992. 15 min
La memoria guarda imágenes al margen de la voluntad de la conciencia, y los recuerdos recrean vivencias a través de una amalgama de estas imágenes. Así funciona esta obra que recrea un viaje por el desierto de Mohave junto a la coreógrafa Olga Mesa.
- Nescafé Dakar. España, 2007. 30 min
Durante la convalecencia de su compañero de viaje, Cesare Costanzo, Escartín graba, desde la ventana indiscreta de la habitación del hospital, la cotidianidad de una calle de Dakar. Un accidente le impide grabar el África que se había programado, pero le permite encontrar una más auténtica.
- Mohave Cruising. España/EE. UU., 2000. 13 min
Desde el asiento trasero de un coche que se encamina por el desierto, la cámara recoge la áspera conversación del piloto, una mujer, y el copiloto, su marido, acerca del desierto, el color de las nubes y los rayos de Sol que atraviesan los agujeros en el cielo. La experiencia de la belleza es intrínseca a cualquier ser humano.
- Amanar Tamasheq. España/Mali, 2010. 15 min
Escartín se adentra en el desierto de Mali y convive durante un tiempo con los rebeldes tuareg. Ellos le piden que registre su historia y la lleve más allá de las dunas, aunque él no comprenda qué es lo que está documentando; incluso, si lo más importante permanece invisible.

Nescafé Dakar (Lluís Escartín, 2007)

Programa III: Martes 29 de Marzo, 20h
- El camino de las abejas. España/ México, 1997. 29 min
La selva Lacandona mexicana, en el estado de Chiapas, vive en el corazón de los Hach Winik (en maya, “gente verdadera”).
Ellos pertenecen a la selva, la selva vive en ellos. La cámara nos adentra en su cotidianidad y nos hace palpable la amenaza del presente para su supervivencia.
- 75 Drive-a-way. España/EE.UU., 1991. 20 min
Diario de viaje que refleja la sensible percepción de la realidad de este autor. Una reflexión sobre la violencia que a menudo estalla desde las solitarias extensiones de terreno y vacío a las que se refieren los signos de América.
- Terra incógnita. España, 2005. 24 min
“No hay nada más extraño en una tierra extraña que el extraño que la visita.” La máxima del cineasta australiano Dennis O’Rourke parece guiar esta visita de Lluís Escartín a una tierra extraña: la de sus propios vecinos en el Penedés catalán. Lejos de cualquier mirada dulzona sobre el mundo rural, Escartín nos asoma a nuestros propios abismos sin ánimo de comprenderlos, apenas, si acaso, mostrarlos con toda su crudeza y humor.
- Gora Terra Film. España, 2008. 5 min
Su obra más intimista hasta el momento. En una plaza de Pamplona, Escartín gira sobre sí mismo ininterrumpidamente mientras canta “Time after time”, de Chet Baker. El teléfono móvil es una nueva arma en sus manos para cazar a la realidad por sorpresa.

Festival Play: Cine en directo

2011-03-01T11:42:00.000+01:00

El Festival Play de cine en directo alcanza su quinta edición en La Casa Encendida. En las dos sesiones de cine y música en vivo que nos propone su comisario, Andy Davies, podremos disfrutar diversas creaciones 'cinematográficas' generadas en directo: la animación a partir de transparencias Every Time I See Your Picture I Cry de Daniel Barrow; los superocho llenos de múltiples exposiciones y editados en cámara de Paul Clipson musicados por Jefre Cantu-Ledesma de los Tarentel ó The Alps; y Cipher Screen, la obra a partir de dos proyectores de 16mm en las que Greg Pope perfora la película y Lee Patterson genera la música a partir de los propios proyectores. La sesión del viernes se abre con un programa de cortos de animación con piezas de Jane Geiser, el "reanimador" Lewis Klahr y la siempre impresionante Martha Colburn.

Every Time I See Your Picture I Cry (Daniel Barrow)

Viernes 4 de Marzo
22.00h Recortes. “Cortos de animación”
- Ghost Algebra, de Janie Geiser. EE.UU., 2009
Collage gráfico y sonoro a partir de objetos encontrados, ilustraciones médicas y fotografías de imágenes electrónicas para investigar el sentido original de la palabra álgebra.
- False Aging, de Lewis Klahr. EE.UU., 2008
Klahr habla de la sensación de vivir a destiempo con el resto del mundo, de una suspensión de la progresión interminable de las horas. La música de Jefferson Airplane y las palabras de Andy Warhol, de fondo.
- Myth Labs, de Martha Colburn. EE.UU., 2008
Mezcla de arte folclórico y las visiones de los pioneros puritanos que poblaron Estados Unidos en un delirante viaje a través del miedo, la paranoia y la salvación.

22.45h
- Every Time I See Your Picture I Cry, de Daniel Barrow (dibujo y voz en inglés)
Daniel Barrow ha desarrollado una íntima técnica de ‘animación manual’ utilizando la anticuada tecnología del proyector de acetatos. Su hábil manipulación de una serie de transparencias de sus propios dibujos crea una especie de comic en movimiento. Estas imágenes acompañan una narración en directo que cuenta la inquietante historia de un artista basurero empeñado en crear un registro de las vidas de los habitantes de la ciudad.
Rastreando la basura y escudriñando los deshechos, el basurero configura la imagen de cada uno de los ciudadanos. Pero no se da cuenta de que él mismo está siendo investigado por otro personaje mucho menos inocente. La música original es obra de Amy Linton del grupo The Aisiers Set.

Within Mirrors (Paul Clipson & Jefre Cantu-Ledesma)

Sábado 5 de Marzo
22.00h
- Paul Clipson y Jefre Cantu-Ledesma (Súper 8 y música)
Las elegantes películas de Paul Clipson revelan los sorprendentes colores y texturas del Súper 8, un formato de cine habitualmente asociado a las grabaciones familiares. Su cámara capta la luz y el movimiento describiendo con ellos los extraños ritmos y velocidades de la vida cotidiana. Su estilo remite al cine de artistas como Stan Brakhage o Marie Menken, pioneros del cine experimental. El músico Jefre Cantu- Ledesma fue miembro del grupo de posrock Tarantel y fundador del sello Root Strata en San Franscisco.
Sus densos paisajes sonoros se asocian de una manera muy particular con las imágenes de Clipson. El resultado demuestra la estrecha y larga colaboración entre ambos artistas.

22.45h
- Cipher Screen, de Greg Pope y Lee Patterson (16 mm y música)
En Cipher Screen, Greg Pope proyecta dos loops de 16 mm sobre una sola pantalla. La película pasa sobre la mesa de trabajo de Pope que raya y perfora el celuloide a su paso con una serie de pequeñas herramientas. A medida que la película se repite desaparece un poco más de la emulsión; la luz se hace cada vez más intensa y frenética hasta que se borran por completo todos los fotogramas. Este proceso visual se repite en la sonorización de la obra. Los ruidos grabados por micrófonos de contacto, ubicados dentro de los proyectores, son manipulados por el artista sonoro Lee Patterson para crear una composición en directo y perfectamente sincronizada con las imágenes.

Greg Pope

Yo no soy esa. Identidades borrosas en el cine contemporáneo

2011-02-16T21:22:00.000+01:00

Bajo el folklórico título de 'Yo no soy esa', La Casa Encendida nos ofrece durante los dos próximos meses, un interesante conjunto de cortos y largos documentales centrados alreadedor de la temática del concepto de identidad, la presunta 'realidad' de ésta, y su reflejo en el cine. En este ciclo, comisariado por Gonzalo de Pedro, podremos hacer un recorrido por la producción documental más reciente, desde las exploraciones de los cineastas nacionales Jorge Tur y Lluís Escartín, el cine reivindicativo de Avi Mograbi o el impresionante retrato que realiza Antoine Boutet.
Cada miércoles de Febrero y Marzo a las 20h en La Casa Encendida, Ronda Valencia, 2 28012 Madrid.

16 de febrero: Feminismos
- Conversations de Salon II (Danielle Arbid, Francia, 2009. 29 min.)
Pequeños espacios de libertad: un salón, una mesa de té. Cuatro mujeres de la alta sociedad libanesa se juntan mientras sus maridos trabajan, construyendo un reducto espacio-temporal donde cualquier cosa se pone en duda: la ley, la religión, la cirugía estética, el velo que se descorre para dejar ver un rostro. O no.
- Dan Carter (A.S.M. Kobayashi, EE.UU., 2006. 14 min.)
Dan Carter vendió su contestador automático a una tienda de segunda mano. Dan Carter no quitó la cinta que venía dentro. A.S.M. Kobayashi compró ese contestador. Y filmó esta película: travestismo, roles de género, y puesta en cuestión de la cultura del macho.
- Dirty Martini (Iban del Campo, España, 2009. 24 min.)
Mujeres que exageran sus rasgos femeninos con ánimo punk-rock. Mujeres rotundas, con carácter, mujeres que ponen patas abajo los roles tradicionales. Vestidos desbocados, striptease, y mucho humor. Es el nuevo burlesque.
- Conversations wit de Churen III: Da Young & Da Mess (Kalup Linzy, EE.UU., 2005. 17 min.)
Kalup Linzy, videoartista, performer y gamberro audiovisual, se apropia en su tercera entrega de su serie Conversations de los códigos del culebrón y las soap-operas para parodiar el trabajo de Hollywood a la hora de crear y consolidar estereotipos de género y clase. Con poco más que un teléfono, Linzy despliega sus habilidades performativas para deconstruir un género a través del humor, el sarcasmo y la ternura.

Dan Carter (A.S.M. Kobayashi, 2006

23 de febrero: El otro y yo
- Le plein pays (Antoine Boutet, Francia, 2009. 58 min.)
El retrato de un hombre (acompañado por una cámara nada invisible) ocupado en tareas que parecen absurdas: cavar túneles, vaciar el campo de grandes piedras y grabar en un viejo magnetofón canciones de Jacques Brel. ¿Quién es el loco y quién el cuerdo? ¿Quiénes somos, nos pregunta él?
- No es la imagen, es el objeto (Andrés Duque, España, 2008. 12 min.)
Trabajando con un viejo álbum de cromos sobre las razas del mundo, Duque nos enfrenta a nuestras imágenes preconcebidas sobre los demás. Una indigesta exposición personal que bebe tanto del cine diario como de las impúdicas webcam en las que miles de personas dibujan su identidad a ojos de los demás. Antropofagia cultural de primer orden.
- If the camera blows up (Óscar Pérez, España, 2008. 12 min.)
Reinventor del cine directo, el cine de Óscar Pérez es cada vez más incómodo y afilado. Entregando su cámara a un inmigrante paquistaní afincado en Barcelona, Pérez nos sitúa en ese lugar del espejo donde nunca nos gusta vernos: enfrentados a nuestros propios prejuicios, protagonistas de una desconfianza que no aceptamos.
- Castillo (Jorge Tur, España, 2009. 16 min.)
Ni locos ni cuerdos. Jorge Tur se acerca sin compasión ni afán espectacular a un ejercicio cotidiano en un hospital psiquiátrico: el de un interno que ha de aprender a realizar la entradilla de un informativo mientras un monitor le corrige los errores. Sin querer ir más allá de lo visible, Tur filma una impostura que se nos presenta como tal.

Le plein pays (Antoine Boutet, 2009)

2 de marzo: Reescribirse
- The Red Chapel (Mads Brügger, Dinamarca, 2009. 87 min.)
El mundial de Sudáfrica tuvo un invitado de excepción: la selección norcoreana. La presencia de sus jugadores y aficionados (que en realidad eran chinos) despertó un gran interés. Todos quieren saber de uno de los países más desconocidos del planeta. El elegido para adentrarse en esta implacable dictadura es el cómico Mads Brügger. Esta suerte de Borat danés viajará al país del eterno Kim Il Sung con dos cómicos (un chico espasmódico y un coreano que reniega de sus orígenes) y un objetivo: con la excusa de un espectáculo teatral, la troupe señalará, con sorna, los abusos de poder de Corea del Norte.

9 de marzo: Turismo
Con la presencia de Lluís Escartín
- Hinterland (Marie Voignier, Francia, 2009. 50 min.)
Sobre las ruinas de una antigua instalación militar soviética en la antigua Alemania del Este se levanta ahora Tropical Islands, un singular parque de atracciones de 66.000 m². Una inmensa bóveda militar bajo la que se esconde ahora un simulacro de isla tropical. 25ºC de temperatura constante, una playa lánguida con el agua a 30°C y una humedad del 60%. Y sobre todo, la extrañeza de habitar un lugar tropical (aunque sea de cartón piedra) sobre las ruinas de la historia.
- Terra incógnita (Lluís Escartín, España, 2005. 25 min.)
“No hay nada más extraño en una tierra extraña que el extraño que la visita”. La máxima del cineasta australiano Dennis O´Rourke parece guiar esta visita de Lluís Escartín a una tierra extraña: la de sus propios vecinos en el Penedés catalán. Lejos de cualquier mirada dulzona sobre el mundo rural, Escartín nos asoma a nuestros propios abismos sin ánimo de comprenderlos, apenas, si acaso, mostrarlos con toda su crudeza y humor.
- Le Bled (Buildings in a Field) (Jem Cohen, EE. UU., 2009. 11 min.)
A las afueras de Tánger, Marruecos, unos bloques de casas semi-abandonados o en semi-construcción. Como una forma de contra-turismo, Cohen, en colaboración con Luc Sante, se acerca al patio trasero de un país contradictorio en el que cabras y nuevas construcciones dan pie a una nostalgia carente de idealización. Un país que cambia, y un cineasta que lo filma.

Hinterland (Marie Voignier, 2009)

16 de marzo: Ritos de paso
- Brother? (Jean-Marc Superville Sovak, EE.UU./ Canadá, 2007. 8 min.)
Un mundo repleto de posibles dobles, un mundo repleto de posibles hermanos. A través de un collage de rostros similares al suyo, y similares entre sí, el autor reflexiona sobre las marcas identitarias y la necesidad de reconocimiento como rito de paso y pertenencia a una comunidad.
- Quiero ver (Adele Horne, EE. UU, 2008. 6 min.)
Un desierto azotado por un sol impenitente. Bajo él, a muchos grados de temperatura, hombres, mujeres y niños lo miran de frente, le hacen fotos, y cantan incansables “Quiero ver, quiero ver, quiero ver”. Alucinaciones colectivas, visiones que unen al grupo.
- My McQueen (Lourdes Portillo, EE.UU., 2004. 20 min.)
La figura de Steve McQueen, auténtico representante de “lo masculino” sirve a la mexicana afincada en EE. UU. Lourdes Portillo para desmontar las normas que fundamentan la idea colectiva de la masculinidad: coches, velocidad y hombres atractivos.
- Gennariello due volte (Elise Florenty, Dinamarca, 2009. 87 min.)
Hacer la revolución bailando sobre las mesas. Comer, beber, y sobre todo amar como caminos y vías revolucionarias. La energía adolescente, época de tránsitos, pone en cuestión el orden de las cosas. Respondiendo a Pier Paolo Pasolini, una hipotética voz adolescente reflexiona sobre un mundo que ya renunció a sus sueños.

Gennariello due volte (Elise Florenty, 2009)

23 de marzo: Fin de la coherencia
Con la presencia de Los hijos
- Glossolalia (Érik Bullot, Francia, 2005/2007. 20 min.)
¿Es posible comunicarse en idiomas imaginarios? ¿Podemos confiar en las palabras para entendernos entre nosotros y, a la postre, entender el mundo? Si es cierto que los esquimales tienen veinte palabras para decir “nieve”, ¿qué ocurre cuando ninguna de esas palabras corresponde a nada concreto y palpable?
- Los materiales (Los hijos, España, 2010. 71 min.)
Los restos de un rodaje, como las armas sobre el campo de batalla al amanecer. Lo que el colectivo “Los hijos” filman aquí son los restos del documental, lo que queda de él tras haber peleado duro por filmar algo verdadero, y no haberlo logrado. Entonces, que una película basada en hechos reales derive en un filme de terror no debería sorprender a nadie.

30 de marzo: Quiero una cara nueva
- Z32 (Avi Mograbi, Israel/ Francia, 2009. 81 min.)
Los soldados quieren un nuevo rostro. Digital, quizás. Un ex-soldado israelí que participó en una operación de venganza en la que resultaron asesinados dos policías palestinos busca perdón por lo sucedido. ¿Se puede contar la tragedia renunciando a los rostros, garantes últimos de la autenticidad? ¿Qué documental puede nacer de una película de rostros deformantes?

Z32 (Avi Mograbi, 2009)

No todo está perdido...

2011-02-15T15:24:00.002+01:00

...aunque hasta Mayo, rien de rien.

2011-02-10T06:11:00.000+01:00

Cabecera Punto de Vista 2011

2011-02-03T22:20:00.000+01:00

Cabecera de la inminente edición de Punto de Vista, que se presenta este año con un magnífico cartel. Tras el homenaje Walseriano de Víctor Iriarte, Fernando Franco recupera y distorsiona digitalmente la primera prueba de cámara de la historia.

Playtime Audiovisuales: Fotomatón

2011-02-03T22:10:00.000+01:00

Playtime Audiovisuales presentan este mes en la sala Off Limits su nuevo programa itinerante. Fotomatón agrupa, bajo la temática del retrato, un variopinto conjunto de obras y creadores, desde la ficción documental de Virginia García del Pino, las deconstrucciones de Fernando Franco o la más reciente obra a partir de metraje encontrado de David Domingo. Off Limits - C/ Escuadra, 11, Metro Antón Martín y Lavapiés - Madrid; Martes 22 de febrero, 20:30h.

- Espacio simétrico, de Virginia García del Pino (2010, sonido, color, 10 minutos. Digital.).
Película simétrica, entre el documental y la ficción, el cine y el vídeo, lo femenino y lo masculino, que habla del espacio común entre una mujer desconsolada por su enfermedad y un astronauta decidido a participar en el primer viaje con tripulación a Marte.
- Cut up life, de Julio J. Von Drove (2006, sonido, b/n, 4 minutos, Súper 8).
Disección visual y mental a partir de muestras biográficas, artísticas, políticas de William S. Burroughs.
- Les variations Dielman, de Fernando Franco (2010, sonido, color, 11 minutos. Digital).
Ensayo realizado a partir de las conclusiones desarrolladas tras el estudio de Jeanne Dielman, de Chantal Akerman.
- Ich allein auf fremde wegen, de Félix Fernández (2011, sonido, color, 6 minutos. Digital.).
El vídeo profundiza en la identidad del inmigrante, en la conciencia de la diferencia y la inclusión o exclusión dentro del grupo dominante.
- Val del Omar fuera de sus casillas, Noosfera, Aurora Fase II, de Velasco Broca (2010, sonido, color y b/n, 5 minutos. 16 mm.).
Entre julio y octubre del 2009 el cinematógrafo propició y registró encuentros de ex parejas así como de sus respectivas parejas actuales. Berlín, Barcelona y Madrid. También exhaustivos retratos de las fachadas de sus edificios.
- Oficios preventivos: Vigilante de seguridad, de We are QQ (Usue Arrieta, Vicente Vázquez) (2006, sonido, color, 19 minutos. Digital.).
Explora el fascinante territorio de aquellas ocupaciones profesionales cuyo mayor mérito consiste en que nada pase: Aquí, el vigilante de seguridad se nos muestra con un perfil claramente alejado del estereotipo que circula sobre estos profesionales.
- Disney attraction highlights nº 1, de David Domingo (2009, sonido, color y b/n, 5 minutos. Super 8.).
Una película que retrata las maravillas del mundo vistas a través de los ojos de un gato, cine lírico, cine de aventuras, cine de Hollywood, cine amateur… CINE

Taller de Experimentación Cinematográfica y Audiovisual

2011-01-30T12:09:00.000+01:00

El efecto del cine

2011-01-29T17:27:00.000+01:00

La exposición titulada El efecto del cine: Ilusión, realidad e imagen en movimiento. Realismos que se inició ayer viernes 28 en CaixaForum Madrid intenta reflejar el impacto que tiene el cine sobre la cultura visual de nuestro tiempo, y particularmente en su vertiente documental, a partir de obras de Paul Chan, Ian Charlesworth, Omer Fast, Runa Islam, Isaac Julien, Mungo Thomson y Kerry Tribe.

- 1st Light (Paul Chan, 2005)
Proyección, animación digital. Color. Sin sonido. 14 min, bucle
Proyectada en bucle continuo, esta animación por ordenador, que muestra la visión de su autor sobre un acontecimiento apocalíptico, nos traslada cíclicamente del amanecer al anochecer, de la tranquilidad a la catástrofe. En las imágenes, una serie de productos de consumo se elevan hacia el cielo y unos cuerpos humanos caen desde lo alto. Esta inversión entre el producto y la persona sugiere una relación de causaefecto entre nuestro mundo excesivamente mercantilizado y la crisis.

- John (Ian Charlesworth, 2005)
Instalación en DVD en un solo monitor. Color. Sonido. 13 min 28 s
En los últimos tiempos, ha venido siendo habitual entre los directores de cine y los productores de televisión y publicidad contratar a jóvenes de clase trabajadora de Irlanda del Norte que representan a la juventud de Belfast. Aquí, el videoartista filma a uno de estos jóvenes, John, durante un casting, mientras el chico intenta seguir las instrucciones que recibe fuera de pantalla indicándole que actúe interpretándose a sí mismo en distintas situaciones: una riña con su novia, un enfrentamiento con un supuesto rival y la relación con un padre borracho.

- Double (Kerry Tribe, 2001)
Instalación en un solo monitor, vídeo transferido a DVD. Color. Sonido. 10 min 25 s
Durante el proceso de creación de este vídeo, la artista publicó un anuncio y contrató a cinco actrices con cierto parecido con ella para que la interpretaran delante de la cámara. Después de mantener conversaciones personales con la autora, fueron filmadas representando el papel de «videoartista». Aparecen llevando a cabo actividades cotidianas y comentando detalles sobre su vida y su trabajo, a partir de lo que recuerdan e interpretan sobre el pasado de la artista, las decisiones que tomó y sus deseos.

Tuin (Runa Islam, 1998)
Instalación, película de 16 mm y DVD. Color. Sonido. 6 min, bucle.
Tuin recrea un momento de la película Martha (1974), de Rainer Werner Fassbinder, en el que se nos muestra en 360 grados el primer encuentro de los protagonistas masculino y femenino. En el original, los mecanismos de producción están ocultos, pero en la recreación de Islam, los bucles de vídeo a cámara lenta nos muestran el carril circular para el travelling de la cámara y al equipo de rodaje filmando la escena. Julian Rosefeldt (Múnich, Alemania, 1965) Lonely Planet, 2006 Proyección, película de 35 mm transferida a DVD. Color. Sonido. 16 min 18 s, bucle. Rosefeldt retrata a un típico mochilero siguiendo las indicaciones de una guía de viajes Lonely Planet. Se trata claramente de un occidental, con su mochila adornada con imágenes del Che Guevara, su pañuelo y sus chancletas, desplazándose por la India actual. Durante su viaje, cada vez más surrealista, se ve cuestionada su identidad como personaje «real» o «ficticio», mientras los movimientos de la cámara, que pasa de primeros planos a otros más generales, nos muestran el material de rodaje.

- Fantôme Créole (Isaac Julien, 2005)
Instalación, película de 16 mm transferida a DVD. Color. Sonido. 23 min 27 s
Julien despliega este análisis del cine, el paisaje, el personaje y la metáfora a lo largo de cuatro pantallas y dos continentes, con localizaciones tanto en Burkina Faso como en el norte de Escandinavia. En medio de este escenario cambiante, reaparecen dos figuras: una mujer, que en ocasiones recuerda al explorador polar Matthew A. Henson, atravesando zonas heladas pero también paisajes áridos, y un «estafador» que explora la arquitectura africana tradicional pero también los espacios urbanos.

- Godville (Omer Fast, 2005)
Videoinstalación. Color. Sonido. 51 min
Los personajes de Godville son residentes de Colonial Williamsburg, un conocido centro de interés histórico que recrea la capital de la colonia de Virginia en el siglo XVIII. Fast entrevistó a una «ama de casa», un «miliciano» y un «esclavo» para que le hablaran de sus vidas reales y de los papeles que representaban. La línea que separa al actor de su propio yo se complica a medida que cada personaje mezcla hechos históricos con interpretaciones subjetivas, caprichos de la memoria y florituras interpretativas. El montaje agresivo de Fast resalta el poder del director de cine sobre la representación de sus personajes.

- New York, New York, New York, New York (Mungo Thomson, 2004)
Instalación proyectada, DVD. Color. Sonido. Paramount: 9 min 49 s, bucle. Fox: 6 min 31 s, bucle. Universal: 8 min 59 s, bucle. Culver: 3 min 40 s, bucle.
En la instalación de Thomson en cuatro pantallas descubrimos que una serie de imágenes en bucle, aparentemente escenas callejeras de Nueva York, son en realidad un plató de Hollywood. Una palmera al fondo, las frutas falsas en un escaparate y el descubrimiento de que un edificio aparentemente sólido no es más que una fachada, alertan al espectador sobre el engaño.

New York, New York, New York, New York (Mungo Thomson, 2004)

La exposición se complementa con un ciclo de proyecciones Corrientes alternas. Trasvases entre el cine experimental y el cine comercial. Poco más que hablar, dado que el propósito queda evidente en el título, y los ejemplos, demasiado crudos para que su diálogo llegue a aportar algo. Sin embargo, es una buena oportunidad de revisitar algunos clásicos, o de simplemente disfrutar de buen cine.

Lunes 31 de enero, 19.00 h
- Tropical Malady. Apichatpong Weerasethakul. Tailandia (2004), 118 min
- At Land. Maya Deren. EE. UU. (1944), 15 min

Lunes 7 de febrero, 19.00 h
- Cloverfield. Matt Reeves.EE. UU. (2008), 85 min
- Notes on the Circus. Jonas Mekas. EE. UU. (1966), 13 min

Lunes 21 de febrero, 19.00 h
- Nobody’s Business. Alan Berliner. EE. UU. (1996), 60 min
- Home Stories. Matthias Müller. Alemania (1990), 6 min

Viernes 4 de marzo, 19.00 h
- Los muertos. Lisandro Alonso. Argentina (2004), 78 min
- Nijuman no Borei (200.000 fantasmas). Jean-Gabriel Périot. Francia (2007), 10 min

2011-01-25T18:38:00.000+01:00

"Telling the eyes, not telling the story.

Pure telling." - Robert Kelly. Notes on Brakhage

Recetas para la reconstrucción

2011-01-18T19:57:00.000+01:00

Recipes for reconstruction es el título del libro autoeditado en que el veterano animador canadiense Steven Woloshen nos desvela las técnicas y procesos que utiliza para realizar sus películas de animación sin cámara a partir de metraje de archivo: raspado, collage, pintado sobre celuloide, cómo enterrar el celuloide para descomponerlo... Desde las técnicas más simples hasta la creación de tu contact printer casera a partir de una vieja caja de zapatos. El libro está dividido en diversas 'lecciones' que explican el proceso de realización de las nueve películas incluídas en el DVD que acompaña al libro y de las que podéis ver unas capturas a continuación.

Chronicle reconstructions (Steven Woloshen, 2008)

Zero visibility (Steven Woloshen, 2009)

La Dolce Vita (Steven Woloshen, 2008)

Scrapbook (Steven Woloshen, 2008)

Fleeing Rotland (Steven Woloshen, 2009)

The Homestead Act (Steven Woloshen, 2009)

Editorial (Steven Woloshen, 2009)

The Rosetta stone (Steven Woloshen, 2010)

Emergentes y sumergidos

2011-01-18T19:40:00.002+01:00

En estos tiempos de recortes y sequía institucional cobran aún más valor, si cabe, las 'iniciativas privadas' como las que nos presentan María Adell y Marta Bassols de Toda la noche oliendo a film. En el ciclo 'Emergentes y sumergidos', como se recoge en su declaración de intenciones, nos ofrecen "recorre(r) la obra de varios directores del panorama español que por motivos políticos o intereses comerciales fueron sumergidos (no distribuidos-no exhibidos), y de jóvenes directores que emergen en circuitos independientes, y que no encuentran (y quizá no busquen) cabida en las salas comerciales." El ciclo se inició el pasado domingo con una sesión dedicada a Antoni Padrós, y continua con otras propuestas no menos sugerentes. Cada domingo, en la Asociación Cultural Freedonia (c/ Lleialtat, 6, Barcelona).

- Domingo 23 de enero, a las 19:30h: "Margarita" (2009, 81 min), documental inédito de Albert Pons. Con la presencia del director.

"'Margarita' es "¿Qué fue de Baby Jane" ambientada en el barrio del Raval". Antoni Padrós.

- Domingo 30 de enero, a las 19:30: "El brau blau" (2009, 89 min), de Daniel Villamediana. Con la presencia del director.

"Villamediana filma a su primo Víctor J. Vázquez preparándose para el enfrentamiento final con un toro invisible como si los preliminares tuvieran algo de liturgia religiosa. Vázquez recoge piedras, desayuna, lee y practica con su capote, y cada uno de sus actos parece el de un samurái de Melville". Sergi Sánchez.

Gradiva

2011-01-17T13:01:00.000+01:00

Paso a paso, las ilusiones se nos escapan como una serpiente entre dos piedras. La solemne y ritualizada repetición de los pies de una doncella que camina sobre las antiguas piedras ha sido descrito como una sinécdoque, un tropo por el cual la parte representa el todo. El todo en este caso es la novela de W. Jensen 'Gradiva', inmortalizada por Freud, Breton y muchos intelectuales franceses como Jean Rouch o Derrida. Es una historia acerca de un arqueólogo fascinado por la figura de un antiguo bajorrelieve que representa la caminata de una joven de Pompeya. Rodada con la ayuda de Bruno Nuytten (conocido por su trabajo con Duras), la Gradiva de Carasco es una construcción poética de la fetichización del deseo, que parece ir en contra de la lectura de Freud: el movimiento elegante de los pies de la doncella se ve como el objeto sí mismo, no es un mero referente, del deseo masculino. La sucesión aparentemente infinita de pasos y sus ritmos diferentes nos acerca más a los encantos irreales del fetiche - el pie desnudo con ternura acariciando las piedras de Pompeya, como para atraer a conciencia y eludir al espectador, las texturas y la iluminación caprichosa de los desmoronados muros y piedras; el movimiento y la carne en sí mismos. Sobre la base de técnicas contemporáneas de flauta y cinta, la partitura de Pablo Mefano es una sucesión adecuadamente poética de movimientos largos y cortos que a menudo parecen eludir la percepción. En algunos puntos, las notas sostenidas de Gradiva evolucionan lentamente alrededor de sí mismas, confundiendo tono y siseo y permitiendo el espacio acústico para respirar suavemente como una brisa de primavera; en otros puntos, las frases parecen repetirse y generar eco en patrones que nunca aparecen o se revelan por completo. Hermosa y atractiva como pocas películas lo han sido. - Eye of Sound

Gradiva Esquisse 1 (Raymonde Carasco, 1978))

Raymonde Carasco, retrato de Gérard Courant, Cinématon n°32, 1978

In Memoriam: Raymonde Carasco 1933-2009 – Master of the Ethnographic Poem, por Nicole Brenez.
Les films ethnologiques de Raymonde Carasco por David Matarasso

Diwan

2011-01-16T20:38:00.000+01:00

Imposible ni siquiera intentar reflejar una mínima parte de lo que supone visionar 'Diwan' (1973) en unas cuantas imágenes estáticas. La magna obra del cineasta alemán Werner Nekes se resiste a ser capturada y resumida, tanto en su experiencia visual como en la hipnótica banda somora creada por Anthony Moore.

"Hynningen ('Techo de miel' en sueco) comienza con largas exposiciones múltiples de un paisaje con un claro, abriéndose hacia el horizonte. En medio del claro hay una simple cabaña de madera del tipo característico del norte de Europa o de Quebec. Hay actores: un hombre y una mujer - en la ventana, en la puerta, paseando por el césped, duplicados o incluso triplicados por exposiciones múltiples. Las huellas que han dejado en diferentes momentos del día y la luz cambiante aparecen como suaves fantasmas. Si nuestras variantes percepciones sobrevivieran a los cambios de ubicación, experimentaríamos un fuerte sentido de continuidad y de repetición. Esta contraparte visual al imperfecto tiempo gramatical es amplificada por tres tonos altos sobre un fondo de curvas sinoidales. Estos poco a poco alcanzan un tono más alto. Pero esta casa aislada, filmada en la densidad casi silenciosa de una baudeleriana 'tarde sin fin', que parece como si estuviera hecho para dar cabida a la paz y la meditación, ¿no consigue una repentina, desconcertante presencia? Si bien es cierto que el término "ser" originalmente significa no sólo"vivir"y "desarrollarse", sino también "habitar", teniendo en cuenta tanto las raíces indoeuropeas (es, bhû), como la germánica "wes", ¿no trae a la memoria, al ver esta morada, aquello que Heidegger dijo sobre el hombre como "el guardián de su ser"? ¿No es este techo de miel el lugar de la protegida existencia? No importa lo que el propio Nekes piense acerca de sus películas y no importa cuán dominante sea la primacía de la técnica y la estructura, ¿acaso no ha comenzado con DIWAN a erigir una obra metafísica, en la que el cine se otorga la tarea de ocultar y revelar la existencia como tal? Este es precisamente el objetivo que, según Heidegger, constituye un privilegio opresor del hombre, el hombre que se somete a la dolorosa experiencia del aburrimiento y de la angustia. El final de la película es tan alegre como misterioso: nos lleva a la casa con el techo de miel. Frente a una ventana, abierta como en las pinturas de Magritte, los habitantes de pie, en exposición múltiple, desnudos y en silencio..." - (L'Art Vivant, Paris, Oct. 1974).

Imágenes capturadas de la edición en DVD.

Sequía eneril

2011-01-03T12:55:00.001+01:00

Nada, de nada, de nada...

(Todo hay que decirlo, las razones de esta 'sequía' son bien diversas: LCE cierra casi todo el mes de Enero, mientras que el caso del Reina Sofía es más preocupante, ya que su sección de audiovisuales parece que se dedicará únicamente a gestionar cosas relacionadas con su colección. Eso sí, para los amantes del buen cine, en el CBA tenemos un ciclo de Murnau.)

Nadie es profeta en su tierra...

2010-12-23T18:09:00.000+01:00

...y a nadie mejor se aplica este dicho que a la figura de Adolfo Arrieta (o Adolpho Arrietta en su más reciente grafía). La obra de Arrieta ha sido siempre más conocida y apreciada en Francia que en su país natal, y última prueba de ello es el inicio de la edición de su obra en DVD por Re:Voir, que se inicia con la publicación de 'La trilogía del ángel', compuesta de sus primeros cortos El crimen de la pirindola (1965), La imitación del ángel (1966) y Le jouet criminel (1969). El DVD se acompaña de un libreto con un texto escrito para la ocasión por el realizador Erik Bullot.

La imitación del ángel (1966)

Le jouet criminel (1969)

LCE: Metacine y Campo sonoro

2010-12-11T09:48:00.000+01:00

Dos programas para este mes en lo que parece va a ser el último reducto con cierta permanencia del cine marginal en Madrid. Atención especial al segundo programa, 'Campo sonoro', con obras de Daichi Saïto y Karl Lemieux (fundadores del colectivo de Montreal Double Negative), Makino Takashi, y el recientemente premiado corto de Grecu. Lunes y Martes de Diciembre a las 20h.

Kristall (Matthias Múller & Christoph Girardet, 2006)

Metacine (13,20 y 27 de Diciembre, 20h)
- Le petit dragon, de Bruno Collet Francia, 2009. Animación. 9 min
Treinta y cinco años después de su desaparición, el alma de Bruce Lee se reencarna en un pequeño muñeco de sí mismo.
- Fast Film, de Virgil Widrich Austria, 2003. Animación. 14 min
Una mujer es secuestrada y un hombre acude en su ayuda. Una historia de un rescate dramático plagada de escenas de persecución.
- Celluloid Gangster, de Hugo Pivois Francia, 2008. Ficción. 7 min
Dos criminales que aman el cine, atacan un pequeño mercado asiático antes de ponerse en camino hacia su propio mito de Hollywood.
- Citizen versus Kane, de Shaun Severi Francia, 2009. Ficción. 18 min
Durante el rodaje de un remake de bajo presupuesto de Citizen Kane, un actor muere. El productor se encuentra ante el dilema de parar o seguir el rodaje.
- Kristall, de Matthias Müller y Christoph Girardet. Alemania, 2006 Animación. 14 min
Sucesión de escenas del cine clásico frente a espejos, con una perturbadora banda sonora.
- Occupations, de Lars Von Trier Dinamarca, 2007. Ficción. 4 min
Lars Von Trier intenta ver su película Manderlay, pero un crítico de cine se lo impide con sus comentarios y preguntas.
- King Crab Attack, de Grégoire Sivan Francia, 2008. Ficción. 7 min
Trouville-sur-Mer es una pequeña y tranquila ciudad costera de Francia. Basile, el socorrista, comienza a presenciar extraños acontecimientos...

Mamori (Karl Lemieux, 2009)

Campo Sonoro (14,21 y 28 de Diciembre, 20h)
- Trees of Syntax, Leaves of Axis de Daïchi Saïto - Canadá, 2009. 10 min. Banda sonora de Malcom Goldstein, Canadá
Impresionante poema visual de distintas texturas en constante transformación, hecho a mano en el laboratorio a partir de la superposición de imágenes de los parques de Montreal filmadas en Súper 8 y 16 mm. La banda sonora del violinista Malcom Goldstein es un precioso contrapunto a la filmación y una buena muestra de verdadera síntesis entre música e imagen.
- Heliocentric, de Semiconductor - Reino Unido, 2010. 15 min. Banda sonora de BJNilsen, Suecia
Colaboración entre los artistas visuales Semiconductor y el músico sueco BJNilsen de Touch Music. En un seguimiento, fotograma a fotograma, el Sol se mantiene siempre en el centro de la imagen mientras se suceden los paisajes y la Tierra gira alrededor suyo. Este lento desplazamiento de la Tierra se complementa con la música enraizada en los sonidos de la naturaleza de BJNilsen.
- Still in Cosmos, de Takashi Makino - Japón, 2009. 18 min. Banda sonora de Jim O’Rourke (Osorezan), EE. UU.
Las sorprendentes imágenes del joven cineasta japonés Takashi Makino se originan a partir de la edición digital de secuencias filmadas en cine. Su cada vez más extensa obra demuestra una singular y explosiva capacidad de envolver al espectador atrapándolo con su trepidante montaje y una magnífica banda sonora de free jazz del grupo Osorezan liderado por Jim O’Rourke.
- Centipede Sun, de Mihai Grecu - Rumanía, 2010. 10 min. Banda sonora de Herman Kolgen, Canadá
El cineasta Mihai Grecu transforma imágenes del altiplano chileno para revelar una rara vida geológica en la que el paisaje es el protagonista. Un universo propio salido de la imaginación de un artista que controla las técnicas de la imagen gráfica en movimiento a la perfección.
- Mamori, de Karl Lemieux - Canadá, 2010. 8 min. Banda sonora de Francisco López, España
Invitado por Francisco López al Mamori Art Lab en el Amazonas, Karl Lemieux grabó en cine sus impresiones acerca de la luz y la textura de la selva tropical. En combinación con los sonidos grabados por López, Mamori es una revelación de los distintos elementos de un extraordinario paisaje selvático.

Toma Única 2010

2010-11-28T13:34:00.001+01:00

El festival Toma Única crece, y ya en su sexta edición, añade a su veterana sección oficial (formada por cortos de super8 montados en cámara que son revelados y proyectados por primera vez en el festival) una sección competititva de cortometrajes en s8 y 16mm, ya editados, y una retrospectiva de reconocidos superocheros como Joseph Morder, Gerard Courant y David Reznak. Morder y Courant estarán presentes en esta última proyección.

1 de Diciembre:
Auditorio del Instituto Francés de Madrid, C/ Marqués de la Ensenada, 10 (metro Colón)

19:30h: David Reznak, Joseph Morder y Gérard Courant
Con la presencia de Joseph Morder y Gérard Courant

David Reznak
- Al por mayor (16mm, 5´30, color y b/n., 1994)
- Rosario de charcas (16mm, 22 min, b/n, 1998.)

Gérard Courant
- 12 cinématons (1978-2010, Super 8, 48')
- Ocaña der engel der in der qual singt (1979, Super 8, 10')
- Compression de Alphaville (1995, Super 8, 4')
- Alicudi (2007, 16 mm, 10')

Joseph Morder
- Avrum et Cipojra (1973, 12', Super 8)
- Les sorties de Charlerine Dupas (I: L'été) (1979, 3', Super 8)
- Le grand amour de Lucien Lumière (1981, 8', Super 8)
- Voyage à Rouen (1994, 22', 16 mm)
- Archives Morlock (extractos) (10', Super 8)
- Les nuages américains (journal filmé neuf) (extracto) (20', Super 8)

Compression de Alphaville (Gerard Courant, 1995)

3 de Diciembre:
Auditorio del colegio Mayor San Juan Evangelista. Avda. Gregorio del Amo, 4 (Metro Metropolitano)

17:30 h. Pelicula colectiva rodada en súper 8: "Mensajes dentro de una botella".

19:00h. Mesa redonda

20:30h. Seccion a concurso: Cortos de creación en súper 8 y 16mm.
(Cortos rodados en súper 8 o 16mm y montados en vídeo).
- De la necesidad de navegar los mares (Philipp Hartmann, 22 min., Documental experimental, Alemania, Súper 8)
- The dream I had last night (Daniel Abad, 3 mln 30seg, Experimental, España, Súper 8)
- Putain Lapin (Guerin Van de Vorst, 10 min., Experimental- ficción., Bélgica, Súper8)
- The unnamed (Huang Ya-Li, 10 min 48 seg., Experimental, Taiwan, 16mm)
- La forêt, une fois (Peter Snowdon, 22 min, Experimental, Bélgica, Súper 8)
- Garbousha (Blandine Huk y Frédéric Cousseau, 10 mln, Documental, Francia, Súper 8)
- Guitarren music (Stefan Möckel, , Experimento, Alemania, Súper 8)
- Enterprisse (Mauricio Quiroga Kiro, 8 min 30 seg., Ficción, Bolivia, Súper 8)
- Lunapark (Marie-Paule Stokart, 7 min., Experimental, Bélgica, Súper 8)
- Then she was gone (Burleigh Smith, 7 mln, Comedia, Australia, Súper 8)
- Radl (Viktoria Schimid, 3 min, Experimental, Austria, Súper 8)
- Erw Dinmael (Juan Gabriel Gutiérrez y Denise Rowe, 30 min, Experimental, Reino Unido, Súper 8)

La forêt, une fois (Peter Snowdon, 2010)

4 de Diciembre:
Auditorio del colegio Mayor San Juan Evangelista. Avda. Gregorio del Amo, 4 (Metro Metropolitano)

18:00h. Sección a concurso "Toma Unica"
(Cortos rodados en super 8, algunos con sonorización en directo durante la proyección).
- Juan Gama: LUB, Sci-fi
- Elina Moumouri: Summer Time in Corfu, Comedia
- Santiago Estruch: Walkie Talkie, Terror
- Aaron Borras Martin: Creación Salvaje
- Loretxu & Rlchardson: Democracy, Comedia
- Asbel Esteve: Orgánic, Experimental
- Eduardo Ovejero: La cita, Comedia
- Félix Vidal: ¿Me oyes?, Ficción
- Fidel, Diez, David, Manu: Street Art.
- Ana Ciller, Cinthia Fernández: Tarde en compañía.
- Xema Martínez: Dirigiendo, Documental
- Palomares: Pandora 1: Pollé Cháris, Drama
- Juan Ramón Abella: Pandora 2: "El nido del Cuco", Drama mitológico
- Liteo Deliro, Luis Gómez Escolar: Pandora 3:" LA CAJA DE...", Drama mitológico
- María Miguel, Laura Villarta, Cristina Michelena, Beatriz Pérez: El mundo de sombras.
- Manuel Barrero Iglesias: En la ciudad, Documental
- Diego, Andrés, Silvia, Julioa, Raúl, Paula: La caja.
- Andrés Paduano: Los abuelos no aman para siempre, Drama
- Loreto Medina, Laura Mercado, Rebeca Piqueras: Vivir, ¿para qué?.
- Arturo Téllez Tejeda (J. Trujillo): Zebra girl & birds, Ficción experimental
- Maria Rivero: El café de las ocho, Experimental
- Kartal von K: El respeto de HYMSAR, De viaje

SCEM: Cine sin cámara

2010-11-25T13:10:00.001+01:00

Dentro de las múltiples actividades que propone la XX Semana del Cine Experimental de Madrid, tenemos la oportunidad de volver a ver las piezas creadas en los talleres de cine sin cámara de la pasada edición de la Noche en Blanco. Además, la proyección se completará con una película reciente de cada uno de los profesores de los talleres: Alberto Cabrera Bernal, Oriol Sánchez y Miguel Aparicio. La cita, mañana viernes 26 a las 18h en los Cines Golem.

Película colectiva (tres episodios)
1. Intermitencias (Alberto Cabrera Bernal, Carlos Sierra, Carlos Fuentes, Pablo Useros, Azahara Fernández, Mar Rojo, Sandra Ruesga, Juan de la Peña Pérez, Javier Frutos, 2010, 35mm, sonido, 4’)
Trabajando con tráilers en 35 mm y con colas negras y transparentes, se ha construido una secuencia de cuatro elementos distintos entre sí de 24 fotogramas cada uno, repetida regularmente a lo largo de la película. Imagen y sonido aparecen desincronizados entre intermitencias continuas no sólo visuales sino también estructurales.
2. Taller De Desmontaje Y Animación Experimental (Oriol Sánchez, Enrique Piñuel, Fer Silva, Antonio Delgado, Victoria Martín, Julio Von Drove, Sonia Sánchez, María Fernández Rodríguez, Jaime Amigo, Pablo Raijenstein, Carla Tadeia, Alicia Juan Lobato, Silvia Cuenca, 2010, 35mm, sonido, 20’ (aprox.))
El episodio de una serie de televisión de los años 50, una película blanco y negro en 35mm, sufre el desmontaje y remontaje de sus secuencias, manipuladas aplicando una serie de técnicas de animación directa con químicos, pintura, dibujo o rascado.
3. Taller De Laboratorio (Miguel Aparicio, Alejandro Pose, Daniel Saavedra, Luis Francisco Pérez, Víctor Jiménez Sánchez, David Asenjo, Azucena Giganto, Eva Sanguino, Santiago Capuz, 2010, 35mm, sonido, 5’ (aprox.))
Imágenes generadas en laboratorio, sin necesidad de una cámara, en la oscuridad del cuarto oscuro. Contacto entre celuloides, luces rojas, fotograma a fotograma, y objetos depositados sobre el celuloide.

Contra El Cine (Alberto Cabrera Bernal, 2010)

Películas de los profesores
- Contra El Cine (Alberto Cabrera Bernal, 2010, MiniDV, color y b/n, sonido, 9’)
- Sín Título (Oriol Sánchez, 2010, 35mm, color, sonido, 5’)
- Horizontes (Miguel Aparicio, 2010, Vídeo digital, 3’42’’)

Los Limites Del Cine

2010-11-22T23:25:00.000+01:00

Con bastante retraso (mea culpa) publico este interesantísimo ciclo de proyecciones y encuentros llamado 'Los límites del cine'. Comisariado por Rubén García López y Salomé Ramírez, este ciclo busca el diálogo entre artistas que utilizan el medio audiovisual más allá de las categorías habituales y otros pensadores, aunando cine y reflexión, y sirviendo especialmente como plataforma de exposición de la oba de artistas menos conocidos. El ciclo tendrá lugar a lo largo hasta el 17 de diciembre en diversos espacios de Madrid: el espacio de arte CRUCE, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Museo Reina Sofía y la galería Off Limits.

24 Noviembre, Círculo De Bellas Artes, Sala Nueva 19:30 h
Encuentro: Sergio Ojeda/Germán Cano

26 Noviembre, Off Limits, 19:30 h
- A partir de qué lugar comienza a ser (Miguel Espín Pacheco, Pablo Martínez Samper y Oscar Seoane Pinilla, 2009, 20 min.)
- Casa pasajera (Arnulfo Medina, 2009, 12 min.)
- La anécdota del tarro (Manuel Asín, 2006, 12 min.)
- Grrr! nº7: y las chimeneas decidieron escapar (Oliver Laxe, 2006, 12 min.)

Grrr! nº7: y las chimeneas decidieron escapar (Oliver Laxe, 2006)

29 Noviembre, Círculo De Bellas Artes, Cine Estudio, 17:00 h
- El extranjero (Jaime Natche, 2000, 5´)
- Se vende piano (Jaime Natche, 2000, 4´)
- Zoia (Jaime Natche, 2000, 3´)
- Yo también he visto a Mick (Jaime Natche, 2003, 4´)
- Cabrón con suerte (Fernando García, 2007, 9´)
- Hong Kong baby (Fernando García, 2007, 9´)
- Cinema mundial (Carles Asensio, 2009, 19´)

29 Noviembre, Círculo De Bellas Artes, Cine Estudio, 19:30 h
- Umbracle (Pere Portabella, 1970, 85´)
- Mudanza (Pere Portabella, 2008, 20´)

Le jouet criminel (Adolpho Arrietta, Francia, 1970)

29 Noviembre, Círculo De Bellas Artes, Cine Estudio, 22:00 h
- El crimen de la pirindola (Adolpho Arrietta, 1965, 18´)
- Imitación del ángel (Adolpho Arrietta, 1967, 20´)
- Le jouet criminel (Adolpho Arrietta, Francia, 1970, 70´)

30 Noviembre, Cruce, 19:30 h
Encuentro: Marta Bernardes
- Cadafalsário (Marta Bernardes, 2005, 3´)
- MTV-Morse Television (Marta Bernardes, 2008, 8´)
- Persona (Marta Bernardes, 2008, 5´)
- Destador (Marta Bernardes, 2006, 3´)
- Petro e banco (Marta Bernardes, 2007, 14´)
- Semai (Marta Bernardes, 2008, 3´)

1 Diciembre, Círculo De Bellas Artes, Sala Gómez de la Serna, 19:30 h
Encuentro: Adolpho Arrietta/Santiago Rubín

3 Diciembre, Cruce, 19:30h
Encuentro: Alberto Chinchón/Sagrario Aznar

Los Materiales (Los Hijos, 2009)

9 Diciembre, Museo Reina Sofía, Auditorio Sabatini, 19:30 h
- Los Materiales (Los Hijos, 2009, 67’)

10 Diciembre, Museo Reina Sofía, Auditorio Sabatini, 19:30 h
Encuentro: Los Hijos/Asier Aranzubía Cob

13 Diciembre, Museo Reina Sofía, Auditorio Sabatini, 19:30 h
- Juventude em marcha (Pedro Costa, 2006, 155´)

14 Diciembre, Museo Reina Sofía, Auditorio Sabatini 19:30 h
Encuentro: Eva Koch/María Antonia De Castro
- NoMan (Eva Koch, 1998, 1´)
- Approach (Eva Koch, 2005, 3´)
- Evergreen (Eva Koch, 2006, 3´)
- Salambô (Eva Koch, 2010, 2´)

15 Diciembre, Círculo De Bellas Artes, Sala Gómez de la Serna, 19:30 h
Encuentro: Pere Portabella/Rubén Hernández

Siete vigías y una torre (Manuel Asín, 2004)

16 Diciembre, Museo Reina Sofía, Auditorio Sabatini, 19:30 h
Encuentro: Manuel Asín/Santos Zunzunegui
- Siete vigías y una torre (Manuel Asín, 2004, 37´)

17 Diciembre, Museo Reina Sofía, Auditorio Sabatini, 19:30 h
Encuentro: Pedro Costa/Jacques Rancière

Bruce Conner: Un americano original

2010-11-02T21:57:00.002+01:00

Bajo este anodino título, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nos trae una excelente retrospectiva casi completa de la obra del recientemente fallecido Bruce Conner (1933-2008). Conner, artista multidisciplinar que se desenvolvió en numerosos campos como pintura, fotografía, escultura, collage y assemblage, es considerado si no el pionero (honor que presumiblemente recae en Joseph Cornell), sí uno de los artistas más representativos en el uso del metraje encontrado y antecesor del videoclip. Las proyecciones se completan con una conferencia el día 15 del académico americano Bruce Jenkins , profesor de la School of the Art Institute of Chicago , ex-comisario del Harvard Film Archive y co-comisario de la exposición 2000 BC: The Bruce Conner Story Part II del MoCA de Los Angeles.

De izda. a dcha. Bruce Conner y Dennis Hopper, 1973

A MOVIE (Bruce Conner, 1958)

Programa 1 (10 y 18 de Noviembre, 20h)
- A Movie (1958, 16mm., 12 min.)
Como afirma la experta en cine experimental Freude Bartlett (Freude), A Movie es “uno de los filmes más extraordinarios de la historia. Al principio nos hace reír la yuxtaposición de indios y vaqueros, elefantes y tanques, pero pronto la metáfora de la asociación cobra seriedad a medida que nos damos cuenta de que somos testigos del Apocalipsis”.
- Cosmic Ray (16 mm, 1961, 4 min.)
“Cosmic Ray parece un descabellado collage de piezas en rápido movimiento: viñetas, bailarinas, estallidos de luz. […] Y si la premisa equipara sexo y destrucción, el cataclismo resplandece como la explosión de un petardo que destruye el mundo con un estallido cósmico. Está claro que el título también hace referencia al músico Ray Charles, cuyo arte Conner transcribe visualmente como una realidad poderosa, dura y penetrante por su capacidad para despertar instintos animales bastante básicos […]” Carl Belz, Film Culture
- Marilyn Times Five (16 mm, 1968-1973, 13 min. 30 seg.)
La imagen, o el “alma”, de Marilyn Monroe no pertenecía a Norma Jean, del mismo modo que no era propiedad de Arline Hunter, la modelo erótica y actriz de serie B de los años cincuenta de gran parecido a la famosa estrella de Hollywood. A veces una imagen puede tener más fuerza que la persona a la que representa. Algunas culturas consideran que una imagen roba el alma o el espíritu de la persona retratada. La hace menguar hasta morir. Mx5 es una ecuación que no debe completar únicamente la película. Es el espectador quien debe hacerlo.
- The White Rose (16 mm, 1967, 7 min.)
“...un magnífico ‘documental’, breve e irónico, sobre cómo trasladan un enorme cuadro del estudio de la artista Jay de Feo y lo introducen en el camión de mudanzas con una combinación de fría eficiencia y la lúgubre solemnidad de un funeral de Estado. Tiene una sincronización y un ritmo notables y un estilo ‘sin arte’ que sólo puede provenir de un profundo conocimiento artístico”. Tom Albright, Rolling Stone
- Breakaway (16 mm, 1966, 5 min.)
Película de danza visionada dos veces -una hacia delante, otra hacia atrás- en cinco minutos y filmada en exposiciones de una sola imagen, así como en 8, 16, 24 y 36 fotogramas por segundo, en donde la técnica del montaje de Conner es perceptible en la alternancia de ángulos de la figura femenina desde diferentes planos en continuidad cinestésica y fluida.

Breakaway (Bruce Conner, 1966)

- Vivian (16 mm, 1964, 3 min.)
“Retrato cinematográfico adaptado a la melodía de la versión de Mona Lisa de Conway Twitty. Esta cinta, rodada en parte en una exposición de la obra artística de Conner en San Francisco en 1964, es también una ingeniosa declaración sobre las fuerzas que despojan el arte de vida. Vivian Kurz, protagonista del filme, es sepultada en una vitrina de cristal”. Judd Chesler, Columbia College, Chicago
- Ten Second Film (16 mm, 1965, 10 seg.)
Bruce Conner creó Ten Second Film como anuncio de televisión y “cabecera” de las proyecciones del Festival de Cine de Nueva York. Consistía en diez diferentes trozos de cinta de película con 24 fotogramas de cuenta atrás, que se consideran el emblema por excelencia de la proyección cinematográfica. Sin embargo, la organización del certamen lo rechazó por presentar al público la “imagen secreta de su patrimonio” y porque su proyección era “demasiado rápida”.
- Permian Srata (16 mm, 1969, 4 min.)
“[…] El estilo de Strata marca el distanciamiento de Conner de sus anteriores formas de collage. Conner elige las imágenes significativas del metraje encontrado y se limita a contraponerlas a la música. Entre las escenas no hay cortes”. Judd Chesler, Columbia College, Chicago
- Mongoloid (16 mm, 1978, 3 min. 30 seg.)
Documental que analiza el modo en que un joven decidido supera una discapacidad mental y se convierte en un miembro útil de la sociedad. Las perspicaces técnicas de montaje revelan los sueños, los ideales y los problemas a los que se enfrenta un amplio segmento de la población masculina norteamericana.
- America is Waiting (16 mm, 1982, 3 min. 30 seg.)
“La letra de America is Waiting (‘No se puede culpar a la gente: ¡culpad al gobierno! ¡Entendedlo de una vez! ¡De una vez! ¡De una vez! América espera un mensaje de cualquier tipo’) dio pie a Conner para realizar una pieza muy estructurada y variada que examina las ideas de lealtad, poder, patriotismo y paranoia [...]” Anthony Reveaux, Bruce Conner
- Report #3 (betacam digital, 1963-2005, 13 min.)
(Reconstrucción digital de la tercera versión de Report) “Conner es el montador de cine más sobresaliente de la vanguardia. En Reportha utilizado imágenes de noticiarios y cintas radiofónicas del asesinato del presidente Kennedy para producir una película de trece minutos que capta, de forma insoportable pero también estimulante, la absurda tragedia de aquel día”. Jack Kroll, Newsweek
- Take the 5:10 to Dreamland (16 mm, 1977, 5 min. 30 seg.)
“[…] el estado que suscita una cinta como5:10 To Dreamland es muy similar a la sensación que provoca un poema. Las imágenes, las misteriosas relaciones entre ellas, el ritmo y las conexiones dejan su huella en el inconsciente. La película termina, al igual que un poema, casi como un soplido, como la nada. Y te quedas sentado, en silencio, asimilándolo todo, y luego te levantas y sabes que ha sido muy, muy buena”. Jonas Mekas, The Soho Weekly News
- Valse Triste (16 mm, 1976, 5 min.)
Recreación nostálgica de una Kansas de ensueño en 1947, Valse Triste es una película autobiográfica que habla con sinceridad y elegancia de la niñez del artista y donde el material fílmico coincide con sus propias experiencias de la vida.
- His Eye is on the Sparrow (16 mm/betacam digital, 2006, 4 min. 30 seg.)
“Bruce Conner había comenzado a trabajar varias décadas atrás en By and By, un documental sobre The Soul Stirrers para el que filmó su concierto de reunión con cuatro cámaras y acumuló material de entrevistas. Conner decidió terminarlo a mediados de los 80, pero abandonó el proyecto por diversas razones económicas y personales. De las cenizas de aquel proyecto surgió una nueva miniatura de cine collage que terminó ese año […] “. Mark McElhatten, New York Film Festival
- Easter Morning (8 mm/betacam SP, 2008, 10 min.)
“Partiendo de un repertorio fílmico inimitable de intensas técnicas de montaje, comedia visual y temas apocalípticos, el maestro vanguardista Bruce Conner concibió Easter Morning (2008) —una búsqueda metafísica de renovación más allá de los mundos naturales y efímeros— como su última obra maestra acabada […]” Michelle Silva, Bruce Conner Trust

Fotogramas de Ten Second Film (Bruce Conner, 1965)

Cosmic Ray (Bruce Conner, 1961)

Programa 2 (11 y 17 de Noviembre, 20h)
- Three Screen Ray (Vídeo, 2006, 5 min. 14 seg.)
Three Screen Ray (2006), montada de nuevo y ampliada, sustituye a sus predecesoras -Cosmic Ray y la instalación en bucle sin sonido Eve-Ray-Forever (1965/2006)- con tres nuevas iteraciones que comparten la pantalla. Conner creó el equivalente visual de una máquina tragaperras cinematográfica, en donde las imágenes se encuentran, divergen y vuelven a encontrarse con un trasfondo sexual que confronta consumismo y agresión. El montaje garantiza que, incluso tras múltiples visionados, el espectador nunca experimentará Three Screen Ray del mismo modo.
- Mea Culpa (16 mm/betacam digital, 1981, 5 min.)
En su primera colaboración con David Byrne y Brian Eno, Conner utilizó secuencias de películas educativas y creó una banda de imágenes de ritmo austero para la música de su precursor álbum de sampling: My Life in the Bush of Ghosts (1981).
- Report (16 mm, 1963-1967, 13 min.)
“La sociedad se crece con la violencia, la destrucción y la muerte, por mucho que intentemos ocultarlo con oficinas inmaculadas, el culto a la ciencia moderna o la creación de mártires instantáneos. Desde la plaza de toros a la palestra nuclear, pedimos a voces un espectáculo de destrucción. La conexión crucial de Report es que John F. Kennedy, con su gran nave PT 109, participó en el juego de la destrucción tanto como cualquier otro. Perder es una parte importante de jugar”. David Mosen, Film Quarterly
- Television Assassination (16 mm, 1963-1995, 14 min.)
“Una película extraordinaria. La música de Patrick Gleeson es tan sumamente eficaz como las piezas que compuso para obras anteriores de Bruce Conner y transforma la experiencia de ver estas imágenes conocidas aunque también paralizantes. El humor que alivia la genuina tristeza de la imagen recibe suaves impulsos acústicos aquí y allá”. Bruce Jenkins, School of the Art Institute of Chicago
- Crossroads (35 mm, 1976, 36 min.)
«Conner basa su película en imágenes gubernamentales de la primera prueba nuclear en el atolón Bikini en el Pacífico el 25 de julio de 1946 […] El segmento inicial enfatiza la imponente magnificencia de la explosión: su capacidad de destrucción, su espectacular dramatismo y su belleza […] en la segunda parte del filme esta fuerza se transforma en una especie de armonía cósmica, parte del flujo y reflujo de la vida, líricamente indiferente, que vemos en una lenta panorámica elegíaca del océano». Thomas Albright, San Francisco Chronicle
- Looking for Mushrooms (versión larga, 16 mm, 1996, 14 min. 30 seg.)
Ampliación con las mismas secuencias montadas de la anterior versión corta de Looking for Mushrooms, que se proyectó por primera vez en 1968 con banda sonora de los Beatles. Esta versión se ha alargado con cinco fotogramas por cada fotograma original, pero el montaje es el mismo (aunque con una nueva banda sonora de Terry Riley) y no se ha añadido nada, nada se ha perdido, siempre igual, sin fin…

Conferencia: Pintando por otros medios. El cine de Bruce Conner, con Bruce Jenkins (15 de Noviembre, 20h)

THREE SCREEN RAY (Bruce Conner, 2006)

Easter Morning (Bruce Conner, 2008)

10, 11, 15, 17 y 18 de Noviembre, 20h, MNCARS, C / Santa Isabel 52, Auditorio Sabatini.

La imagen en llamas

2010-10-18T21:51:00.000+02:00

En la sala Off Limits, este próximo sábado 23 de octubre, a las 19 h, la artista, comisaria e investigadora Ángela López Ruiz, presentará su investigación “La imagen en llamas”. López Ruiz además formará parte del congreso organizado por el CCCB 'Cine a contracorriente: Latinoamérica y España. Diálogos, confluencias, divergencias… en los últimos 80 años'.

Este proyecto revisita la historia fílmica de Uruguay desde la década del 20 hasta finales de los 70; los lazos de esta producción con otras disciplinas artísticas en la modernidad y como esas “páginas en blanco” afectaron en el pensamiento contemporáneo. Una vez realizada esta reconstrucción, física y filosófica, surge la necesidad de ontologizar el presente a través de la imagen, actividad que se propone como eje de este proyecto.

A principio de los 70 un incendio extinguió, casi en su totalidad, la colección de films de CINEARTE SODRE, entidad creada en 1943 destacada por su liderazgo América Latina1. Gracias al gesto de política afectiva del poeta Fernando Pereda que dona su colección de primitivos (500 títulos) y al apoyo de filmotecas extranjeras este espacio se refunda y deviene en el Archivo Nacional de la Imagen SODRE (1985). El primer incendio arrasó con la sede del Festival de Cine Experimental y Documental, en el segundo ardió la memoria fílmica de Uruguay. La dictadura militar y los gobiernos que lo suceden no actúan frente a la dispersión de documentos tangibles y la potencia creativa que se promovía durante el Festival quedó enquistada, dando la sensación de que el Cine Uruguayo aún está por nacer.

Desbordamiento de Val del Omar en el Reina Sofía

2010-10-04T21:40:00.000+02:00

Desde mañana 5 de Octubre y hasta finales de Febrero, el Museo Reina Sofía nos presenta la largamente debida exposición dedicada a la figura y obra de José Val del Omar (Granada, 1904/Madrid, 1982). Comisariada por Eugeni Bonet, asistido por Javier Ortiz Echagüe, la exposición recoge las numerosas facetas de Val del Omar como cineasta, experimentador. mecamísitico y visionario a través de numerosos documentos, fotografías, dispositivos de su invención y, naturalmente, proyecciones de tanto su obra finalizada como de ensayos o películas familiares.

La exposición viene además acompañada de un imprescindible catálogo con textos de Thomas Beard, Eugeni Bonet, Nicole Brenez, Víctor Erice, Carlos Muguiro y Manuel Palacio entre otros; así como del volumen independiente José Val del Omar: Escritos de técnica, poética y mística, que recoge una amplia selección de textos del propio Val del Omar, con edición y notas a cargo de Javier Ortiz-Echagüe, y un ensayo introductorio de Santos Zunzunegui. Además el 20 de Octubre sale oficialmente a la venta el pack edición limitada de 5 DVDs 'Val del Omar. Elemental de España'.

La exposición será presentada oficialmente por Bonet y Ortiz Echagüe el 6 de Octubre a las 19:30 en el Edificio Nouvel, Auditorio 200. 'Desbordamiento de Val Del Omar' continuará su andadura en Barcelona, en una versión reducida, de Julio a Septiembre de 2011.

Taller de cine de creación en 16mm

2010-09-15T22:47:00.000+02:00

Como parte de las actividades de Toma Única 2010 (cuya convocatoria sigue abierta), el festival organiza un 'Taller de cine de creación en 16mm' de tres semanas de duración y que comenzará el próximo 4 de Octubre.

La idea de este Taller es hacer una introducción a las posibilidades del cine en 16mm con equipos básicos. El objetivo final es que cada alumno realice una pieza en cine 16mm. El Taller se iniciará con una parte teórica de introducción al cine contemporáneo que utiliza el formato 16mm, luego se desarrollará una parte de tutoría y desarrollo de proyectos, posteriormente se llevará a cabo el rodaje con cámaras de 16 mm con motor a cuerda, y finalmente la edición digital de los proyectos realizados. Entre los profesores contaremos con Oliver Laxe que ha obtenido el Premio de la Crítica en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes 2010, con su largometraje Todos vós sodes capitáns.

Mas información en http://www.tomaunica.com/talleres/taller-de-cortometrajes-en-16mm/

Una recomendación

2010-09-09T12:20:00.000+02:00

La exposición de fotografía y vídeo del polifacético artista Pablo Fernández-Pujol se inagura mañana 10 de Septiembre en el Espacio Off de la EFTI.

Esta serie recoge diferentes lugares y edificios localizados en Berlín y Lepzig. Mi interés por el cine, la arquitectura y la potente carga histórica de estas ciudades son los principales componentes para desarrollar un proyecto que se completa con una serie de audiovisuales. Los trabajos de vídeo permiten al espectador realizar un viaje virtual recorriendo algunos de los escenarios fotografiados.
Detrás de las viejas fachadas se esconde un universo paralelo de galerías, áticos, buhardillas y pasajes subterráneos que construyen el mapa histórico de unas ciudades marcadas para siempre.

Found footage hoy

2010-09-08T13:44:00.001+02:00

Sensacional el sitio web que Gloria Vilches ha montado partiendo de su investigación Usos, estilos y formatos contemporáneos del audiovisual de apropiación en España dentro del proyecto 'Arte e investigación' del centro cultural Montehermoso. Un recorrido por el cine de apropiación realizado en nuestro país durante los últimos años. Como podéis ver en la lista de obras mencionadas se trata de una investigación muy extensa y que recorre todo el amplio espectro cinematográfico en el que se hace uso del 'metraje encontrado'.

Corrección a 'Talleres de cine sin cámara'

2010-08-27T19:29:00.001+02:00

- El Taller de Laboratorio, organizado por La noche en blanco e impartido por Miguel Aparicio tendrá lugar en la Escuela de Fotografía EFTI.
- El Taller 'El cine como objeto: Apropiacionismo y prácticas intervencionistas', impartido por Alberto Cabrera se realizará los días 6, 7 y 8, en lugar de los días 8, 9 y 10, como se indicó anteriormente.

Cine a contracorriente: Latinoamérica y España

2010-08-26T11:53:00.005+02:00

Bajo el título de 'Cine a contracorriente: Latinoamérica y España - Diálogos, confluencias, divergencias... en los últimos 80 años' el SEACEX y el CCCB nos presentan un grupo de elementos (congreso, programa itinerante y DVD) con el objeto de investigar y dar a conocer el cine de vanguardia/experimental de América Latina y España. El proyecto, comisariado por Antoni Pinent, con el asesoramiento de los especialistas Angélica Cuevas Portilla, Rubén Guzmán y Marta Lucía Vélez, se iniciará los días 28 al 31 de Octubre con un congreso que contará con la presencia de cineastas y espelialstas de ambos lados del Atlántico: Narcisa Hirsch, Ximena Cuevas, Jorge La Ferla, Arlindo Machado, Jesse Lerner, Tomàs Pladevall, Alfonso del Amo, Ángela López, y Juan José Mendy. El congreso constará de diversas ponencias, mesas redondas, una masterclass sobre montaje por Nelson Rodríguez (Cuba) y un 'Taller de introducción a la animación experimental' impartido por Lourdes Villagómez (México).

El programa itinerante constará de seis sesiones temáticas con un total de 59 títulos que serán proyectados por primera vez durante el congreso. De forma similar a 'Del éxtasis al arrebato' este proyecto contará con su catálogo en DVD, que se centrará exclusivamente en la producción latinoamericana y que será editado por Cameo.

Congreso: (sujeto a cambios)

Jueves 28 de Octubre
11:30-13:30 Masterclass: Sobre el montaje por Nelson Rodríguez (Cuba)
17:00-18:45 Apertura por Jorge La Ferla (Argentina) + Proyección Sesión 1: Revolución y contracultura
19:15-21:00 Mesa introductoria de presentación con Rubén Guzmán (Argentina), Angélica Cuevas (México), Marta Lucía Vélez (Colombia) y Antoni Pinent (España)
22:00 Proyección Sesión 2: Cápsulas de tiempo

Viernes 29 de Octubre
10:30-12:00 Ponencia: FAC - Uruguay por Ángela López (Uruguay)
12:30-14:00 Ponencia: Asociación AANME por María Belén Moncayo (Ecuador)
17:00-18:45 Mesa redonda: Restauración - Preservación con Tomàs Pladevall (España), Rosa Cardona (España) y Juan José Mendy (Uruguay/España). Moderador: Alfonso del Amo (España)
19:15-21:00 Encuentro: La Mexicanidad con Ximena Cuevas (México) y Jesse Lerner (EEUU/México)
22:00 Proyección Sesión 3: Interferencias

Sábado 30 de Octubre
12:00 Mesa redonda: Colecciones - Archivos con Fernando Martín Peña (Argentina), María Belén Moncayo (Ecuador) y Irela Núñez (Perú). Moderadora: Ángela López (Uruguay)
17:00-18:45 Mesa redonda: Panóptico con Jorge La Ferla (Argentina), Arlindo Machado (Brasil) y Jesse Lerner (EEUU/México). Moderadora: Marta Lucía Vélez (Colombia)
19:15-21:00 Encuentro: Homenaje a Narcisa Hirsch conducido por Rubén Guzmán (Argentina)
22:00 Proyección Sesión 4: Señales de vida

Domingo 31 de Octubre
18:30 Proyección Sesión 5: Ejercicios de estilo
20:00 Proyección Sesión 6: Medio y masaje

F.I.R.T. 119 (Rubén Guzmán, 2002)

Programa itinerante:

Sesión 1: Revolución y contracultura
- Revolución (Jorge Sanjinés, 1963. Bolivia, 10’, b/n, sonora, 16mm.)
- Juventud, rebeldía, revolución (Enrique Pineda Barnet, 1969. Cuba, 31’, color, sonora, 35mm.)
- BiBiCi Story (Carles Durán, 1969. España, 7’50”, color y b/n, sonora, 35mm.)
- Now! (Santiago Álvarez, 1965. Cuba, 5’, b/n, sonora, 35mm.)
- Quema (Alberto Fischerman, 1962. Argentina, 9’45”, b/n, sonora, 35mm.)
- Agarrando pueblo (Los vampiros de la miseria) (Luís Ospina y Carlos Mayolo, 1978. Colombia, 28’35”, b/n y color, sonora, 16mm.)

Sesión 2: Cápsulas de tiempo
- Fuego en Castilla (José Val del Omar, 1958 - 1959. España, 17’, b/n y color, sonora, 35mm.)
- Magueyes (Rubén Gámez, 1962. México, 9’, b/n, sonora, 35mm.)
- El fin (Sergio García, 1970. México, 8’, color, sonora, súper 8.)
- Photomatons (Eugeni Bonet, 1976. España, 3’, b/n, sonora, súper 8.)
- Camal (Miguel Alvear, 2001. Ecuador, 13’15”, b/n y color, sonora, 16mm.)
- Street Symphony (Sarah Minter, 2006. México, 5’40’’, color, sonora, vídeo.)
- Fome (Hambre) (Carlos Vergara, 1972. Brasil, 9’30”, color, muda, súper 8.)
- Mi co-ra-zón (Pola Weiss, 1986. México, 10’, color, sonora (diálogos), vídeo.)
- Ilha das Flores (Jorge Furtado, 1989. Brasil, 13’, color, sonora, 35mm.)

Esta pared no es medianera (Fernando De Szyszlo, 1952)

Sesión 3: Interferencias
- Traum (sueño) (Horacio Coppola y Walter Auerbach, 1933. Argentina/Alemania, 2’, b/n, muda, 16 mm.)
- La flecha y un compás (David José Kohon, 1950. Argentina, 10’58’’, b/n, sonora, 16mm.)
- Los placeres de la carne (Horacio Valleregio, 1977. Argentina, 12’, color, sonora, súper 8.)
- Juquilita (Elena Pardo, 2004. México, 2’20”, color, sonora, 16mm.)
- Ofrenda (Claudio Caldini, 1978. Argentina, 3’, color, sonora, súper 8.)
- Desnudo desciende (Silvia Gruner, 1986. México, 1’30”, b/n y color, muda, súper 8.)
- POESIA eVENTO (Gabriel Borba, 1954-75. Brasil, 1’22’’, color, sonora, súper 8.)
- Opus (José Ángel Toirac, 2005. Cuba, 4’40”, b/n, sonora, video.)
- Danse noire (Frederic Amat, 2005-2006. España, 3’33”, color, sonora, vídeo.)
- Xeroperformance (Paulo Bruscky, 1980. Brasil, 40”, b/n virado, sonora, súper 8.)
- L’espectador / Habitació amb rellotge / La llum / Conversa (Carles Santos, 1967. España, 6’40”, b/n, sonora, 16mm.)
- Horizonte sin Horizonte (Sandra DeBerduccy, 2007. Bolivia, 4’50’’, color, sonora, vídeo.)
- Natura (José Castillo, 2001. Venezuela, 1’40’’, color, sonora, 35mm.)
- Pintura 63 (Ton Sirera, 1962-1963. España, 5’30”, color, sonora, 16mm.)
- Impresiones en la alta atmósfera (José Antonio Sistiaga, 1988-1989. España, 7’, color, sonora, 70mm.)

Sesión 4: Señales de vida
- O pátio (Glauber Rocha, 1958. Brasil, 12’43”, color, sonora, 35mm.)
- La segunda primera matriz (Alfredo Gurrola, 1972. México, 15’, color, sonora, súper 8.)
- La ciudad en la playa (Ferruccio Musitelli, 1961. Uruguay, 12’, sonora, color, 16mm.)
- Documental (Alexander Apóstol, 2005. Venezuela, 2’, color, sonora, vídeo.)
- Esta pared no es medianera (Fernando De Szyszlo, 1952. Perú, 10´, b/n, sonora, 35mm.)
- El Aleph (Narcisa Hirsch, 2005. Argentina, 1’, color, sonora, súper 8 y 16mm.)
- Habana Solo (Juan Carlos Alom, 2000. Cuba, 14’30”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Ice Cream (Antoni Padrós, 1970. España, 8’10”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Miserere (Antoni Miralda y Benet Rossell, 1979. España, 12’, b/n, sonora, 16mm.)

Ofrenda (Claudio Caldini, 1978)

Sesión 5: Ejercicios de estilo
- Ojo de pez (Gabriel Enrique Vargas Vázquez, 2007. Colombia, 15’24”, b/n, sonora, video.)
- Elegbe (Guillermo Zabaleta, 2008. Uruguay, 3’, b/n, sonora, 16mm.)
- Self-portrait (Ricardo Nicolayevsky, 1982-1985. México, 6’30”, color y b/n, súper 8 y 16mm.)
- 0778 (Marcellvs L., 2004. Brasil, 9’27”, color, sonora, video.)
- Tierra de sombra (Alberto Borea, 2002. Perú, 12’42, b/n, muda, video.)
- Passacaglia y Fuga (Laura Abel y Jorge Honik, 1976. Argentina, 16’, color, sonora, súper 8.)
- Corazón Sangrante (Ximena Cuevas, 1993. México, 3’, color, sonora (diálogo), video.)
- Farce Sensationelle! (Laida Lertxundi, 2004. España-EUA, 3’10”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Cocinero (Daniela Cugliandolo. 1999. Argentina, 3’, b/n, sonora, súper 8.)
- F.I.R.T. 119 (Raymond Beluga Studio, 2002. Argentina, 10’ 24”, b/n, sonora, 16 mm y súper 8.)

Sesión 6: Medio y masaje
- Gallery Dogs (Diego Lama, 2005. Perú, 2’30”, color, sonora, video.)
- Travelling (Lluis Rivera, 1972. España, 10’25”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Frank Stein (Iván Zulueta, 1972. España, 3’, b/n, muda, 16mm.)
- Las maravillas del mundo salvaje / hormigas (Lourdes Villagómez, 2000. México, 4’38”, color, sonora, video.)
- Límites (1ª persona) (Elías León Siminiani, 2009. España, 7’45”, color, sonora, vídeo.)
- Súper 8 (David Domingo, 1999. España, 7’25”, color, sonora, súper 8.)
- Chapucerías (Enrique Colina, 1987. Cuba, 11’, color y b/n, sonora, 35 mm.)
- Alice in Hollywoodland (Jesús Pérez-Miranda, 2006. España, 7’, b/n y color, sonora, vídeo.)
- Fear/Miedo (Claudia Aravena, 2008. Chile, 14’, color, sonora, video.)
- Minnesota 1943 (Toni Serra, 1995. España, 7’13”, b/n y color, sonora, vídeo.)
- O som, ou tratado de harmonia (Arthur Omar, 1984. Brasil, 17’, color, sonora, 35mm.)

Now! (Santiago Álvarez, 1965)

Catálogo DVD:

- Traum (sueño) (Horacio Coppola y Walter Auerbach, 1933. Argentina/Alemania, 2’.)
- La flecha y un compás (David José Kohon, 1950. Argentina, 10’58’’.)
- Esta pared no es medianera (Fernando De Szyszlo, 1952. Perú, 10’.)
- La ciudad de la playa (Ferruccio Musitelli, 1961. Uruguay, 12’.)
- Magueyes (Rubén Gámez, 1962. México, 9’.)
- Revolución (Jorge Sanjinés, 1963. Bolivia, 10’.)
- Now! (Santiago Álvarez, 1965. Cuba, 5’.)
- Fome (Hambre) (Carlos Vergara, 1972. Brasil, 9’30”.)
- Ofrenda (Claudio Caldini, 1978. Argentina, 3’.)
- Agarrando pueblo (Los vampiros de la miseria) (Luís Ospina y Carlos Mayolo, 1978. Colombia, 28’35’’.)
- Ama Zona (Narcisa Hirsch, 1979. Argentina, 20’.)
- Chapucerías (Enrique Colina, 1987. Cuba, 11’.)
- Ilha das Flores (Jorge Furtado, 1989. Brasil, 13’.)
- Corazón Sangrante (Ximena Cuevas, 1993. México, 3’.)
- Hamaca paraguaya (Paz Encina, 2000. Paraguay, 8’15”.)
- Camal (Miguel Alvear, 2001. Ecuador, 13’15”.)
- Juquilita (Elena Pardo, 2004. México, 2’20”.)
- Gallery Dogs (Diego Lama, 2005. Perú, 2’30”, color, sonora, vídeo.)
- Documental (Alexander Apóstol, 2005. Vene-zuela, 2’.)
- Opus (José Ángel Toirac, 2005. Cuba, 4’40”.)
- Ojo de pez (Gabriel Enrique Vargas Vázquez, 2007. Colombia, 15’24”.)

Nina Fonoroff - A Knowledge They Cannot Lose (1989)

2010-08-25T19:21:00.004+02:00

No me resisto a compartir esta pequeña joya en s8 sonoro de Nina Foronoff, descubierta gracias al blog de Phil Solomon.

"Usando tanto metraje encontrado como material propio, Nina Fonoroff recuerda la memoria de su padre. Construyendo y deconstruyendo un retrato, teje recuerdos de familiares y amigos con una investigación sobre el proceso de su propio trabajo. Su actitud de búsqueda sugiere que con la pérdida de su padre surgió la cuestión de la función, no de un padre en particular, sino de la figura paterna-un rechazo de la autoridad, y una apreciación de los ciclos de su padre de aprendizaje, enseñanza, aprendizaje. Mientras Danny Kaye, interpretando a Hans Christian Andersen, cuenta a un grupo de niños la historia de la tiza que se vio a sí misma como fuente, y no transmisora de conocimientos, uno siente el dolor de Fonoroff por la pérdida inherente a la imagen de la película, y un anhelo de la fuente de la imagen, no sólo de su proyección.”—Kathy Geritz, Pacific Film Archives

"Intentando copar con la muerte de mi padre de cáncer a principios de 1987, "Bernie" surge como un personaje erudito, generoso y egoísta en ocasiones por referencia a otros judíos de su generación (Danny Kaye, Zero Mostel). De su torpe interpretación de un minueto de Bach al piano y su intento de cantar el HMS Pinafore de Gilbert & Sullivan, a las escenas de mi misma leyendo sus diarios en la playa de Santa Cruz, California (donde pasó sus últimos dos años), a las restos de autodesprecio, humor y otras tradiciones culturales, revelo mi afectuosa gratitud hacia Bernie pero necesariamente también resisto la tentación de completar su retrato. La película finalmente es menos sobre Bernie que sobre mi incapacidad para llorar su muerte." - Nina Foronoff

LNEB 2010: Talleres de Cine sin cámara

2010-08-19T12:04:00.006+02:00

En días previos a La noche en blanco, se llevarán a cabo diversos talleres audiovisuales bajo el concepto Cine sin cámara. Esta propuesta pretende, por un lado, extender La noche en blanco más allá de sus fronteras naturales y temporales y, por otro, demostrar que el cine es posible, incluso sin cámara. Que no es necesario nada más que un pedazo de celuloide, un proyector y materiales al alcance de cualquiera para realizar una película. Para impartir dichos talleres, se ha invitado a tres realizadores que trabajan habitualmente en el terreno del cine experimental. Los resultados se proyectarán durante La noche en blanco en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes.

Taller de desmontaje y animación experimental

A partir de un episodio de una serie de televisión de los años 50, una película en blanco y negro en 35mm, se procederá al desmontaje y remontaje de sus secuencias y a la manipulación del soporte aplicando una serie de técnicas de animación directa con químicos, pintura, dibujo o rascado. Esta práctica se hará a partir de ejemplos de la historia del cine experimental. Profesor: Oriol Sánchez (Barcelona). 8, 9 y 10 de septiembre. Espacio: Círculo Bellas Artes. Sala nueva (5ª planta). Horario: 16-20 horas. Máximo 10-12 alumnos.

Ejemplo de cine sin cámara: Nirvana Alchemy Film (Jennifer West, 2007, 16mm black & white film soaked in lithium mineral hot springs, pennyroyal tea, doused in mud, sopped in bleach, cherry antacid and laxatives - jumping by Finn West & J.West)

Taller de laboratorio

Taller que explora las posibilidades de creación cinematográfica con imágenes que se generan no con una cámara, sino en el interior de un cuarto oscuro, es decir, del laboratorio fotográfico, jugando con la idea de la "cámara oscura" en cuanto origen de la formación de las imágenes. Profesor: Miguel Aparicio (Madrid). 8, 9 y 10 de septiembre. Espacio: Escuela de Fotografía EFTI. Horario: 16-20 horas. Máximo 10-12 alumnos.

El cine como objeto: Apropiacionismo y prácticas intervencionistas.

Subrayando el carácter del cine como objeto, se trabajará a partir de material apropiado en 35 mm mediante prácticas intervencionistas sujetas a determinadas normas de actuación, haciéndose después un montaje siguiendo técnicas seriales. Como contrapunto, están previstas proyecciones en 16 mm y en vídeo de cineastas que contextualicen el taller. Profesor: Alberto Cabrera Bernal (Madrid). 6, 7 y 8 de septiembre. Espacio: Matadero Madrid. taller. Horario: 16-20 horas. Máximo 10-12 alumnos.

Aquellos interesados en participar en estos talleres de cine sin cámara deberán enviar cv resumido y carta de motivación a info_lneb@mataderomadrid.com

Piero Bargellini

2010-08-17T13:06:00.002+02:00

Poca información existe sobre el cineasta italiano Pierfrancesco (Piero) Bargellini (Arezzo, 1940-1982). Ingeniero agrónomo de profesión y cineasta amateur, adquirió su primera cámara con veinte años para grabar sus aficiones juveniles: las coches y motos de carreras. A finales de los años 60, a través de Massimo Bacigalupo, entra en contacto con la recién nacida Cooperativa Cinema Indipendente en Roma, que aglutinará a otros jóvenes realizadores como Alfredo Leonardi, Gianfranco Baruchello y posteriormente aunque de forma breve, Paolo Gioli. A pesar de ser prácticamente desconocido fuera de Italia (y casi dentro de ella), Bargellini fue un cineasta muy influyente dentro de la escena underground de la época, e incluso fuera de ella: Bertolucci y Storaro le consultaron durante la preparación de su película La Luna (1981), para resolver el problema de algunos efectos especiales. A partir de mediados de los 70, Bargellini se ve envuelto en una serie de asuntos turbios y problemas con la ley, que finalizarían con su muerte, oficialmente por sobredosis de drogas, en la madrugada del 10 de julio de 1982.

Stricnina (1969-1973, 16mm/Betacam, 7', v.o.silente)

El cine de Bargellini es uno de los más personales del underground italiano, profundamente poético, y basado en sus amplios conocimientos de óptica y química. "El cine es de los técnicos... sólo de los técnicos ... el cine es el hijo de la tecnología... sólo de la tecnología... es hora de que los técnicos comprendan que el cine les pertenece sólo a ellos", defendía. Como muestra de ello, la 'receta' para la creación de su película 'Trasferimento di modulazione' (1969), a partir de una película pornográfica amateur de los años 50:

"Técnica de revelado - momento creativo de Trasferimento di modulazione. Longitud total: 90m, divididos de la siguiente manera: rollo a) 60m de película pancromática reversible; rollo b) 30m de película ortocromática reversible.

Tratamiento del rollo a):
Iº revelado: revelador Ferrania R36, tiempo 3' a 24º, gamma = 0,3, baño de paro: 2' a 20°.
IIº revelado (con las bobinas en contacto, es decir, emulsión contra emulsión): revelador Ferrania de tonos azul negro: tiempo 60' a 20°, gamma = 8. Proyección de luz actínica con una reducción total de rojo, guiada puntiforme con albedo factor 0,8 en cada fotograma.
Inversión: tiempo 2' a 20°. Baño de paro.
IIIº revelado: revelador de color negro puro, tiempo 6' a 20°: gamma = 0,2.
Inversión: tiempo 11' a 15°.
IIº exposición: tiempo 3', lámpara 500W (sólo en el lado de la emulsión).
I° revelado revelador Ferrania R36; tiempo 2' a 20°; fijación: tiempo 1' a 12°.

Tratamiento del rollo b)
Iº revelado: revelador Ferrania R36, tiempo 6' a 20º.
Solarización parcial con lámpara verde clara de 15W a 4m de la película, tiempo: 4'.
Iº revelado: revelador Ferrania R36, tiempo 3' a 20°. Baño de paro. Fijación: 2' a 20°.
Inversión: tiempo 19' a 22º, en luz reflejada por lente de Fresnel filtrada a través de placa roja polarizada con factor de absorción 6; calidad de la luz: infrarrojos 70%, 30% rayos UV, potencia 1500W.
Latensificación en dos fases: 1) lavado: 8' a 18°, 2) endurecimiento: 5' a 20 °, 3) lavado: 5' a 20°, 4) intensificación: 10' a 20°, 5) lavado: 8' a 12°." - (Cinema & Film n. 7/8, 1969)

Trasferimento di Modulazione (1969, 16mm, 9')

Nelda (1969, 16mm/Betacam, 4')

- Más películas de Bargellini disponibles online en Ubu.

Barbara Sternberg

2010-08-16T08:26:00.007+02:00

Barbara Sternberg es uno de los pesos pesados del cine experimental canadiense. Su trabajo se inicia a mediados de los años setenta, y aunque ha trabajado ocasionalmente con vídeo, instalaciones y acciones performáticas, el grueso de su trabajo se ha desarrollado con el celuloide. Sternberg filma y trabaja con imágenes del día a día, manejando el medio fílmico mediante la superposición, mostrando el fotograma, rayando y tratando el celuloide, para cuestionar la percepción y la memoria.

Surfacing (2004)

"Puedo resumir mi posición estética en tres palabras: cotidiana, observacional, desordenada. No busco lo monumental. Filmo el día a día-el misterio que es lo cotidiano. Suelo trabajar contra la brillante superficie, que lo ensuciándola. Veo la perfección como una barrera. Los sujetos no están ahí para mí tenerlos bajo mi control. Puedo tomar una postura de observación - más una mirada que una observación estudiada. El mundo no es nuestro para agarrarnos a él."

Time being II (2007)

Once (2007)

"Utilizo muchas imágenes diferentes, permitiendo sus múltiples lecturas. Un sentido de algo, de la plenitud, la complejidad y la afinidad del mundo se va acumulando durante toda la duración de la película. Al describir las contradicciones y paradojas de la vida, mis películas hablan de un "y" en lugar de "o": luz y sombra, el bien y el mal, la vida y la muerte. Trabajo con imágenes entre la abstracción y la representación, entre el pensar y el sentir. Cuando las imágenes se vacían de significado, se acercan a ser. Pienso en el celuloide como algo análogo a la vida. La fugacidad de la vida tiene su eco en la naturaleza temporal de la película, el 'material' de la vida en la emulsión, y la energía, la fuerza vital en los rítmicos impulsos de luz. Luz, Energía, Vida."

Like a dream that vanishes (2000)

Praise (2005)

Cambio de fase

2010-08-14T11:53:00.003+02:00

La Enana Marrón finaliza una etapa y comienza otra nueva. El local permanente de Travesía de San Mateo, 8, desde el que nos ha deleitado durante más de 10 años, cierra. Diversas razones, especialmente económicas (caída de subvenciones, subida de alquiler...) le llevan a ello. Sin embargo, LEM retornará en breve, de forma itinerante, a ofrecernos su programación alternativa, rompedora y algo gamberra, en otros espacios y locales de Madrid.

Fotos de Madrid Uno y Soyiro

Pieces of Jonas Mekas

2010-08-12T18:37:00.002+02:00

El infatigable Jonas Mekas inicia una nueva sección en su web (creada tras romper relaciones y denunciar al galerista Harry Stendhal). Pieces recopgerá fragmentos de su diario, más de 2000 horas de metraje acumulado desde 1988.

Berlin Biennale - George Kuchar

2010-08-11T12:47:00.002+02:00

Imágenes del espacio expositivo dedicado a los diarios fílmicos y dibujos de George Kuchar en Mehringdamm 28, D-10961 Berlin.

El Subterráneo

2010-07-12T21:27:00.002+02:00

Hoy comienza en la Sala Costello, y hasta el día 18, el 2º festival de música independiente 'El subterráneo', cuyo núcleo está formado por artistas del sello independiente Repetidor Disc. Quien se pase por allí, además de disfrutar de buena música, podrá disfrutar, media hora antes de cada concierto, de una selección de proyecciones de vídeos musicales y obras de found footage, de la mano de Dostopos, La Follable y Playtime Audiovisuales. Para muestra, una pequeña playlist.

LUNES 12 DE JULIO / 20:30h / 6€
MURSEGO

Maite Arroitajauregi se acerca con sumo tiento desde el folk más experimental a registros propios de la música contemporánea. Esta violonchelista colaboradora de Anari, Lisabö o Gora Japon editó el pasado 2009 su primer trabajo ‘Bat’. Un libre y pleno ejercicio de sensibilidad en el que construye y deconstruye por capas juegos multiinstrumentales hasta dar vida a cada una de las criaturas que luego abandonará, cual huérfanas canastas, a las puertas del hogar. Del hogar de Sam Amidon, David Grubbs o Cosmic Mandoliners.

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URBAN TACTUS – Repetidor

Pianista y compositor de dilatada carrera, Carles Viarnès se sitúa equidistante a las sendas de Skoltz Kolgen o Taylor Deuprée. Influenciado en gran medida por la improvisación, Urban Tactus se adentra en el terreno de la música contemporánea de estética electrónica, experimental y minimalista. Sus piezas encajan en un film transparente, un continuo de ambientes frágiles sustentados casi por varios pianos que fluyen simultáneamente. Expirar para escribir con el dedo sobre el vaho en el espejo. Piezas íntimas, de desarrollos débiles, por las que se transluce una apertura de miras que va desde los pasajes más cinematográficos de E.S.T. o Flim, hasta Montgolfier Brothers o Max Richter.  

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MARTES 13 DE JULIO / 20:30h / 6€

AA TIGRE – AA Records

AA Tigre es el proyecto en solitario de Rafael Martínez del Pozo (La JR) mediante el que lleva erigiendo un íntimo esqueleto a base de ruidismo indolente y marcada carga experimental. Desde 2004 y a lo largo de dos 7’’ y un LP titulado ‘Felicidades’, AA Tigre lucha por la inalterabilidad costumbrista, en un acto doméstico e individualista con el que dilatar el espacio-tiempo, deteniendo y dejando escapar las palabras con templada y casi dañina dicción. Con altruismo y desprecio absoluto hacia lo estipulado, Rafa consigue meter al personal dentro de una instantánea amarillenta: Pernoctar con traje de domingo.

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CASADELAVA – Repetidor

Casadelava es una banda atípica que musita una lírica excepcional con un cancionero de temas de folk inspirado en referentes como Townes Van Zandt, Woody Guthrie, Judee Sill, Gordon Lightfoot o Joao Gilberto. El proyecto liderado por Ramón Ayala (Färo-Dokument) es una especie de banda sonora inexistente para una película de colores lavados de mediados de los 70. Atemporales y con un ritmo de composición marcado por la exigencia y la lentitud, Casadelava son el magnífico ejemplo de anti-artista subido a un escenario.

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MIÉRCOLES 14 DE JULIO / 20:30h / 8€

REMATE – Everlasting

Con seis álbumes a sus espaldas, el último ‘Somersaults’ con Muni Camón, Remate ha conseguido convertirse en la causa perdida: Escuchar su propio crujido y desaprobarse a sí mismo. Con cada nuevo trabajo del madrileño el eco de la reinvención retumba en simas diferentes. Partiendo hacia todas partes, viajando por todos lados, sus huellas pararon en algún sitio que él ya no acierta a recordar. El crooner imposible que nos acerca las cosas para esconderlas cuando damos paso a apreciarlas… y es que ¿Si tiene el corazón pegajoso a quién va a abrazar? Este verano grabará en Brooklyn de la mano de LD Beghtol (Magnetic Fields, LD & The New Criticism, The Three Terrors, etc). Nada más que añadir.

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KOKOSCHCA – Birra y Perdiz

K Records, Beat Happening, Hornadas Irritantes, Shangri-Las y la Velvet Underground son deglutidos por estos tres caníbales para ofrecer una colección de canciones agobiantes que llevan el teenage angst a su máxima expresión. Combinan la dulzura de filamento de bombilla con el sonido de un barco carguero en el puerto de Hong Kong. Después de causar una gran impresión con su debut, este 2010 Kokoshca se han embarcado en la creación de un disco extraño, insólito y grotesco que les consagra como banda inaudita. Acontece que vienen a presentar este segundo artefacto: ‘La fuerza’.

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JUEVES 15 DE JULIO / 21:00h / 10€

JOAQUÍN PASCUAL – El Genio Equivocado

Joaquín Pascual (Ex Surfin'Bichos, Mercromina, Travolta...) se desmarcó el 2009 con un acto urgente y despiadadamente inmediato en forma de manifiesto por la libertad: Su primer álbum en solitario ‘El Ritmo de los Acontecimientos’. De una cotidianeidad inquietante, inocente y pervertida, su interiorismo incondicional se contradice por frágil y fiero, por conmovedor pero austero en una antítesis genial. Homenaje a la sencillez. Claridad meridiana difícil de resumir por nosotros.

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PALISANDRO – Repetidor

Palisandro se limitan a la vibración de sus instrumentos para convertir el sonido en búsqueda de la belleza.   Math-rock, post hardcore… Viscerales, orgánicos y con el temple en continuo suspense, apuestan por unos Archers of Loaf jugando a Faraquet o se inventan a Seam haciendo versiones de Spinanes. Canciones de estructuras serpenteantes que sustentan una única guitarra, lineal y disonante, sobre robustas bases de bajo y batería.   Palisandro son el regreso al punto de partida. Voz a cuenta gotas. Contenido antes que melodía.

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VIERNES 16 DE JULIO / 21:00h / 10€

LÜGER - Giradiscos

Mística tóxica de cinco mentes en expansión. Desobediencia civil contra la costra analfabeta de la existencia diaria. Combat-rock machacante y obsesivo para las cruentas emboscadas de la guerra interior. Europa implosionando: el peso de nuestra propia cultura sintetizado en virajes espaciales de raiz kraut en cuyo origen yacen las tumbas saqueadas de Hawkwind, Faust o Neu! Midiéndose a su vez con las visiones contemporáneas de Wooden Shjips, Trans Am o los Primal Scream de Xtrmntr. De bandera.

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FURGUSON – La Castanya

Con su primer disco ‘My friends are my culture’ Furguson han levantado a más de uno de la silla. Irreverencia y sintes por parte de estos cinco chavales de Gurb (población: 1823 habitantes) que no afinan, ni entonan y dicen que no saben ni tocar pero sí saben y son maravillosos. Ideas frescas que aplican a un post punk arrastrado y bailable con guiños al hardcore. Actitud y maneras que recuerdan al ‘Slanted & Enchanted’ de Pavement en un puñado de pegadizas canciones. Sería como encerrar en un garage a Wire con A Certain Ratio y esperar a ver qué pasa.

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SÁBADO 17 DE JULIO / 21:00h / 8€

ALADO SINCERA – Repetidor

Con su tercer álbum, Alado Sincera han conseguido consolidarse como uno de los secretos mejor guardados de este país. Caminando hacia nuevas y afiladas formas, en ‘Palimpsesto’ han conseguido condensar una respuesta política, o anti-política, abstracta y sumamente contemporánea. Volumen y contundencia en un arriesgado salto desde el trampolín de Constantines, Joan Of Arc, Smart Went Crazy o Van Pelt para zambullirse en aguas disonantes. Dando la espalda a cánones para confeccionar un entramado de sonido y discurso transversal en el que no hay grandes canciones pero sí canciones grandes.

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CHALLENGER – Carnús

Permeables al halo hardcore psicótico de No Means No, a la ruda muralla de sonido de Jay Retard o a la dramática jovialidad de Built To Spill, y amantes de los disfraces y el cachondeo a partes iguales… Challenger son la versión Madrid de Drive Like Jehu, o lo que es lo mismo, una banda que literalmente ‘Se sale’. Aspereza e intensidad al dente que con su segundo álbum ‘Ümelsion’ y de la mano de Stephen Egerton (Descendents, All) les sitúa como una de los pocos grupos con una única pero convincente respuesta para todo: Hüsker Du.

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DOMINGO 18 DE JULIO / 20:30h / 6€

KIEV CUANDO NIEVA – AA Records

Prestando su primer disco se hacen muchos amigos. Ahora, con su segundo largo ‘Todos los ademanes’, nuestro círculo de amistades crece exponencialmente. Recordar que a una chica le creció el pelo en un país extranjero es hacer pop santo. Kiev Cuando Nieva te gustan porque son de Huesca y porque han aprendido a mirarlo todo con capacidad de observación microscópica y los resultados de todos sus estudios se llevan a un departamento poético donde importa más la acción que la descripción.

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DÚO COBRA – Repetidor

Electroacústica experimental, folclore generacional… El duelo de tahúres, la ósmosis de andar por casa, la cosa blandita que dejó un tal Pablo en la nevera aquella tarde que vino a casa y apenas habló de nada. Ironías que pintan paisajes sobre susurros y los tachan para enfrentar el muermo y la cáspita que nos sale a veces por oído. Dos aliados contra el peso de la máquina, de la mente y del metal blando: Pianos, juguetes, voces, ordenadores, sintetizadores, furbys mutantes y alguna de esas maquinitas que hacen – Piiiiiiii – Poesía que vienen a presentar con su debut recién estrenado bajo el brazo: ‘Déjate Morder’.

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Ne change rien

2010-06-09T21:24:00.005+02:00

La última película de Pedro Costa llega a nuestro país en 'doble estreno' oficial en Barcelona (próximo viernes 11) y Madrid (martes 29). El director y la cantante protagonista asistirán a la presentación de la película en el Instituto Francés de Barcelona. Costa participará también en una mesa redonda en el estreno del film en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Ne Change Rien nace de la amistad entre la actriz Jeanne Balibar, el ingeniero de sonido Philipe Morel y Pedro Costa y es la extensión natural de un cortometraje que el cineasta realizó en 2005 sobre el trabajo como cantante de la artista francesa. En la película vemos a Jeanne Balibar en los ensayos y grabaciones de algunos temas de su disco “Slalom Dame” (2006), en algunas actuaciones en directo, en sus clases de canto clásico y en el escenario de un café de Tokio. De Johnny Guitar a la Périchole de Offenbach, se construye una cinta de una belleza sublime e hipnótica, absolutamente alejada de cualquier convención del género documental musical o del retrato de artistas.

Pedro Costa posa su mirada discretamente sobre los músicos y así es como los vemos trabajar, componer, inventar, repetir una y otra vez hasta encontrar sólo a veces la exactitud perseguida en el proceso. Filmada en un blanco y negro radical, la película se compone de 45 planos fijos que van mucho más allá del retrato de la artista francesa, para arrastrar al espectador a través de la experiencia de aprehender el proceso de creación artística como algo más grande que cualquier individuo, de construcción necesariamente colectiva y compuesto no sólo con talento, exigencia y disciplina sino, inevitablemente, con emociones.

Contactos

2010-06-08T23:20:00.004+02:00

El próximo viernes 11 de Junio a las 20h en la sala 2 del Cine Doré (Calle de Santa Isabel, 3) se proyectará la nueva copia restaurada de esta pequeña joya de Paulino Viota. El evento contará con la presencia del director.

Contactos (Paulino Viota, 1970)

“Se trata, por medio de un trabajo paciente, regulado, difícil, de incidir en las articulaciones del sistema del cine burgués. En un film, un aspecto importante del trabajo ideológico puede, históricamente, ser el desplazamiento que ese film haga sufrir a la maquinaria aparentemente ‘formal’ idealista. En este trabajo es donde pretende inscribirse Contactos” (Paulino Viota).

Acción tras los márgenes

2010-06-04T09:20:00.004+02:00

Bajo el título de 'Acción tras los márgenes' y comisariado por Douglas Crimp y Lynne Cooke, el MNCARS nos trae a parir de la próximo semana un ciclo de charlas, conferencias y proyecciones sobre el proceso de transformación urbando de Nueva York desde la desindustrialización de los años setenta y el aprovechamiento del espacio público y privado por los colectivos 'marginales' artísticos y sociales. Con filmes y vídeos de Jack Smith, Peter Hutton, Ken Jacobs, Rudolph Burckhardt, Gordon Matta-Clark, Joan Jonas, Vivienne Dick...

Miércoles 9 de junio, 19:00h
Manhattan, uso mixto
Conferencia de presentación a cargo de Douglas Crimp y Lynne Cooke, comisarios de la exposición.

Jueves 10 de junio, 19:00h
El arte y el silencio de la ciudad
Conversación entre Rosalyn Deutsche y Johanna Burton

Viernes 11 de junio, 19:00h
Historia, Memoria, Espacio
Conversación con Matthew Buckingham. Matthew Buckingham y Juan Suárez

Songdelay (Joan Jonas, 1973)

Miércoles 16 de junio
Proyección: Fragmentos de Nueva York
- Ramp (James Nares, 1976, 16mm., 4’45’’)
- Twister (James Nares, 1976, 16mm., 2’)
- Day’s End (Gordon Matta-Clark, 1975, Super 8 en DVD, 23’10’’)
- News from Home (Chantal Akerman, 1976, 16mm. en DVD, 85’)

Jueves 17 de junio, 19:00h
Ocupaciones y desalojos: Manhattan en el cine y víde experimental, de los años sesenta en adelante
Conferencia de Juan Antonio Suárez.

Jueves 18 de junio, 19:00h
Proyección: Retratos de Nueva York
- New York Windows (Mel Bochner & Robert Moskowitz, 1966, 16mm. en DVD, 12’)
- Window (Ken Jacobs, 1964, 16mm., 12’)
- Square Times (Rudolph Burckhardt, 1967, 16mm., 6’30’’)
- Sodom and Gomorrah, New York 10036 (Rudolph Burckhardt, 1976, 16mm., 6’25’’)
- Default Averted (Rudolph Burckhardt, 1975, 16mm., 20’)
- New York Portrait. Chapter I (Peter Hutton, 1978-79, 16mm., 16’)
- New York Portrait. Chapter II (Peter Hutton, 1980-81, 16mm., 16’)
- New York Portrait. Chapter III (Peter Hutton, 1990, 16mm., 15’)
- East River Park (Zoe Leonard, 1991, Súper 8 en DVD, 6’53’’)

Clockshower (Gordon Matta-Clark, 1973)

Miércoles 23 de junio, 19:00h
La estética espacial de la renovación urbana
Conferencia de Ann Reynolds.

Jueves 24 de junio, 19:00h
Proyección: Performances de Nueva York
- Scotch Tape (Jack Smith, 1962, 16mm., 3’)
- She Had Her Gun All Ready (Vivienne Dick, 1978, Super 8 en 16mm, 28’)
- Mutiny (Abigail Child, 1983, 16mm., 9’30’’)
- Central Park in the Dark (Rudolph Burckhardt, 1985, 16mm., 8’)
- The Whirled (Ken Jacobs, 1963, 16mm. en DVD, 19’)
- Clockshower (Gordon Matta-Clark, 1973, 16mm. en DVD, 13’50’’)
- Songdelay (Joan Jonas, 1973, 16mm. en DVD, 18’35’’)
- Calico Mingling (Lucinda Childs) (Babette Mangolte, 1973, 16mm. en DVD, 9’50’’)
- From an Island Summer (Charles Atlas, 1983-84, vídeo, 13’04’’)
- Drag Queens Take Over Times Square (Nelson Sullivan, vídeo-8, 7’)
- Mrs. Peanut Visits New York (Charles Atlas, 1999, vídeo, 6’5’’)

The Whirled (Ken Jacobs, 1963)

Filmgalerie 451: Arsenal edition

2010-06-01T08:59:00.008+02:00

El mercado (?) alemán de cine experimental crece. Al ya existente sello Red Avocado creado por el erudito y cineasta Ingo Petzke, que tras un pequeño parón, rearrancó hace dos meses con la publicación de un DVD dedicado a la pieza de música visual Reflektorische Farblichtspiele de Kurt Schwerdtfeger, se añade uno más.

Schenec-Tady I (Heinz Emigholz, 1972/73)

El sello Arsenal es fruto de la colaboración entre el editor Filmgalerie 451 y el Arsenal - Institut für Film und Videokunst, y ya cuenta con tres títulos en su haber, publicados el pasado febrero con motivo del Forum Expanded de la Berlinale. Dos de ellos están dedicados a los mediometrajes estructuralistas realizados por Heinz Emigholz en los años 70, que fue objeto de una retrospectiva en el propi Forum. El segundo lanzamiento, el doble 'Archiv der Blicke' del recientemente fallecido Rüdiger Neumann recoge la obra menos conocida de este cineasta y profesor, creador en la Academia de Hamburgo del programa de Bellas Artes para el cine experimental.

Hotel (Heinz Emigholz, 1975/76)

Ambos lanzamientos se presentan en una cuidada edición, especialmente la de Emigholz, que cuenta con numerosos extras, entrevistas al director y subtítulos en inglés.

Meridian oder das Theater vor dem Regen (Rüdiger Neumann, 1983)

- Heinz Emigholz: The formative years (I)
- Heinz Emigholz: The formative years (II)
- Rüdiger Neumann: Archiv der Blicke

Entrevista de Heinz Emigholz y Klaus Wyborny

Gracias a GVR por el aviso.

Panorámica: Vidas ilustradas

2010-05-31T16:37:00.003+02:00

Todos los martes del mes de Junio, La Casa Encendida nos ofrece el programa 'Panorámica: Vidas ilustradas', un interesante tríptico de 'biografías' por tres destacados y jóvenes autores del Reino Unido e Irlanda: Ben Rivers, Duncan Campbell y Luke Fowler.

Programa:

- Origin of the Species (Ben Rivers, Reino Unido, 2008, 16 min.)
A Ben Rivers le fascinan los personajes que viven y sobreviven en los márgenes de la sociedad. Origin of the Species es un retrato de un hombre de unos setenta años que vive retirado en una remota zona del norte de las islas británicas. El solitario protagonista es un pensador e inventor autodidacta con un especial interés por la evolución del hombre, un tema que entiende a partir de la exuberante naturaleza de la campiña escocesa que le rodea. Rivers filma esta naturaleza de una manera magistral y sus precisas y oníricas imágenes sirven para encuadrar una vida íntimamente conectada a su entorno más cercano.

Origin of the Species (Ben Rivers, 2008)

- Bernadette (Duncan Campbell, Irlanda, 2008, 37 min.)
La vida de la activista norirlandesa Bernadette Devlin transcurrió delante de las cámaras de televisión durante los años 70. Fue elegida como parlamentaria a los 21 años y más tarde encarcelada por su defensa de las zonas católicas de Belfast durante los duros años de lucha en la provincia. Duncan Campbell desvela esta vida tan mediatizada con el sencillo recurso de enseñarnos todo el material adicional filmado antes y después de las entrevistas y reportajes que finalmente aparecieron en pantalla. A partir de estos ensayos, repeticiones, imágenes de reporteros esperando y grabándose “escuchando” a Devlin sin que ella esté presente, entendemos algo de lo engañoso de los personajes televisivos.
En su conjunto el documental es un eficaz desmontaje de los mecanismos de los medios que debe mucho a otro irlandés cuya obra ha sido la clave para el director: Samuel Beckett.

Bernadette (Duncan Campbell, 2008)

- Bogman Palmjaguar (Luke Fowler, Reino Unido, 2007, 30 min.)
Bogman Palmjaguar es un ermitaño que habita unas austeras ciénagas en Escocia. Su amor por el paisaje y sus observaciones sobre él, acompañan las impresionantes filmaciones de la zona realizadas en Súper 8 por Luke Fowler. Estas observaciones contrastan con una serie de conversaciones de Palmjaguar con su psiquiatra, el Doctor Leon Redler, y con el propio Fowler. Palmjaguar luce unas máscaras de plumas, se niega a mirar a la cámara y su excentricidad desafía nuestra imagen de un hombre pacífico viviendo en un entorno natural aislado de las preocupaciones de la sociedad contemporánea. La película de Fowler enreda la realidad y nuestra percepción de ella para crear un enigmático y absorbente retrato de una vida muy particular.

Martes 1, 8, 15, 22 y 29 de Junio, 20h, La Casa Encendida, Ronda Valencia, 2 28012 Madrid.

Más:
* Especial Punto de Vista: Ben Rivers en Blogs&Docs.
* Wikipedia: Luke Fowler
* Tres films de Duncan Campbell en Blogs&Docs.

Geometrías domésticas: películas de Abigail Child

2010-05-29T20:07:00.005+02:00

El MNCARS dedica su 'Enlace-49' a una retrospectiva de la obra de la intensa e incansable cineasta y poeta Abigail Child, aquién pudimos ver en España recientemente en la segunda edición de Xperimenta. El programa, además de las tres películas más representativas de su hexalogía Is This What We Were Born For? (Covert Action (1984), Perils (1986) y Mayhem (1987)), integra otras tres piezas de los últimos años en las que Child se replantea los conceptos de historia, biografía y sexualidad con piezas trabajadas a partir de found footage.

The Future is Behind You (Abigail Child, 2004)

Programa:
- Perils (1986, Betacam SP, b/n, VOSE, 5’)
- Covert Action (1984, Betacam Digital, SP, VOSE, 9’)
- The Future is Behind You (2004, Betacam Digital, b/n, VOSE, 21’)
- Mirror World (2006, 16mm / Betacam SP, color, VOSE, 15’)
- Mayhem (1987, 16mm / Betacam SP, b/n, VOSE, 19’)
- (If I Can Sing a Song About) Ligatures (2009, DVD, b/n, VOSE, 5’)

(If I Can Sing a Song About) Ligatures (Abigail Child, 2009)

31 de Mayo, 20h, MNCARS, C / Santa Isabel 52, Auditorio Sabatini.

Desbordamiento de Val del Omar

2010-04-30T14:43:00.006+02:00

El próximo 13 de Mayo arranca en el Centro José Guerrero de Granada la exposición "Desbordamiento de Val del Omar". Comisariada por Eugeni Bonet, la exposición constará de diversas secciones que recorrerán la vida y obra de Val del Omar, desde la época de las Misiones Pedagógicas, el Tríptico Elemental de España, sus investigaciones y descubrimientos cinematográficos, poesías, ensayos... acompañados de numerosos documentos, fotografías, películas y experimentos inéditos hasta ahora. La exposición irá acompañada de la edición de un catálogo homónimo, con ensayos de Thomas Beard, Eugeni Bonet, Nicole Brenez, Víctor Erice, Carlos Muguiro y Manuel Palacio entre otros; así como del volumen independiente José Val del Omar: Escritos de técnica, poética y mística, que recoge una amplia selección de textos del propio Val del Omar, con edición y notas a cargo de Javier Ortiz-Echagüe, y un ensayo introductorio de Santos Zunzunegui.

Aguaespejo granadino (1953-55)

La exposición, que estará en el centro granadino hasta el 4 de Julio, llegará al MNCARS a mediados de Septiembre, con contenidos ampliados, hasta Febrero de 2011. El arranque de la expo en el Reina Sofía coincidirá (si nada se tuerce) con el lanzamiento, por parte de Cameo, de un pack de varios DVDs con la obra principal de Val del Omar, extras e inéditos, la película de Eugeni Bonet Tira tu reloj al agua, realizada a partir del material y notas dejado por VdO, así como la tesis audiovisual de Javier Viver.

Granada 1968/1974 (1968 y 1974, inconclusa)

LEM: 3 Remakes Inéditos + 1 - Antoni Pinent

2010-04-27T13:09:00.002+02:00

Este próximo jueves 29, en La Enana Marrón a las 21:30 (como siempre), un programa dedicado a la obra más reciente del cineasta y comisario de cine Antoni Pinent, incluyendo su galardonada Film Quartet/Polyframe (2006-2008), que ha sido proyectada recientemente en el BAFICI y en los Rencontres. Pinent estará presente para introducir y posteriormente comentar las películas.

- Film Quartet/Polyframe (Antoni Pinent, 2006-2008. España, 9min, 35 mm.)
Pequeña bomba artesanal metacinematográfica que atenta contra el concepto del fotograma como partícula mínima de tiempo [cinematográfico], dinamitándolo en 4 fragmentos. Destrucción (léase deconstrucción) de la tradicional teoría del montaje métrico de Peter Kubelka y la esencia de los entres de los fotogramas, todo ello con el propósito de dar paso a un nuevo capítulo cinematográfico, todavía por evolucionar.
También se propone con esta pieza subir un peldaño más en el subgénero del found footage film o material reciclado, donde para ésta se apropia –aparte de Hollywood (Cantando bajo la lluvia, [Singin’in the rain, Stanley Donen y Gene Kelly, 1952], Pink Panther, Buster Keaton, etc.)- de material del período de las primeras vanguardias (Un perro andaluz, [Un chien andalou, Luis Buñuel y Salvador Dalí, 1929]) y del experimental americano (Wavelength, Michael Snow, 1966-1967). Manteniendo así una ecología de la imagen-sonido a la vez que analiza la propia historia del cine, con algún toque de humor.
El artefacto explosivo está inscrito en pentagramas musicales, a modo de notación cinematográfica, para que se pueda interpretar y desarrollar más allá de su proyección, estallando-destruyendo-construyendo en demás lugares cinematográficamente estancos.

Pieza que conmemora el 50 aniversario de A Movie (1958) de Bruce Conner (1933-2008).

Film Quartet/Polyframe (Antoni Pinent, 2006-2008)

- 2∞1: A Space Cut (Antoni Pinent, 2005-2007. España, 8min, súper 8. Proyección en vídeo)
- 2∞1: A Space Cut (Antoni Pinent, 2009-2010. España, 40min, 35mm)
El concepto de infinito en esta obra-ensayo está contemplado como la unión entre corte y corte, considerando que la infinidad de elementos y azares que hay entre plano y plano es inabarcable. Un plano contiene un tiempo delimitado así como un espacio definido de acción y campo, mientras que la intersección es algo que se nos escapa por su gran magnitud, algo que no queda delimitado. Otro punto, y no menos relevante, es que hay que recordar que esta película contiene la elipsis más grande de la historia del cine, 4 millones de años, resuelto por corte: de un hueso en caída libre saltamos a una nave espacial. Un corte que ha marcado un punto de inflexión en la historia del cine y sobre todo de la elipsis.

- Kinosturm Kubelka/16 variaciones (Antoni Pinent, 2009. España. 2min, 35 mm.)
El origen de esta obra parte del film métrico clásico Arnulf Rainer (Peter Kubelka, 1958-60, Austria, 6’24” [9.216 fotogramas], b/n, sonora, 35 mm). En el que se aplica la técnica del film quartet, es decir considerar como partícula mínima de tiempo-físico la perforación, una cuarta parte del fotograma de 35mm (cada 24 fotogramas forma un segundo de tiempo).
Pasamos de 9.216 fotogramas (384” = 6’24”) del original a 2.304 fotogramas (96” = 1’36”) en la nueva versión.Toda la película previamente está transferida a partitura, que es la base para la notación cinematográfica vinculada con esta técnica.La película, con la colaboración del azar, contiene en sí misma 16 variaciones o 16 maneras distintas de ser proyectada, con lo cual serían 16 versiones distintas de la misma.

Werner Schroeter, 1945 - 2010

2010-04-13T16:17:00.001+02:00

LEM: Productos ibéricos inauditos

2010-04-13T08:55:00.003+02:00

La programación de Abril de La Enana Marrón continúa con un ciclo dedicado a producciones españolas de ficción y documental de los últimos años. Una excelente oportunidad de disfrutar de un cine poco visto y dialogar con sus autores.

Programa I (25 de Abril, 20:30)
- Bolboreta, mariposa, papallona (Pablo García, España, 2007, Ficción, 35mm, 87 min.)
Un viaje. Una cámara de cartón y una película de amor inacabada. En su obsesión por atrapar el tiempo, el amor y la belleza, Víctor no llegó nunca a finalizar su ambicioso proyecto. Ahora, unos niños y niñas, desde su mirada infantil y abierta, tratan de conseguir con aquel material filmado lo que la ambición del director adulto no pudo lograr: atrapar la vida.
Charla-coloquio con David Bendito el 8 de abril.

Programa II (15 de Abril, 21:30 y 2 de Mayo, 20:30)
- El barrio de las islas (Daniel García-Pablos, España, 2006, Documental, video, 90 min.)
La llegada del equipo de rodaje de una película de ficción a un barrio de la periferia de Madrid se convierte en el centro de la vida de los vecinos durante tres meses de intensa convivencia. Payos y gitanos de todas las edades dan personalidad a un lugar con descampados, chabolas y casas ocupadas ilegalmente, abocado a una profunda transformación por el avance de la casa.

El barrio de las islas (Daniel García-Pablos, 2007)

Programa III (16 de Abril y 1 de Mayo, 21:30)
- La eternidad (Jean Castejón Gilabert, España, 2009, Ficción experimental, video, 92 min.)
El emblemático Valle de los Caídos, cuyos obreros fueron presos republicanos, es hoy en día un monumento de Patrimonio Nacional. Pero poco a poco, al igual que todas las grandes edificaciones seculares, se aleja de su propio significado, de los españoles, de su historia y se confunde en ella para entrar en el círculo del tiempo. En este circulo más amplio, el mausoleo, construido para atravesar los siglos, aparece como un árbol, una montaña o esa nube que intentamos no perder de vista desde la ventana del coche.
Charla-coloquio con Jean Castejon el 16 de abril.

Programa IV (17 de Abril, 21:30)
- El brau blau (Daniel Villamediana, España, 2008, Ficción, video, 63 min.)
Un joven procedente del mundo de los toros vive aislado en el campo tratando de dar forma a su obsesión: el toreo interior, toreo sin toro. Un camino espiritual basado únicamente en la técnica como fin en sí mismo. Para ello, tras un periodo de formación y entrenamiento, comenzará a construir un espacio propio donde llevar a cabo su gran obra.
Charla-coloquio con Daniel Villamediana el 17 de abril.

El brau blau (Daniel Villamediana, 2008)

Programa V (18 de Abril, 20:30 y 30 de Abril, 21:30)
- En el camino de Esmirna (Pere Albero, 2004-2008, Documental, video, 73 min.)
Al realizar mi documental anterior (Una mirada sobre el prado que llora) por tierras de Macedonia todas las personas con las que conversé tenían algún familiar llegado desde Asia Menor. ¡Aquella tierra había sido abandonada, de golpe, por más de un millón de personas! En el Mediterráneo Oriental se ponía fin a unas formas de vida que se habían desarrollado durante siglos. ¿Pero qué sucedía cuando desaparecían las personas que daban vida a una civilización? Este documental es un viaje al encuentro de unos rastros que se difuminan sobre un paisaje donde el Hombre aprendió a hablar sobre armonía.
Charla-coloquio con Pere Albero el 18 de abril.

Programa VI (24 de Abril, 21:30)
- El Somni (Cristophe Farnarier, España, 2008, Documental, video, 77 min.)
Desde la noche de los tiempos, un hombre camina delante de su rebaño al ritmo de las estaciones. El pastor trashumante pertenece a nuestro imaginario colectivo. Joan “Pipa” es uno de los últimos representantes de una tradición milenaria. Lo acompañamos en su último viaje trashumante hacia los Pirineos catalanes. Día tras día compartimos con él su intimidad, descubrimos el pasado y el presente de un hombre que ama su oficio y que respira la alegría de convivir libremente con la naturaleza. Pero el abandono de la tierra, la industrialización y el crecimiento desenfrenados, la fiebre urbanística, la multiplicación de nuevas infraestructuras y ahora el cambio climático ponen fin al sueño y nos conducen a un futuro incierto. ¿La desaparición de la trashumancia es signo de progreso, o muerte de nuestra civilización?

Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid

2010-04-12T12:12:00.004+02:00

Hoy se inician los Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, dedicados, como cada año, al 'nuevo cine y arte contemporáneo. Una excelente oportunidad de descubrir las nuevas tendencias en el cine de vanguardia y el videoarte, a través de 30 proyecciones, encuentros y salas redondas y dos conciertos multimedia. A destacar, dos sesiones de carta blanca a los directores Harun Farocki (que se programa a sí mismo con Ein Bild y su última obra Zum Vergleich) y Werner Schroeter (con la interesante Winter Soldier); proyecciones especiales dedicadas a Jonas Mekas y Anne-Marie Mieville y Jean-Luc Godard; y las últimas obras de cineastas reconocidos como Pedro Costa, Ken Jacobs, Eija-Liisa Ahtila, Peter Rose, Ben Russell, Avi Mograbi, Pere Portabella, Volker Schreiner... y otros muchos a descubrir.

Futurism Manifesto (Thomas Köner, 2009)

Lunes 12 de Abril, Sesión inaugural
19.00 Inauguración de la exposición “Entre tú y yo” - “Between you and me”. Antigua Tabacalera de Madrid.
21.30 Concierto multimedia: Thomas Köner - Futurism Manifesto.

Martes 13 de Abril
12:00 Encuentro: Anthony McCall, Francis Naranjo y Natacha Nisic. Sala Alcalá 31.
19.30 Proyección inaugural (programación sorpresa). MNCARS, Auditorium 400.
21.30 Concierto multimedia: Ryoichi Kurokawa - Rheo. MNCARS, Auditorium 400.

Miércoles 14 de Abril
12:00 Encuentro: Agniezska Kubicka-Dzieduszycka (WRO contemporary art centre), Macu Morán (Videoartworld) y Roberta Bosco (El País). Sala Alcalá 31.
14:00-20:00 Sesión continua: Animaciones contemporáneas. Sala Alcalá 31.
15:30 Proyección: Capitalismus. MNCARS, Auditorio Sabatini.
17:30 Proyección: No habrá guerra. MNCARS, Auditorio Sabatini.
19:30 Proyección: Psique. MNCARS, Auditorio Sabatini.
20:00 Proyección: Futuro cine. Filmoteca Española, Sala 2
22:00 Proyección: Cine revisitado. Filmoteca Española, Sala 2

Jueves 15 de Abril
12:00 Encuentro: Theus Zwakhals (Montevideo Netherlands media Art Institute), Eli Lloveras (Hamaca), Maike Mia Höhne (Internationale Filmfestspiele Berlin). Sala Alcalá 31.
14:00-20:00 Sesión continua: Animaciones contemporáneas. Sala Alcalá 31.
15:30 Proyección: Individuo/retrato. MNCARS, Auditorio Sabatini.
17:30 Proyección: Relatos. MNCARS, Auditorio Sabatini.
19:30 Proyección: Travesías. MNCARS, Auditorio Sabatini.
21:00 Proyección: Sub-expuesto. Filmoteca Española, Sala 2.

Zum Vergleich (Harun Farocki, 2009)

Viernes 16 de Abril
12:00 Encuentro: Branko Franceschi (Croatian Association of Artist, Marcos García (Medialab-Prado) y Géraldine Gomez (Centre Pompidou). Sala Alcalá 31.
14:00-20:00 Sesión continua: Animaciones contemporáneas. Sala Alcalá 31.
15:30 Proyección: Archi-estructura. MNCARS, Auditorio Sabatini.
17:30 Proyección: Falsificación. MNCARS, Auditorio Sabatini.
19:30 Proyección: Represión. MNCARS, Auditorio Sabatini.
20:00 Proyección: Extranjero. Filmoteca Española, Sala 2.
21:45 Proyección: El proceso a Oscar Wilde. Filmoteca Española, Sala 2.

Sábado 17 de Abril
12:00 Encuentro: Oana Tanase (MNAC National Museum of Contemporary Art Bucharest), Clément Minighetti (MUDAM Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean) y Fatma Colakoglu (Pera Museum). Sala Alcalá 31.
14:00-20:00 Sesión continua: Animaciones contemporáneas. Sala Alcalá 31.
15:30 Proyección: Postcolonial: Ben Russell: Let each one go where he may. MNCARS, Auditorio Sabatini.
18:00 Proyección: Dark lights. MNCARS, Auditorio Sabatini.
18:30 Proyección: Valor trabajo. Filmoteca Española, Sala 2.
19:30 Proyección: Prehistórico. MNCARS, Auditorio Sabatini.
20:30 Proyección: Harun Farocki: La forma documental - Ein bild/Zum Vergleich. Filmoteca Española, Sala 2.

Domingo 18 de Abril
12:00 Encuentro: Pirkko Siitari (KIASMA Museum of Contemporary Art), Alex Adriaansens (_V2) y Müge Turan Tüfenk (Istanbul Museum of Modern Art). MNCARS, Auditorio 200.
18:30 Proyección: Liberación. Filmoteca Española, Sala 2.
20:30 Proyección: Carta blanca a Werner Schroeter: Winter soldier. Filmoteca Española, Sala 2.

You and I, Horizontal (Anthony McCall, 2007)

Lunes 19 de Abril
12:00 Encuentro: Carlos Reviriego (Cahiers du Cinéma España), Jose Nuno Rodrigues (Festival Curtas do Vila Do Conde) y Gonzalo de Pedro (Festival Punto de Vista). Sala Alcalá 31.
14:00-20:00 Sesión continua: Animaciones contemporáneas. Sala Alcalá 31.
15:30 Proyección: Animaciones contemporáneas. MNCARS, Auditorio Sabatini.
17:30 Proyección: Familia. MNCARS, Auditorio Sabatini.
19:30 Proyección: No cambies nada. MNCARS, Auditorio Sabatini. En presencia de Pedro Costa.

Martes 20 de Abril
12:00 Encuentro: Luís Miguel Oliveira (Cinemateca Portuguesa) y Javier Duero (Pensart AC). Sala Alcalá 31.
14:00-17:00 Sesión continua: Animaciones contemporáneas. Sala Alcalá 31.
19:30 Proyección: Proyección especial: Jonas Mekas I. Filmoteca Española, Sala 1.
21:30 Proyección: Ficción vs.documental. Filmoteca Española, Sala 1.

Miércoles 21 de Abril
12:00 Encuentro. Sala Alcalá 31.
14:00-20:00 Sesión continua: Animaciones contemporáneas. Sala Alcalá 31.
19:30 Proyección: Sesión de cierre (programación sorpresa). Filmoteca Española, Sala 1.
22:00 Proyección: Proyección Especial: Anne-Marie Mieville y Jean-Luc Godard. Filmoteca Española, Sala 1.

LEM: L'Abominable

2010-04-06T13:06:00.004+02:00

La sala La Enana Marrón arranca el mes de Abril con un interesantísimo programa en pase único con obras salidas de los tanques del laboratorio independiente francés L'Abominable. Piezas híbridas entre el documental y el experimental de cineastas tan interesantes como Nicolas Rey, Olivier Fouchard y Mahine Rouhi (cuya obra conjunta será editada 'próximamente' por Re:voir), Emmanuel Lefrant y Martine Rousset. Con la presencia de Nicolas Rey los tres días.

Programa I (9 de Abril, 21:30)
- Le Granier. Paysages, etude n°2 (Olivier Fouchard, 2007, 35 mm, 15 min.)
En la montaña “Le Granier”, la tierra está viva, está sufriendo y está llena de historia. La cámara fija muestra una montaña cansada que parece esconder un sagrado secreto. Estos paisajes telúricos transfigurados por la manipulación de Fouchard en la imagen (técnicas de animación, virado, etc..) de gran plasticidad, cuenta la historia de esta montaña poblada de encantos, y perteneciente a su naturaleza salvaje.
- Parties visible et invisible d’un ensemble sous tension (Emmanuel Lefrant, 2009, 35mm, 7 min.)
África, 2003: los mecanismos de la memoria. Filmé la imagen de un paisaje y enterré al mismo tiempo una tira de película en el mismo lugar donde la secuencia fue filmada: la emulsión, víctima de la erosión es así sometida a esta degradación bioquímica. El resultado de estos procesos naturales de descomposición está conservado en estado de su disolución. Estas dos imágenes, y sus versiones en negativo, son pues unidas juntas gracias a la doble exposición y a técnicas “bi-packing”. Estos paisajes en fusión, es la lógica de un mundo que se revela a si mismo. Un mundo bipolar, donde lo invisible toma forma de lo visible, donde el primero se disuelve a si mismo en el segundo y viceversa.
- Mercedes Dunavska (ou l’impossible trajectoire A1) (Drazen Zanchi, Croacia, 2009, 16 mm, 30 min.)
Una road movie balcánica hecha por un croata de Split. Sin fanfarria, ni trompetas, ni gitanos, ni mostachos ni desnudos… La Autopista A1 es nueva: Split-Zagreb, un coche casi nuevo, el mar a lo largo de la isla de Vis y el magnético Danubio: una banda sonora compuesta de murmullos del tiempo de guerra.

Parties visible et invisible d’un ensemble sous tension (Emmanuel Lefrant, 2009)

Programa II (10 de Abril, 21:30)
- La Montagne De Lure (Mahine Rouhi, 1997-2006, 16 mm, 8 min.)
Imágenes “sucias”. Súper8. Paisajes y deliciosas abstracciones. Imágenes filmadas en 1997 por Mahine Rouhi, encuadradas como un fotógrafo lo haría y procesadas a mano en un laboratorio improvisado “el metrónomo” (Marsella). Blow-up en l’Abominable, en 16mm, en 2006.
- Istanbul (Martine Rousset, Francia, 2006, 16 mm, 100 min.)
Con Estambul, Martine Rousset pone freno al movimiento del mundo a través de un cine de deceleración. Entre las fronteras del movimiento que proporciona el fotograma a fotograma y la fusión óptica, el ritmo de la película es un tiempo suspendido o flotante. No es cierto que la idea de la duración es capaz de capturar una percepción de la ciudad que prefiere quemarse por una intensa emoción. Se ve como si la cámara cultivase un sueño semiconsciente. Para esta suave pulsación, mezcla también diversas exposiciones. Por tanto, en ciertos momentos, ver llega a ser frágil y peligroso

Schuss! (Nicolas Rey, 2005)

Programa III (11 de Abril, 20:30)
- Schuss! (Nicolas Rey, Francia, 2005, 16 mm, 123 min.)
Una película que se podría confundir con un documental un poco raro sobre los deportes de invierno. Tiene como tema principal, según el director, el aluminio. La película evoca la historia económica del siglo XX, la muerte del progreso en los valles de los Alpes y la cuestión del Estado y de la Industria.

laenanamarron.wordpress.com

2010-03-13T07:59:00.003+01:00

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