Corrección a 'Talleres de cine sin cámara'

- El Taller de Laboratorio, organizado por La noche en blanco e impartido por Miguel Aparicio tendrá lugar en la Escuela de Fotografía EFTI.
- El Taller 'El cine como objeto: Apropiacionismo y prácticas intervencionistas', impartido por Alberto Cabrera se realizará los días 6, 7 y 8, en lugar de los días 8, 9 y 10, como se indicó anteriormente.

Cine a contracorriente: Latinoamérica y España

Bajo el título de 'Cine a contracorriente: Latinoamérica y España - Diálogos, confluencias, divergencias... en los últimos 80 años' el SEACEX y el CCCB nos presentan un grupo de elementos (congreso, programa itinerante y DVD) con el objeto de investigar y dar a conocer el cine de vanguardia/experimental de América Latina y España. El proyecto, comisariado por Antoni Pinent, con el asesoramiento de los especialistas Angélica Cuevas Portilla, Rubén Guzmán y Marta Lucía Vélez, se iniciará los días 28 al 31 de Octubre con un congreso que contará con la presencia de cineastas y espelialstas de ambos lados del Atlántico: Narcisa Hirsch, Ximena Cuevas, Jorge La Ferla, Arlindo Machado, Jesse Lerner, Tomàs Pladevall, Alfonso del Amo, Ángela López, y Juan José Mendy. El congreso constará de diversas ponencias, mesas redondas, una masterclass sobre montaje por Nelson Rodríguez (Cuba) y un 'Taller de introducción a la animación experimental' impartido por Lourdes Villagómez (México).

El programa itinerante constará de seis sesiones temáticas con un total de 59 títulos que serán proyectados por primera vez durante el congreso. De forma similar a 'Del éxtasis al arrebato' este proyecto contará con su catálogo en DVD, que se centrará exclusivamente en la producción latinoamericana y que será editado por Cameo.


Congreso: (sujeto a cambios)

Jueves 28 de Octubre
11:30-13:30 Masterclass: Sobre el montaje por Nelson Rodríguez (Cuba)
17:00-18:45 Apertura por Jorge La Ferla (Argentina) + Proyección Sesión 1: Revolución y contracultura
19:15-21:00 Mesa introductoria de presentación con Rubén Guzmán (Argentina), Angélica Cuevas (México), Marta Lucía Vélez (Colombia) y Antoni Pinent (España)
22:00 Proyección Sesión 2: Cápsulas de tiempo

Viernes 29 de Octubre
10:30-12:00 Ponencia: FAC - Uruguay por Ángela López (Uruguay)
12:30-14:00 Ponencia: Asociación AANME por María Belén Moncayo (Ecuador)
17:00-18:45 Mesa redonda: Restauración - Preservación con Tomàs Pladevall (España), Rosa Cardona (España) y Juan José Mendy (Uruguay/España). Moderador: Alfonso del Amo (España)
19:15-21:00 Encuentro: La Mexicanidad con Ximena Cuevas (México) y Jesse Lerner (EEUU/México)
22:00 Proyección Sesión 3: Interferencias

Sábado 30 de Octubre
12:00 Mesa redonda: Colecciones - Archivos con Fernando Martín Peña (Argentina), María Belén Moncayo (Ecuador) y Irela Núñez (Perú). Moderadora: Ángela López (Uruguay)
17:00-18:45 Mesa redonda: Panóptico con Jorge La Ferla (Argentina), Arlindo Machado (Brasil) y Jesse Lerner (EEUU/México). Moderadora: Marta Lucía Vélez (Colombia)
19:15-21:00 Encuentro: Homenaje a Narcisa Hirsch conducido por Rubén Guzmán (Argentina)
22:00 Proyección Sesión 4: Señales de vida

Domingo 31 de Octubre
18:30 Proyección Sesión 5: Ejercicios de estilo
20:00 Proyección Sesión 6: Medio y masaje

F.I.R.T. 119 (Rubén Guzmán, 2002)

Programa itinerante:

Sesión 1: Revolución y contracultura
- Revolución (Jorge Sanjinés, 1963. Bolivia, 10’, b/n, sonora, 16mm.)
- Juventud, rebeldía, revolución (Enrique Pineda Barnet, 1969. Cuba, 31’, color, sonora, 35mm.)
- BiBiCi Story (Carles Durán, 1969. España, 7’50”, color y b/n, sonora, 35mm.)
- Now! (Santiago Álvarez, 1965. Cuba, 5’, b/n, sonora, 35mm.)
- Quema (Alberto Fischerman, 1962. Argentina, 9’45”, b/n, sonora, 35mm.)
- Agarrando pueblo (Los vampiros de la miseria) (Luís Ospina y Carlos Mayolo, 1978. Colombia, 28’35”, b/n y color, sonora, 16mm.)

Sesión 2: Cápsulas de tiempo
- Fuego en Castilla (José Val del Omar, 1958 - 1959. España, 17’, b/n y color, sonora, 35mm.)
- Magueyes (Rubén Gámez, 1962. México, 9’, b/n, sonora, 35mm.)
- El fin (Sergio García, 1970. México, 8’, color, sonora, súper 8.)
- Photomatons (Eugeni Bonet, 1976. España, 3’, b/n, sonora, súper 8.)
- Camal (Miguel Alvear, 2001. Ecuador, 13’15”, b/n y color, sonora, 16mm.)
- Street Symphony (Sarah Minter, 2006. México, 5’40’’, color, sonora, vídeo.)
- Fome (Hambre) (Carlos Vergara, 1972. Brasil, 9’30”, color, muda, súper 8.)
- Mi co-ra-zón (Pola Weiss, 1986. México, 10’, color, sonora (diálogos), vídeo.)
- Ilha das Flores (Jorge Furtado, 1989. Brasil, 13’, color, sonora, 35mm.)

Esta pared no es medianera (Fernando De Szyszlo, 1952)

Sesión 3: Interferencias
- Traum (sueño) (Horacio Coppola y Walter Auerbach, 1933. Argentina/Alemania, 2’, b/n, muda, 16 mm.)
- La flecha y un compás (David José Kohon, 1950. Argentina, 10’58’’, b/n, sonora, 16mm.)
- Los placeres de la carne (Horacio Valleregio, 1977. Argentina, 12’, color, sonora, súper 8.)
- Juquilita (Elena Pardo, 2004. México, 2’20”, color, sonora, 16mm.)
- Ofrenda (Claudio Caldini, 1978. Argentina, 3’, color, sonora, súper 8.)
- Desnudo desciende (Silvia Gruner, 1986. México, 1’30”, b/n y color, muda, súper 8.)
- POESIA eVENTO (Gabriel Borba, 1954-75. Brasil, 1’22’’, color, sonora, súper 8.)
- Opus (José Ángel Toirac, 2005. Cuba, 4’40”, b/n, sonora, video.)
- Danse noire (Frederic Amat, 2005-2006. España, 3’33”, color, sonora, vídeo.)
- Xeroperformance (Paulo Bruscky, 1980. Brasil, 40”, b/n virado, sonora, súper 8.)
- L’espectador / Habitació amb rellotge / La llum / Conversa (Carles Santos, 1967. España, 6’40”, b/n, sonora, 16mm.)
- Horizonte sin Horizonte (Sandra DeBerduccy, 2007. Bolivia, 4’50’’, color, sonora, vídeo.)
- Natura (José Castillo, 2001. Venezuela, 1’40’’, color, sonora, 35mm.)
- Pintura 63 (Ton Sirera, 1962-1963. España, 5’30”, color, sonora, 16mm.)
- Impresiones en la alta atmósfera (José Antonio Sistiaga, 1988-1989. España, 7’, color, sonora, 70mm.)

Sesión 4: Señales de vida
- O pátio (Glauber Rocha, 1958. Brasil, 12’43”, color, sonora, 35mm.)
- La segunda primera matriz (Alfredo Gurrola, 1972. México, 15’, color, sonora, súper 8.)
- La ciudad en la playa (Ferruccio Musitelli, 1961. Uruguay, 12’, sonora, color, 16mm.)
- Documental (Alexander Apóstol, 2005. Venezuela, 2’, color, sonora, vídeo.)
- Esta pared no es medianera (Fernando De Szyszlo, 1952. Perú, 10´, b/n, sonora, 35mm.)
- El Aleph (Narcisa Hirsch, 2005. Argentina, 1’, color, sonora, súper 8 y 16mm.)
- Habana Solo (Juan Carlos Alom, 2000. Cuba, 14’30”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Ice Cream (Antoni Padrós, 1970. España, 8’10”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Miserere (Antoni Miralda y Benet Rossell, 1979. España, 12’, b/n, sonora, 16mm.)

Ofrenda (Claudio Caldini, 1978)

Sesión 5: Ejercicios de estilo
- Ojo de pez (Gabriel Enrique Vargas Vázquez, 2007. Colombia, 15’24”, b/n, sonora, video.)
- Elegbe (Guillermo Zabaleta, 2008. Uruguay, 3’, b/n, sonora, 16mm.)
- Self-portrait (Ricardo Nicolayevsky, 1982-1985. México, 6’30”, color y b/n, súper 8 y 16mm.)
- 0778 (Marcellvs L., 2004. Brasil, 9’27”, color, sonora, video.)
- Tierra de sombra (Alberto Borea, 2002. Perú, 12’42, b/n, muda, video.)
- Passacaglia y Fuga (Laura Abel y Jorge Honik, 1976. Argentina, 16’, color, sonora, súper 8.)
- Corazón Sangrante (Ximena Cuevas, 1993. México, 3’, color, sonora (diálogo), video.)
- Farce Sensationelle! (Laida Lertxundi, 2004. España-EUA, 3’10”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Cocinero (Daniela Cugliandolo. 1999. Argentina, 3’, b/n, sonora, súper 8.)
- F.I.R.T. 119 (Raymond Beluga Studio, 2002. Argentina, 10’ 24”, b/n, sonora, 16 mm y súper 8.)

Sesión 6: Medio y masaje
- Gallery Dogs (Diego Lama, 2005. Perú, 2’30”, color, sonora, video.)
- Travelling (Lluis Rivera, 1972. España, 10’25”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Frank Stein (Iván Zulueta, 1972. España, 3’, b/n, muda, 16mm.)
- Las maravillas del mundo salvaje / hormigas (Lourdes Villagómez, 2000. México, 4’38”, color, sonora, video.)
- Límites (1ª persona) (Elías León Siminiani, 2009. España, 7’45”, color, sonora, vídeo.)
- Súper 8 (David Domingo, 1999. España, 7’25”, color, sonora, súper 8.)
- Chapucerías (Enrique Colina, 1987. Cuba, 11’, color y b/n, sonora, 35 mm.)
- Alice in Hollywoodland (Jesús Pérez-Miranda, 2006. España, 7’, b/n y color, sonora, vídeo.)
- Fear/Miedo (Claudia Aravena, 2008. Chile, 14’, color, sonora, video.)
- Minnesota 1943 (Toni Serra, 1995. España, 7’13”, b/n y color, sonora, vídeo.)
- O som, ou tratado de harmonia (Arthur Omar, 1984. Brasil, 17’, color, sonora, 35mm.)

Now! (Santiago Álvarez, 1965)

Catálogo DVD:

- Traum (sueño) (Horacio Coppola y Walter Auerbach, 1933. Argentina/Alemania, 2’.)
- La flecha y un compás (David José Kohon, 1950. Argentina, 10’58’’.)
- Esta pared no es medianera (Fernando De Szyszlo, 1952. Perú, 10’.)
- La ciudad de la playa (Ferruccio Musitelli, 1961. Uruguay, 12’.)
- Magueyes (Rubén Gámez, 1962. México, 9’.)
- Revolución (Jorge Sanjinés, 1963. Bolivia, 10’.)
- Now! (Santiago Álvarez, 1965. Cuba, 5’.)
- Fome (Hambre) (Carlos Vergara, 1972. Brasil, 9’30”.)
- Ofrenda (Claudio Caldini, 1978. Argentina, 3’.)
- Agarrando pueblo (Los vampiros de la miseria) (Luís Ospina y Carlos Mayolo, 1978. Colombia, 28’35’’.)
- Ama Zona (Narcisa Hirsch, 1979. Argentina, 20’.)
- Chapucerías (Enrique Colina, 1987. Cuba, 11’.)
- Ilha das Flores (Jorge Furtado, 1989. Brasil, 13’.)
- Corazón Sangrante (Ximena Cuevas, 1993. México, 3’.)
- Hamaca paraguaya (Paz Encina, 2000. Paraguay, 8’15”.)
- Camal (Miguel Alvear, 2001. Ecuador, 13’15”.)
- Juquilita (Elena Pardo, 2004. México, 2’20”.)
- Gallery Dogs (Diego Lama, 2005. Perú, 2’30”, color, sonora, vídeo.)
- Documental (Alexander Apóstol, 2005. Vene-zuela, 2’.)
- Opus (José Ángel Toirac, 2005. Cuba, 4’40”.)
- Ojo de pez (Gabriel Enrique Vargas Vázquez, 2007. Colombia, 15’24”.)

Nina Fonoroff - A Knowledge They Cannot Lose (1989)

No me resisto a compartir esta pequeña joya en s8 sonoro de Nina Foronoff, descubierta gracias al blog de Phil Solomon.

"Usando tanto metraje encontrado como material propio, Nina Fonoroff recuerda la memoria de su padre. Construyendo y deconstruyendo un retrato, teje recuerdos de familiares y amigos con una investigación sobre el proceso de su propio trabajo. Su actitud de búsqueda sugiere que con la pérdida de su padre surgió la cuestión de la función, no de un padre en particular, sino de la figura paterna-un rechazo de la autoridad, y una apreciación de los ciclos de su padre de aprendizaje, enseñanza, aprendizaje. Mientras Danny Kaye, interpretando a Hans Christian Andersen, cuenta a un grupo de niños la historia de la tiza que se vio a sí misma como fuente, y no transmisora de conocimientos, uno siente el dolor de Fonoroff por la pérdida inherente a la imagen de la película, y un anhelo de la fuente de la imagen, no sólo de su proyección.”—Kathy Geritz, Pacific Film Archives

"Intentando copar con la muerte de mi padre de cáncer a principios de 1987, "Bernie" surge como un personaje erudito, generoso y egoísta en ocasiones por referencia a otros judíos de su generación (Danny Kaye, Zero Mostel). De su torpe interpretación de un minueto de Bach al piano y su intento de cantar el HMS Pinafore de Gilbert & Sullivan, a las escenas de mi misma leyendo sus diarios en la playa de Santa Cruz, California (donde pasó sus últimos dos años), a las restos de autodesprecio, humor y otras tradiciones culturales, revelo mi afectuosa gratitud hacia Bernie pero necesariamente también resisto la tentación de completar su retrato. La película finalmente es menos sobre Bernie que sobre mi incapacidad para llorar su muerte." - Nina Foronoff

LNEB 2010: Talleres de Cine sin cámara

En días previos a La noche en blanco, se llevarán a cabo diversos talleres audiovisuales bajo el concepto Cine sin cámara. Esta propuesta pretende, por un lado, extender La noche en blanco más allá de sus fronteras naturales y temporales y, por otro, demostrar que el cine es posible, incluso sin cámara. Que no es necesario nada más que un pedazo de celuloide, un proyector y materiales al alcance de cualquiera para realizar una película. Para impartir dichos talleres, se ha invitado a tres realizadores que trabajan habitualmente en el terreno del cine experimental. Los resultados se proyectarán durante La noche en blanco en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes.


Taller de desmontaje y animación experimental

A partir de un episodio de una serie de televisión de los años 50, una película en blanco y negro en 35mm, se procederá al desmontaje y remontaje de sus secuencias y a la manipulación del soporte aplicando una serie de técnicas de animación directa con químicos, pintura, dibujo o rascado. Esta práctica se hará a partir de ejemplos de la historia del cine experimental. Profesor: Oriol Sánchez (Barcelona). 8, 9 y 10 de septiembre. Espacio: Círculo Bellas Artes. Sala nueva (5ª planta). Horario: 16-20 horas. Máximo 10-12 alumnos.

Ejemplo de cine sin cámara: Nirvana Alchemy Film (Jennifer West, 2007, 16mm black & white film soaked in lithium mineral hot springs, pennyroyal tea, doused in mud, sopped in bleach, cherry antacid and laxatives - jumping by Finn West & J.West)


Taller de laboratorio

Taller que explora las posibilidades de creación cinematográfica con imágenes que se generan no con una cámara, sino en el interior de un cuarto oscuro, es decir, del laboratorio fotográfico, jugando con la idea de la "cámara oscura" en cuanto origen de la formación de las imágenes. Profesor: Miguel Aparicio (Madrid). 8, 9 y 10 de septiembre. Espacio: Escuela de Fotografía EFTI. Horario: 16-20 horas. Máximo 10-12 alumnos.


El cine como objeto: Apropiacionismo y prácticas intervencionistas.

Subrayando el carácter del cine como objeto, se trabajará a partir de material apropiado en 35 mm mediante prácticas intervencionistas sujetas a determinadas normas de actuación, haciéndose después un montaje siguiendo técnicas seriales. Como contrapunto, están previstas proyecciones en 16 mm y en vídeo de cineastas que contextualicen el taller. Profesor: Alberto Cabrera Bernal (Madrid). 6, 7 y 8 de septiembre. Espacio: Matadero Madrid. taller. Horario: 16-20 horas. Máximo 10-12 alumnos.

Aquellos interesados en participar en estos talleres de cine sin cámara deberán enviar cv resumido y carta de motivación a info_lneb@mataderomadrid.com

Piero Bargellini

Poca información existe sobre el cineasta italiano Pierfrancesco (Piero) Bargellini (Arezzo, 1940-1982). Ingeniero agrónomo de profesión y cineasta amateur, adquirió su primera cámara con veinte años para grabar sus aficiones juveniles: las coches y motos de carreras. A finales de los años 60, a través de Massimo Bacigalupo, entra en contacto con la recién nacida Cooperativa Cinema Indipendente en Roma, que aglutinará a otros jóvenes realizadores como Alfredo Leonardi, Gianfranco Baruchello y posteriormente aunque de forma breve, Paolo Gioli. A pesar de ser prácticamente desconocido fuera de Italia (y casi dentro de ella), Bargellini fue un cineasta muy influyente dentro de la escena underground de la época, e incluso fuera de ella: Bertolucci y Storaro le consultaron durante la preparación de su película La Luna (1981), para resolver el problema de algunos efectos especiales. A partir de mediados de los 70, Bargellini se ve envuelto en una serie de asuntos turbios y problemas con la ley, que finalizarían con su muerte, oficialmente por sobredosis de drogas, en la madrugada del 10 de julio de 1982.

Stricnina (1969-1973, 16mm/Betacam, 7', v.o.silente)

El cine de Bargellini es uno de los más personales del underground italiano, profundamente poético, y basado en sus amplios conocimientos de óptica y química. "El cine es de los técnicos... sólo de los técnicos ... el cine es el hijo de la tecnología... sólo de la tecnología... es hora de que los técnicos comprendan que el cine les pertenece sólo a ellos", defendía. Como muestra de ello, la 'receta' para la creación de su película 'Trasferimento di modulazione' (1969), a partir de una película pornográfica amateur de los años 50:

"Técnica de revelado - momento creativo de Trasferimento di modulazione. Longitud total: 90m, divididos de la siguiente manera: rollo a) 60m de película pancromática reversible; rollo b) 30m de película ortocromática reversible.

Tratamiento del rollo a):
Iº revelado: revelador Ferrania R36, tiempo 3' a 24º, gamma = 0,3, baño de paro: 2' a 20°.
IIº revelado (con las bobinas en contacto, es decir, emulsión contra emulsión): revelador Ferrania de tonos azul negro: tiempo 60' a 20°, gamma = 8. Proyección de luz actínica con una reducción total de rojo, guiada puntiforme con albedo factor 0,8 en cada fotograma.
Inversión: tiempo 2' a 20°. Baño de paro.
IIIº revelado: revelador de color negro puro, tiempo 6' a 20°: gamma = 0,2.
Inversión: tiempo 11' a 15°.
IIº exposición: tiempo 3', lámpara 500W (sólo en el lado de la emulsión).
I° revelado revelador Ferrania R36; tiempo 2' a 20°; fijación: tiempo 1' a 12°.

Tratamiento del rollo b)
Iº revelado: revelador Ferrania R36, tiempo 6' a 20º.
Solarización parcial con lámpara verde clara de 15W a 4m de la película, tiempo: 4'.
Iº revelado: revelador Ferrania R36, tiempo 3' a 20°. Baño de paro. Fijación: 2' a 20°.
Inversión: tiempo 19' a 22º, en luz reflejada por lente de Fresnel filtrada a través de placa roja polarizada con factor de absorción 6; calidad de la luz: infrarrojos 70%, 30% rayos UV, potencia 1500W.
Latensificación en dos fases: 1) lavado: 8' a 18°, 2) endurecimiento: 5' a 20 °, 3) lavado: 5' a 20°, 4) intensificación: 10' a 20°, 5) lavado: 8' a 12°." - (Cinema & Film n. 7/8, 1969)

Trasferimento di Modulazione (1969, 16mm, 9')

Nelda (1969, 16mm/Betacam, 4')

- Más películas de Bargellini disponibles online en Ubu.

Barbara Sternberg

Barbara Sternberg es uno de los pesos pesados del cine experimental canadiense. Su trabajo se inicia a mediados de los años setenta, y aunque ha trabajado ocasionalmente con vídeo, instalaciones y acciones performáticas, el grueso de su trabajo se ha desarrollado con el celuloide. Sternberg filma y trabaja con imágenes del día a día, manejando el medio fílmico mediante la superposición, mostrando el fotograma, rayando y tratando el celuloide, para cuestionar la percepción y la memoria.

Surfacing (2004)

"Puedo resumir mi posición estética en tres palabras: cotidiana, observacional, desordenada. No busco lo monumental. Filmo el día a día-el misterio que es lo cotidiano. Suelo trabajar contra la brillante superficie, que lo ensuciándola. Veo la perfección como una barrera. Los sujetos no están ahí para mí tenerlos bajo mi control. Puedo tomar una postura de observación - más una mirada que una observación estudiada. El mundo no es nuestro para agarrarnos a él."

Time being II (2007)

Once (2007)

"Utilizo muchas imágenes diferentes, permitiendo sus múltiples lecturas. Un sentido de algo, de la plenitud, la complejidad y la afinidad del mundo se va acumulando durante toda la duración de la película. Al describir las contradicciones y paradojas de la vida, mis películas hablan de un "y" en lugar de "o": luz y sombra, el bien y el mal, la vida y la muerte. Trabajo con imágenes entre la abstracción y la representación, entre el pensar y el sentir. Cuando las imágenes se vacían de significado, se acercan a ser. Pienso en el celuloide como algo análogo a la vida. La fugacidad de la vida tiene su eco en la naturaleza temporal de la película, el 'material' de la vida en la emulsión, y la energía, la fuerza vital en los rítmicos impulsos de luz. Luz, Energía, Vida."

Like a dream that vanishes (2000)

Praise (2005)

Cambio de fase

La Enana Marrón finaliza una etapa y comienza otra nueva. El local permanente de Travesía de San Mateo, 8, desde el que nos ha deleitado durante más de 10 años, cierra. Diversas razones, especialmente económicas (caída de subvenciones, subida de alquiler...) le llevan a ello. Sin embargo, LEM retornará en breve, de forma itinerante, a ofrecernos su programación alternativa, rompedora y algo gamberra, en otros espacios y locales de Madrid.

Fotos de Madrid Uno y Soyiro

Pieces of Jonas Mekas

El infatigable Jonas Mekas inicia una nueva sección en su web (creada tras romper relaciones y denunciar al galerista Harry Stendhal). Pieces recopgerá fragmentos de su diario, más de 2000 horas de metraje acumulado desde 1988.

Berlin Biennale - George Kuchar

Imágenes del espacio expositivo dedicado a los diarios fílmicos y dibujos de George Kuchar en Mehringdamm 28, D-10961 Berlin.

El Subterráneo

Hoy comienza en la Sala Costello, y hasta el día 18, el 2º festival de música independiente 'El subterráneo', cuyo núcleo está formado por artistas del sello independiente Repetidor Disc. Quien se pase por allí, además de disfrutar de buena música, podrá disfrutar, media hora antes de cada concierto, de una selección de proyecciones de vídeos musicales y obras de found footage, de la mano de Dostopos, La Follable y Playtime Audiovisuales. Para muestra, una pequeña playlist.


LUNES 12 DE JULIO / 20:30h / 6€
MURSEGO

Maite Arroitajauregi se acerca con sumo tiento desde el folk más experimental a registros propios de la música contemporánea. Esta violonchelista colaboradora de Anari, Lisabö o Gora Japon editó el pasado 2009 su primer trabajo ‘Bat’. Un libre y pleno ejercicio de sensibilidad en el que construye y deconstruye por capas juegos multiinstrumentales hasta dar vida a cada una de las criaturas que luego abandonará, cual huérfanas canastas, a las puertas del hogar. Del hogar de Sam Amidon, David Grubbs o Cosmic Mandoliners.

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URBAN TACTUS – Repetidor

Pianista y compositor de dilatada carrera, Carles Viarnès se sitúa equidistante a las sendas de Skoltz Kolgen o Taylor Deuprée. Influenciado en gran medida por la improvisación, Urban Tactus se adentra en el terreno de la música contemporánea de estética electrónica, experimental y minimalista. Sus piezas encajan en un film transparente, un continuo de ambientes frágiles sustentados casi por varios pianos que fluyen simultáneamente. Expirar para escribir con el dedo sobre el vaho en el espejo. Piezas íntimas, de desarrollos débiles, por las que se transluce una apertura de miras que va desde los pasajes más cinematográficos de E.S.T. o Flim, hasta Montgolfier Brothers o Max Richter.



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MARTES 13 DE JULIO / 20:30h / 6€

AA TIGRE – AA Records

AA Tigre es el proyecto en solitario de Rafael Martínez del Pozo (La JR) mediante el que lleva erigiendo un íntimo esqueleto a base de ruidismo indolente y marcada carga experimental. Desde 2004 y a lo largo de dos 7’’ y un LP titulado ‘Felicidades’, AA Tigre lucha por la inalterabilidad costumbrista, en un acto doméstico e individualista con el que dilatar el espacio-tiempo, deteniendo y dejando escapar las palabras con templada y casi dañina dicción. Con altruismo y desprecio absoluto hacia lo estipulado, Rafa consigue meter al personal dentro de una instantánea amarillenta: Pernoctar con traje de domingo.

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CASADELAVA – Repetidor

Casadelava es una banda atípica que musita una lírica excepcional con un cancionero de temas de folk inspirado en referentes como Townes Van Zandt, Woody Guthrie, Judee Sill, Gordon Lightfoot o Joao Gilberto. El proyecto liderado por Ramón Ayala (Färo-Dokument) es una especie de banda sonora inexistente para una película de colores lavados de mediados de los 70. Atemporales y con un ritmo de composición marcado por la exigencia y la lentitud, Casadelava son el magnífico ejemplo de anti-artista subido a un escenario.

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MIÉRCOLES 14 DE JULIO / 20:30h / 8€

REMATE – Everlasting

Con seis álbumes a sus espaldas, el último ‘Somersaults’ con Muni Camón, Remate ha conseguido convertirse en la causa perdida: Escuchar su propio crujido y desaprobarse a sí mismo. Con cada nuevo trabajo del madrileño el eco de la reinvención retumba en simas diferentes. Partiendo hacia todas partes, viajando por todos lados, sus huellas pararon en algún sitio que él ya no acierta a recordar. El crooner imposible que nos acerca las cosas para esconderlas cuando damos paso a apreciarlas… y es que ¿Si tiene el corazón pegajoso a quién va a abrazar? Este verano grabará en Brooklyn de la mano de LD Beghtol (Magnetic Fields, LD & The New Criticism, The Three Terrors, etc). Nada más que añadir.

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KOKOSCHCA – Birra y Perdiz

K Records, Beat Happening, Hornadas Irritantes, Shangri-Las y la Velvet Underground son deglutidos por estos tres caníbales para ofrecer una colección de canciones agobiantes que llevan el teenage angst a su máxima expresión. Combinan la dulzura de filamento de bombilla con el sonido de un barco carguero en el puerto de Hong Kong. Después de causar una gran impresión con su debut, este 2010 Kokoshca se han embarcado en la creación de un disco extraño, insólito y grotesco que les consagra como banda inaudita. Acontece que vienen a presentar este segundo artefacto: ‘La fuerza’.

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JUEVES 15 DE JULIO / 21:00h / 10€

JOAQUÍN PASCUAL – El Genio Equivocado

Joaquín Pascual (Ex Surfin'Bichos, Mercromina, Travolta...) se desmarcó el 2009 con un acto urgente y despiadadamente inmediato en forma de manifiesto por la libertad: Su primer álbum en solitario ‘El Ritmo de los Acontecimientos’. De una cotidianeidad inquietante, inocente y pervertida, su interiorismo incondicional se contradice por frágil y fiero, por conmovedor pero austero en una antítesis genial. Homenaje a la sencillez. Claridad meridiana difícil de resumir por nosotros.

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PALISANDRO – Repetidor

Palisandro se limitan a la vibración de sus instrumentos para convertir el sonido en búsqueda de la belleza.

 Math-rock, post hardcore… Viscerales, orgánicos y con el temple en continuo suspense, apuestan por unos Archers of Loaf jugando a Faraquet o se inventan a Seam haciendo versiones de Spinanes. Canciones de estructuras serpenteantes que sustentan una única guitarra, lineal y disonante, sobre robustas bases de bajo y batería. 

Palisandro son el regreso al punto de partida. Voz a cuenta gotas. Contenido antes que melodía.

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VIERNES 16 DE JULIO / 21:00h / 10€

LÜGER - Giradiscos

Mística tóxica de cinco mentes en expansión. Desobediencia civil contra la costra analfabeta de la existencia diaria. Combat-rock machacante y obsesivo para las cruentas emboscadas de la guerra interior. Europa implosionando: el peso de nuestra propia cultura sintetizado en virajes espaciales de raiz kraut en cuyo origen yacen las tumbas saqueadas de Hawkwind, Faust o Neu! Midiéndose a su vez con las visiones contemporáneas de Wooden Shjips, Trans Am o los Primal Scream de Xtrmntr. De bandera.

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FURGUSON – La Castanya

Con su primer disco ‘My friends are my culture’ Furguson han levantado a más de uno de la silla. Irreverencia y sintes por parte de estos cinco chavales de Gurb (población: 1823 habitantes) que no afinan, ni entonan y dicen que no saben ni tocar pero sí saben y son maravillosos. Ideas frescas que aplican a un post punk arrastrado y bailable con guiños al hardcore. Actitud y maneras que recuerdan al ‘Slanted & Enchanted’ de Pavement en un puñado de pegadizas canciones. Sería como encerrar en un garage a Wire con A Certain Ratio y esperar a ver qué pasa.

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SÁBADO 17 DE JULIO / 21:00h / 8€

ALADO SINCERA – Repetidor

Con su tercer álbum, Alado Sincera han conseguido consolidarse como uno de los secretos mejor guardados de este país. Caminando hacia nuevas y afiladas formas, en ‘Palimpsesto’ han conseguido condensar una respuesta política, o anti-política, abstracta y sumamente contemporánea. Volumen y contundencia en un arriesgado salto desde el trampolín de Constantines, Joan Of Arc, Smart Went Crazy o Van Pelt para zambullirse en aguas disonantes. Dando la espalda a cánones para confeccionar un entramado de sonido y discurso transversal en el que no hay grandes canciones pero sí canciones grandes.

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CHALLENGER – Carnús

Permeables al halo hardcore psicótico de No Means No, a la ruda muralla de sonido de Jay Retard o a la dramática jovialidad de Built To Spill, y amantes de los disfraces y el cachondeo a partes iguales… Challenger son la versión Madrid de Drive Like Jehu, o lo que es lo mismo, una banda que literalmente ‘Se sale’. Aspereza e intensidad al dente que con su segundo álbum ‘Ümelsion’ y de la mano de Stephen Egerton (Descendents, All) les sitúa como una de los pocos grupos con una única pero convincente respuesta para todo: Hüsker Du.

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DOMINGO 18 DE JULIO / 20:30h / 6€

KIEV CUANDO NIEVA – AA Records

Prestando su primer disco se hacen muchos amigos. Ahora, con su segundo largo ‘Todos los ademanes’, nuestro círculo de amistades crece exponencialmente. Recordar que a una chica le creció el pelo en un país extranjero es hacer pop santo. Kiev Cuando Nieva te gustan porque son de Huesca y porque han aprendido a mirarlo todo con capacidad de observación microscópica y los resultados de todos sus estudios se llevan a un departamento poético donde importa más la acción que la descripción.

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DÚO COBRA – Repetidor

Electroacústica experimental, folclore generacional… El duelo de tahúres, la ósmosis de andar por casa, la cosa blandita que dejó un tal Pablo en la nevera aquella tarde que vino a casa y apenas habló de nada. Ironías que pintan paisajes sobre susurros y los tachan para enfrentar el muermo y la cáspita que nos sale a veces por oído. Dos aliados contra el peso de la máquina, de la mente y del metal blando: Pianos, juguetes, voces, ordenadores, sintetizadores, furbys mutantes y alguna de esas maquinitas que hacen – Piiiiiiii – Poesía que vienen a presentar con su debut recién estrenado bajo el brazo: ‘Déjate Morder’.

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Ne change rien

La última película de Pedro Costa llega a nuestro país en 'doble estreno' oficial en Barcelona (próximo viernes 11) y Madrid (martes 29). El director y la cantante protagonista asistirán a la presentación de la película en el Instituto Francés de Barcelona. Costa participará también en una mesa redonda en el estreno del film en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Ne Change Rien nace de la amistad entre la actriz Jeanne Balibar, el ingeniero de sonido Philipe Morel y Pedro Costa y es la extensión natural de un cortometraje que el cineasta realizó en 2005 sobre el trabajo como cantante de la artista francesa. En la película vemos a Jeanne Balibar en los ensayos y grabaciones de algunos temas de su disco “Slalom Dame” (2006), en algunas actuaciones en directo, en sus clases de canto clásico y en el escenario de un café de Tokio. De Johnny Guitar a la Périchole de Offenbach, se construye una cinta de una belleza sublime e hipnótica, absolutamente alejada de cualquier convención del género documental musical o del retrato de artistas.

Pedro Costa posa su mirada discretamente sobre los músicos y así es como los vemos trabajar, componer, inventar, repetir una y otra vez hasta encontrar sólo a veces la exactitud perseguida en el proceso. Filmada en un blanco y negro radical, la película se compone de 45 planos fijos que van mucho más allá del retrato de la artista francesa, para arrastrar al espectador a través de la experiencia de aprehender el proceso de creación artística como algo más grande que cualquier individuo, de construcción necesariamente colectiva y compuesto no sólo con talento, exigencia y disciplina sino, inevitablemente, con emociones.

Contactos

El próximo viernes 11 de Junio a las 20h en la sala 2 del Cine Doré (Calle de Santa Isabel, 3) se proyectará la nueva copia restaurada de esta pequeña joya de Paulino Viota. El evento contará con la presencia del director.

Contactos (Paulino Viota, 1970)

“Se trata, por medio de un trabajo paciente, regulado, difícil, de incidir en las articulaciones del sistema del cine burgués. En un film, un aspecto importante del trabajo ideológico puede, históricamente, ser el desplazamiento que ese film haga sufrir a la maquinaria aparentemente ‘formal’ idealista. En este trabajo es donde pretende inscribirse Contactos” (Paulino Viota).

Acción tras los márgenes

Bajo el título de 'Acción tras los márgenes' y comisariado por Douglas Crimp y Lynne Cooke, el MNCARS nos trae a parir de la próximo semana un ciclo de charlas, conferencias y proyecciones sobre el proceso de transformación urbando de Nueva York desde la desindustrialización de los años setenta y el aprovechamiento del espacio público y privado por los colectivos 'marginales' artísticos y sociales. Con filmes y vídeos de Jack Smith, Peter Hutton, Ken Jacobs, Rudolph Burckhardt, Gordon Matta-Clark, Joan Jonas, Vivienne Dick...

Miércoles 9 de junio, 19:00h
Manhattan, uso mixto
Conferencia de presentación a cargo de Douglas Crimp y Lynne Cooke, comisarios de la exposición.

Jueves 10 de junio, 19:00h
El arte y el silencio de la ciudad
Conversación entre Rosalyn Deutsche y Johanna Burton

Viernes 11 de junio, 19:00h
Historia, Memoria, Espacio
Conversación con Matthew Buckingham. Matthew Buckingham y Juan Suárez

Songdelay (Joan Jonas, 1973)

Miércoles 16 de junio
Proyección: Fragmentos de Nueva York
- Ramp (James Nares, 1976, 16mm., 4’45’’)
- Twister (James Nares, 1976, 16mm., 2’)
- Day’s End (Gordon Matta-Clark, 1975, Super 8 en DVD, 23’10’’)
- News from Home (Chantal Akerman, 1976, 16mm. en DVD, 85’)

Jueves 17 de junio, 19:00h
Ocupaciones y desalojos: Manhattan en el cine y víde experimental, de los años sesenta en adelante
Conferencia de Juan Antonio Suárez.

Jueves 18 de junio, 19:00h
Proyección: Retratos de Nueva York
- New York Windows (Mel Bochner & Robert Moskowitz, 1966, 16mm. en DVD, 12’)
- Window (Ken Jacobs, 1964, 16mm., 12’)
- Square Times (Rudolph Burckhardt, 1967, 16mm., 6’30’’)
- Sodom and Gomorrah, New York 10036 (Rudolph Burckhardt, 1976, 16mm., 6’25’’)
- Default Averted (Rudolph Burckhardt, 1975, 16mm., 20’)
- New York Portrait. Chapter I (Peter Hutton, 1978-79, 16mm., 16’)
- New York Portrait. Chapter II (Peter Hutton, 1980-81, 16mm., 16’)
- New York Portrait. Chapter III (Peter Hutton, 1990, 16mm., 15’)
- East River Park (Zoe Leonard, 1991, Súper 8 en DVD, 6’53’’)

Clockshower (Gordon Matta-Clark, 1973)

Miércoles 23 de junio, 19:00h
La estética espacial de la renovación urbana
Conferencia de Ann Reynolds.

Jueves 24 de junio, 19:00h
Proyección: Performances de Nueva York
- Scotch Tape (Jack Smith, 1962, 16mm., 3’)
- She Had Her Gun All Ready (Vivienne Dick, 1978, Super 8 en 16mm, 28’)
- Mutiny (Abigail Child, 1983, 16mm., 9’30’’)
- Central Park in the Dark (Rudolph Burckhardt, 1985, 16mm., 8’)
- The Whirled (Ken Jacobs, 1963, 16mm. en DVD, 19’)
- Clockshower (Gordon Matta-Clark, 1973, 16mm. en DVD, 13’50’’)
- Songdelay (Joan Jonas, 1973, 16mm. en DVD, 18’35’’)
- Calico Mingling (Lucinda Childs) (Babette Mangolte, 1973, 16mm. en DVD, 9’50’’)
- From an Island Summer (Charles Atlas, 1983-84, vídeo, 13’04’’)
- Drag Queens Take Over Times Square (Nelson Sullivan, vídeo-8, 7’)
- Mrs. Peanut Visits New York (Charles Atlas, 1999, vídeo, 6’5’’)

The Whirled (Ken Jacobs, 1963)

Filmgalerie 451: Arsenal edition

El mercado (?) alemán de cine experimental crece. Al ya existente sello Red Avocado creado por el erudito y cineasta Ingo Petzke, que tras un pequeño parón, rearrancó hace dos meses con la publicación de un DVD dedicado a la pieza de música visual Reflektorische Farblichtspiele de Kurt Schwerdtfeger, se añade uno más.

Schenec-Tady I (Heinz Emigholz, 1972/73)

El sello Arsenal es fruto de la colaboración entre el editor Filmgalerie 451 y el Arsenal - Institut für Film und Videokunst, y ya cuenta con tres títulos en su haber, publicados el pasado febrero con motivo del Forum Expanded de la Berlinale. Dos de ellos están dedicados a los mediometrajes estructuralistas realizados por Heinz Emigholz en los años 70, que fue objeto de una retrospectiva en el propi Forum. El segundo lanzamiento, el doble 'Archiv der Blicke' del recientemente fallecido Rüdiger Neumann recoge la obra menos conocida de este cineasta y profesor, creador en la Academia de Hamburgo del programa de Bellas Artes para el cine experimental.

Hotel (Heinz Emigholz, 1975/76)

Ambos lanzamientos se presentan en una cuidada edición, especialmente la de Emigholz, que cuenta con numerosos extras, entrevistas al director y subtítulos en inglés.

Meridian oder das Theater vor dem Regen (Rüdiger Neumann, 1983)

- Heinz Emigholz: The formative years (I)
- Heinz Emigholz: The formative years (II)
- Rüdiger Neumann: Archiv der Blicke

Entrevista de Heinz Emigholz y Klaus Wyborny

Gracias a GVR por el aviso.

Panorámica: Vidas ilustradas

Todos los martes del mes de Junio, La Casa Encendida nos ofrece el programa 'Panorámica: Vidas ilustradas', un interesante tríptico de 'biografías' por tres destacados y jóvenes autores del Reino Unido e Irlanda: Ben Rivers, Duncan Campbell y Luke Fowler.

Programa:

- Origin of the Species (Ben Rivers, Reino Unido, 2008, 16 min.)
A Ben Rivers le fascinan los personajes que viven y sobreviven en los márgenes de la sociedad. Origin of the Species es un retrato de un hombre de unos setenta años que vive retirado en una remota zona del norte de las islas británicas. El solitario protagonista es un pensador e inventor autodidacta con un especial interés por la evolución del hombre, un tema que entiende a partir de la exuberante naturaleza de la campiña escocesa que le rodea. Rivers filma esta naturaleza de una manera magistral y sus precisas y oníricas imágenes sirven para encuadrar una vida íntimamente conectada a su entorno más cercano.

Origin of the Species (Ben Rivers, 2008)

- Bernadette (Duncan Campbell, Irlanda, 2008, 37 min.)
La vida de la activista norirlandesa Bernadette Devlin transcurrió delante de las cámaras de televisión durante los años 70. Fue elegida como parlamentaria a los 21 años y más tarde encarcelada por su defensa de las zonas católicas de Belfast durante los duros años de lucha en la provincia. Duncan Campbell desvela esta vida tan mediatizada con el sencillo recurso de enseñarnos todo el material adicional filmado antes y después de las entrevistas y reportajes que finalmente aparecieron en pantalla. A partir de estos ensayos, repeticiones, imágenes de reporteros esperando y grabándose “escuchando” a Devlin sin que ella esté presente, entendemos algo de lo engañoso de los personajes televisivos.
En su conjunto el documental es un eficaz desmontaje de los mecanismos de los medios que debe mucho a otro irlandés cuya obra ha sido la clave para el director: Samuel Beckett.

Bernadette (Duncan Campbell, 2008)

- Bogman Palmjaguar (Luke Fowler, Reino Unido, 2007, 30 min.)
Bogman Palmjaguar es un ermitaño que habita unas austeras ciénagas en Escocia. Su amor por el paisaje y sus observaciones sobre él, acompañan las impresionantes filmaciones de la zona realizadas en Súper 8 por Luke Fowler. Estas observaciones contrastan con una serie de conversaciones de Palmjaguar con su psiquiatra, el Doctor Leon Redler, y con el propio Fowler. Palmjaguar luce unas máscaras de plumas, se niega a mirar a la cámara y su excentricidad desafía nuestra imagen de un hombre pacífico viviendo en un entorno natural aislado de las preocupaciones de la sociedad contemporánea. La película de Fowler enreda la realidad y nuestra percepción de ella para crear un enigmático y absorbente retrato de una vida muy particular.


Martes 1, 8, 15, 22 y 29 de Junio, 20h, La Casa Encendida, Ronda Valencia, 2 28012 Madrid.

Más:
* Especial Punto de Vista: Ben Rivers en Blogs&Docs.
* Wikipedia: Luke Fowler
* Tres films de Duncan Campbell en Blogs&Docs.

Geometrías domésticas: películas de Abigail Child

El MNCARS dedica su 'Enlace-49' a una retrospectiva de la obra de la intensa e incansable cineasta y poeta Abigail Child, aquién pudimos ver en España recientemente en la segunda edición de Xperimenta. El programa, además de las tres películas más representativas de su hexalogía Is This What We Were Born For? (Covert Action (1984), Perils (1986) y Mayhem (1987)), integra otras tres piezas de los últimos años en las que Child se replantea los conceptos de historia, biografía y sexualidad con piezas trabajadas a partir de found footage.

The Future is Behind You (Abigail Child, 2004)

Programa:
- Perils (1986, Betacam SP, b/n, VOSE, 5’)
- Covert Action (1984, Betacam Digital, SP, VOSE, 9’)
- The Future is Behind You (2004, Betacam Digital, b/n, VOSE, 21’)
- Mirror World (2006, 16mm / Betacam SP, color, VOSE, 15’)
- Mayhem (1987, 16mm / Betacam SP, b/n, VOSE, 19’)
- (If I Can Sing a Song About) Ligatures (2009, DVD, b/n, VOSE, 5’)

(If I Can Sing a Song About) Ligatures (Abigail Child, 2009)

31 de Mayo, 20h, MNCARS, C / Santa Isabel 52, Auditorio Sabatini.

Desbordamiento de Val del Omar

El próximo 13 de Mayo arranca en el Centro José Guerrero de Granada la exposición "Desbordamiento de Val del Omar". Comisariada por Eugeni Bonet, la exposición constará de diversas secciones que recorrerán la vida y obra de Val del Omar, desde la época de las Misiones Pedagógicas, el Tríptico Elemental de España, sus investigaciones y descubrimientos cinematográficos, poesías, ensayos... acompañados de numerosos documentos, fotografías, películas y experimentos inéditos hasta ahora. La exposición irá acompañada de la edición de un catálogo homónimo, con ensayos de Thomas Beard, Eugeni Bonet, Nicole Brenez, Víctor Erice, Carlos Muguiro y Manuel Palacio entre otros; así como del volumen independiente José Val del Omar: Escritos de técnica, poética y mística, que recoge una amplia selección de textos del propio Val del Omar, con edición y notas a cargo de Javier Ortiz-Echagüe, y un ensayo introductorio de Santos Zunzunegui.

Aguaespejo granadino (1953-55)

La exposición, que estará en el centro granadino hasta el 4 de Julio, llegará al MNCARS a mediados de Septiembre, con contenidos ampliados, hasta Febrero de 2011. El arranque de la expo en el Reina Sofía coincidirá (si nada se tuerce) con el lanzamiento, por parte de Cameo, de un pack de varios DVDs con la obra principal de Val del Omar, extras e inéditos, la película de Eugeni Bonet Tira tu reloj al agua, realizada a partir del material y notas dejado por VdO, así como la tesis audiovisual de Javier Viver.

Granada 1968/1974 (1968 y 1974, inconclusa)

LEM: 3 Remakes Inéditos + 1 - Antoni Pinent

Este próximo jueves 29, en La Enana Marrón a las 21:30 (como siempre), un programa dedicado a la obra más reciente del cineasta y comisario de cine Antoni Pinent, incluyendo su galardonada Film Quartet/Polyframe (2006-2008), que ha sido proyectada recientemente en el BAFICI y en los Rencontres. Pinent estará presente para introducir y posteriormente comentar las películas.

- Film Quartet/Polyframe (Antoni Pinent, 2006-2008. España, 9min, 35 mm.)
Pequeña bomba artesanal metacinematográfica que atenta contra el concepto del fotograma como partícula mínima de tiempo [cinematográfico], dinamitándolo en 4 fragmentos. Destrucción (léase deconstrucción) de la tradicional teoría del montaje métrico de Peter Kubelka y la esencia de los entres de los fotogramas, todo ello con el propósito de dar paso a un nuevo capítulo cinematográfico, todavía por evolucionar.
También se propone con esta pieza subir un peldaño más en el subgénero del found footage film o material reciclado, donde para ésta se apropia –aparte de Hollywood (Cantando bajo la lluvia, [Singin’in the rain, Stanley Donen y Gene Kelly, 1952], Pink Panther, Buster Keaton, etc.)- de material del período de las primeras vanguardias (Un perro andaluz, [Un chien andalou, Luis Buñuel y Salvador Dalí, 1929]) y del experimental americano (Wavelength, Michael Snow, 1966-1967). Manteniendo así una ecología de la imagen-sonido a la vez que analiza la propia historia del cine, con algún toque de humor.
El artefacto explosivo está inscrito en pentagramas musicales, a modo de notación cinematográfica, para que se pueda interpretar y desarrollar más allá de su proyección, estallando-destruyendo-construyendo en demás lugares cinematográficamente estancos.

Pieza que conmemora el 50 aniversario de A Movie (1958) de Bruce Conner (1933-2008).

Film Quartet/Polyframe (Antoni Pinent, 2006-2008)

- 2∞1: A Space Cut (Antoni Pinent, 2005-2007. España, 8min, súper 8. Proyección en vídeo)
- 2∞1: A Space Cut (Antoni Pinent, 2009-2010. España, 40min, 35mm)
El concepto de infinito en esta obra-ensayo está contemplado como la unión entre corte y corte, considerando que la infinidad de elementos y azares que hay entre plano y plano es inabarcable. Un plano contiene un tiempo delimitado así como un espacio definido de acción y campo, mientras que la intersección es algo que se nos escapa por su gran magnitud, algo que no queda delimitado. Otro punto, y no menos relevante, es que hay que recordar que esta película contiene la elipsis más grande de la historia del cine, 4 millones de años, resuelto por corte: de un hueso en caída libre saltamos a una nave espacial. Un corte que ha marcado un punto de inflexión en la historia del cine y sobre todo de la elipsis.

- Kinosturm Kubelka/16 variaciones (Antoni Pinent, 2009. España. 2min, 35 mm.)
El origen de esta obra parte del film métrico clásico Arnulf Rainer (Peter Kubelka, 1958-60, Austria, 6’24” [9.216 fotogramas], b/n, sonora, 35 mm). En el que se aplica la técnica del film quartet, es decir considerar como partícula mínima de tiempo-físico la perforación, una cuarta parte del fotograma de 35mm (cada 24 fotogramas forma un segundo de tiempo).
Pasamos de 9.216 fotogramas (384” = 6’24”) del original a 2.304 fotogramas (96” = 1’36”) en la nueva versión.Toda la película previamente está transferida a partitura, que es la base para la notación cinematográfica vinculada con esta técnica.La película, con la colaboración del azar, contiene en sí misma 16 variaciones o 16 maneras distintas de ser proyectada, con lo cual serían 16 versiones distintas de la misma.

Werner Schroeter, 1945 - 2010

LEM: Productos ibéricos inauditos

La programación de Abril de La Enana Marrón continúa con un ciclo dedicado a producciones españolas de ficción y documental de los últimos años. Una excelente oportunidad de disfrutar de un cine poco visto y dialogar con sus autores.

Programa I (25 de Abril, 20:30)
- Bolboreta, mariposa, papallona (Pablo García, España, 2007, Ficción, 35mm, 87 min.)
Un viaje. Una cámara de cartón y una película de amor inacabada. En su obsesión por atrapar el tiempo, el amor y la belleza, Víctor no llegó nunca a finalizar su ambicioso proyecto. Ahora, unos niños y niñas, desde su mirada infantil y abierta, tratan de conseguir con aquel material filmado lo que la ambición del director adulto no pudo lograr: atrapar la vida.
Charla-coloquio con David Bendito el 8 de abril.

Programa II (15 de Abril, 21:30 y 2 de Mayo, 20:30)
- El barrio de las islas (Daniel García-Pablos, España, 2006, Documental, video, 90 min.)
La llegada del equipo de rodaje de una película de ficción a un barrio de la periferia de Madrid se convierte en el centro de la vida de los vecinos durante tres meses de intensa convivencia. Payos y gitanos de todas las edades dan personalidad a un lugar con descampados, chabolas y casas ocupadas ilegalmente, abocado a una profunda transformación por el avance de la casa.

El barrio de las islas (Daniel García-Pablos, 2007)

Programa III (16 de Abril y 1 de Mayo, 21:30)
- La eternidad (Jean Castejón Gilabert, España, 2009, Ficción experimental, video, 92 min.)
El emblemático Valle de los Caídos, cuyos obreros fueron presos republicanos, es hoy en día un monumento de Patrimonio Nacional. Pero poco a poco, al igual que todas las grandes edificaciones seculares, se aleja de su propio significado, de los españoles, de su historia y se confunde en ella para entrar en el círculo del tiempo. En este circulo más amplio, el mausoleo, construido para atravesar los siglos, aparece como un árbol, una montaña o esa nube que intentamos no perder de vista desde la ventana del coche.
Charla-coloquio con Jean Castejon el 16 de abril.

Programa IV (17 de Abril, 21:30)
- El brau blau (Daniel Villamediana, España, 2008, Ficción, video, 63 min.)
Un joven procedente del mundo de los toros vive aislado en el campo tratando de dar forma a su obsesión: el toreo interior, toreo sin toro. Un camino espiritual basado únicamente en la técnica como fin en sí mismo. Para ello, tras un periodo de formación y entrenamiento, comenzará a construir un espacio propio donde llevar a cabo su gran obra.
Charla-coloquio con Daniel Villamediana el 17 de abril.

El brau blau (Daniel Villamediana, 2008)

Programa V (18 de Abril, 20:30 y 30 de Abril, 21:30)
- En el camino de Esmirna (Pere Albero, 2004-2008, Documental, video, 73 min.)
Al realizar mi documental anterior (Una mirada sobre el prado que llora) por tierras de Macedonia todas las personas con las que conversé tenían algún familiar llegado desde Asia Menor. ¡Aquella tierra había sido abandonada, de golpe, por más de un millón de personas! En el Mediterráneo Oriental se ponía fin a unas formas de vida que se habían desarrollado durante siglos. ¿Pero qué sucedía cuando desaparecían las personas que daban vida a una civilización? Este documental es un viaje al encuentro de unos rastros que se difuminan sobre un paisaje donde el Hombre aprendió a hablar sobre armonía.
Charla-coloquio con Pere Albero el 18 de abril.

Programa VI (24 de Abril, 21:30)
- El Somni (Cristophe Farnarier, España, 2008, Documental, video, 77 min.)
Desde la noche de los tiempos, un hombre camina delante de su rebaño al ritmo de las estaciones. El pastor trashumante pertenece a nuestro imaginario colectivo. Joan “Pipa” es uno de los últimos representantes de una tradición milenaria. Lo acompañamos en su último viaje trashumante hacia los Pirineos catalanes. Día tras día compartimos con él su intimidad, descubrimos el pasado y el presente de un hombre que ama su oficio y que respira la alegría de convivir libremente con la naturaleza. Pero el abandono de la tierra, la industrialización y el crecimiento desenfrenados, la fiebre urbanística, la multiplicación de nuevas infraestructuras y ahora el cambio climático ponen fin al sueño y nos conducen a un futuro incierto. ¿La desaparición de la trashumancia es signo de progreso, o muerte de nuestra civilización?