En el último programa de "Soy cámara", Pioneras del cine: Al margen de la industria, Marta Sureda Costa e Ingrid Guardiola (creadoras del proyecto La dimensió poc coneguda. Pioneres del cinema) nos proponen "una mirada al inconsciente colectivo femenino" a través de la nunca suficientemente conocida obra de Alice Guy, Germaine Dulac, Lois Weber, Maya Deren, Marie Menken, Gunvor Nelson, Abigail Child... entre muchas otras. Una breve, necesariamente fragmentaria pero intensa mirada, que esperamos se extienda en nuevos capítulos.
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lunes, junio 30, 2014
Sonidos en diáspora. El cine del Black Audio Film Collective
Durante la primera mitad del mes de julio, el Museo Reina Sofia nos presenta una retrospectiva de la obra apenas vista en España del Black Audio Film Collective. Fundado por John Akomfrah, Reece Auguiste, Lina Gopaul, Trevor Mathison, David Lawson, Edward George y Claire Joseph, este colectivo interdisciplinar formado por perfiles tan dispares como cineastas, artistas sonoros o sociólogos e influenciados por el teórico cultural Stuart Hall, utilizan el cine como medio de lucha para replantear las posiciones de la sociedad negra, los inmigrantes y la colonización en la Inglaterra thatcheriana de primeros de los 80.
2 julio 2014, 19h
Sesión 1. Expeditions
- Signs of Empire (Color, sonido, 20’50’’, 1982-84)
- Images of Nationality (Color, sonido, 22’44’’, 1982-84)
Ambos proyectos fílmicos constituyen Expeditions, trabajo inaugural del Black Audio Film Collective pensado en dos partes. Expeditions participa de un deliberado hermetismo así como del uso de la alegoría de las prácticas artísticas de comienzos de la década de 1980. Tanto Signs of Empire como Images of Nationality incluyen aspectos habituales en las obras del colectivo: la dimensión sonora de la imagen, la remezcla audiovisual del archivo y la presencia del texto como escritura colectiva. Signs of Empire parte de Roland Barthes y su Empire of Signs, con la pretensión de mostrar los signos históricos del colonialismo, mientras que Images of Nationality plantea la continuidad del mito de la nación.
3 julio 2014, 19h
Sesión 2.
- Handsworth Songs (Color, sonido, 60’, 1986)
A comienzos de 1985 se suceden en Handsworth (Birmingham) y Brixton (Londres) una serie de protestas raciales y laborales que culminan con la muerte de una anciana negra y de un policía blanco. La película une los disturbios civiles a una historia múltiple de la desposesión cuyas raíces se adentran en las contradicciones del pasado colonial, conectando con la crisis económica e industrial de esos años. Usando la tradición del documental reformista británico (John Grierson, Humphrey Jennings o Basil Wright) junto al archivo de la presencia (y ausencia) negra en el Reino Unido, Handsworth Songs concluye en que cualquier sentido ha de buscarse fuera del reportaje informativo. Las canciones del título no hacen referencia a la musicalidad de la película, sino que invocan a una idea actualizada de documental, concebido como montaje poético de asociaciones.
9 julio 2014, 19h
Sesión 3.
- Twilight City (Color, sonido, 52’, 1989)
Ensayo documental en forma epistolar que narra la historia de una joven que, desde Londres, escribe a su madre en la isla de Dominica. En sus cartas cuenta los cambios que sufre la ciudad durante la remodelación de los Docklands. La película intercala este paisaje social y psíquico de la ciudad como un espacio simbólico en el que la transformación de la faz urbana por la afluencia financiera confluye con las esperanzas y decepciones tras la diáspora africana. Este espacio íntimo, con ecos del News from home de Chantal Akerman, es intercalado con los debates en la esfera pública, en los que sociólogos, activistas e historiadores dibujan un nuevo territorio urbano mapeado por los límites raciales y culturales. Un lugar con gente existiendo en proximidad, pero viviendo en diferentes mundos, comenta Paul Gilroy.
Twilight City (1989)
10 julio 2014, 19h
Sesión 4.
- Who Needs a Heart (Color, sonido, 78’, 1991)
Producida por Channel Four, esta película explora la historia del Black Power británico a través de la figura borrosa de Michael Abdul Malik, el anti-héroe contracultural y activista central del movimiento. Sin embargo, la narración mantiene la distancia con esta figura histórica, trazando su biografía a través de documentos de radio y televisión complementados con las vidas otros de otros participantes en el movimiento. El sonido de Trevor Mathison está concebido para producir un deliberado extrañamiento ante la imagen. Who Needs a Heart propone una narración en fragmentos, con flashbacks y saltos adelante, incorporando la ficción como un teatro de cámara poscolonial, en palabras de Kobena Mercer, apoyándose en la música, la calle y el arte para reclamar una genealogía de la negritud.
Who Needs a Heart (1991)
16 julio 2014, 19h
Sesión 5.
- The Last Angel of History (Color, sonido, 45’, 1995)
Situado entre la teoría crítica y la ciencia-ficción, el Data-Thief, un trasunto del ángel de la historia de Walter Benjamin interpretado por Edward George (miembro del colectivo), viaja al pasado para ensamblar los fragmentos de información que le permitan descifrar el futuro. La presencia del viaje cósmico y de la iconografía del alien en la música de Sun Ra, Lee Perry o George Clinton es interpretada como una metáfora de la diáspora y de la alteridad del sujeto negro en la sociedad blanca. El free-jazz o la electrónica negra imaginan así un futuro inevitablemente condenado a ser pasado.
The Last Angel of History (1995)
2 julio 2014, 19h
Sesión 1. Expeditions
- Signs of Empire (Color, sonido, 20’50’’, 1982-84)
- Images of Nationality (Color, sonido, 22’44’’, 1982-84)
Ambos proyectos fílmicos constituyen Expeditions, trabajo inaugural del Black Audio Film Collective pensado en dos partes. Expeditions participa de un deliberado hermetismo así como del uso de la alegoría de las prácticas artísticas de comienzos de la década de 1980. Tanto Signs of Empire como Images of Nationality incluyen aspectos habituales en las obras del colectivo: la dimensión sonora de la imagen, la remezcla audiovisual del archivo y la presencia del texto como escritura colectiva. Signs of Empire parte de Roland Barthes y su Empire of Signs, con la pretensión de mostrar los signos históricos del colonialismo, mientras que Images of Nationality plantea la continuidad del mito de la nación.
Signs of Empire (1982)
3 julio 2014, 19h
Sesión 2.
- Handsworth Songs (Color, sonido, 60’, 1986)
A comienzos de 1985 se suceden en Handsworth (Birmingham) y Brixton (Londres) una serie de protestas raciales y laborales que culminan con la muerte de una anciana negra y de un policía blanco. La película une los disturbios civiles a una historia múltiple de la desposesión cuyas raíces se adentran en las contradicciones del pasado colonial, conectando con la crisis económica e industrial de esos años. Usando la tradición del documental reformista británico (John Grierson, Humphrey Jennings o Basil Wright) junto al archivo de la presencia (y ausencia) negra en el Reino Unido, Handsworth Songs concluye en que cualquier sentido ha de buscarse fuera del reportaje informativo. Las canciones del título no hacen referencia a la musicalidad de la película, sino que invocan a una idea actualizada de documental, concebido como montaje poético de asociaciones.
Handsworth Songs (1986)
9 julio 2014, 19h
Sesión 3.
- Twilight City (Color, sonido, 52’, 1989)
Ensayo documental en forma epistolar que narra la historia de una joven que, desde Londres, escribe a su madre en la isla de Dominica. En sus cartas cuenta los cambios que sufre la ciudad durante la remodelación de los Docklands. La película intercala este paisaje social y psíquico de la ciudad como un espacio simbólico en el que la transformación de la faz urbana por la afluencia financiera confluye con las esperanzas y decepciones tras la diáspora africana. Este espacio íntimo, con ecos del News from home de Chantal Akerman, es intercalado con los debates en la esfera pública, en los que sociólogos, activistas e historiadores dibujan un nuevo territorio urbano mapeado por los límites raciales y culturales. Un lugar con gente existiendo en proximidad, pero viviendo en diferentes mundos, comenta Paul Gilroy.
Twilight City (1989)10 julio 2014, 19h
Sesión 4.
- Who Needs a Heart (Color, sonido, 78’, 1991)
Producida por Channel Four, esta película explora la historia del Black Power británico a través de la figura borrosa de Michael Abdul Malik, el anti-héroe contracultural y activista central del movimiento. Sin embargo, la narración mantiene la distancia con esta figura histórica, trazando su biografía a través de documentos de radio y televisión complementados con las vidas otros de otros participantes en el movimiento. El sonido de Trevor Mathison está concebido para producir un deliberado extrañamiento ante la imagen. Who Needs a Heart propone una narración en fragmentos, con flashbacks y saltos adelante, incorporando la ficción como un teatro de cámara poscolonial, en palabras de Kobena Mercer, apoyándose en la música, la calle y el arte para reclamar una genealogía de la negritud.
Who Needs a Heart (1991)16 julio 2014, 19h
Sesión 5.
- The Last Angel of History (Color, sonido, 45’, 1995)
Situado entre la teoría crítica y la ciencia-ficción, el Data-Thief, un trasunto del ángel de la historia de Walter Benjamin interpretado por Edward George (miembro del colectivo), viaja al pasado para ensamblar los fragmentos de información que le permitan descifrar el futuro. La presencia del viaje cósmico y de la iconografía del alien en la música de Sun Ra, Lee Perry o George Clinton es interpretada como una metáfora de la diáspora y de la alteridad del sujeto negro en la sociedad blanca. El free-jazz o la electrónica negra imaginan así un futuro inevitablemente condenado a ser pasado.
The Last Angel of History (1995)martes, febrero 04, 2014
CA2M: El cine revelado
El Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles) inaugura el próximo domingo 9, 18:30h, el ciclo "El cine revelado", que comisariado por el equipo de Playtime Audivisuales con la colaboración de Abraham Rivera, nos ofrece un acercamiento al cine desde el punto de vista de otras artes y prácticas performativas. Como resume programa a través de la cita de Hollis Frampton, «Emancipado de la foto-impresión y disociado de su aparato técnico, el cine transciende su historia y se abre a otros campos».
El programa se inicia con una doble sesión a cargo de Javi Álvarez y Esperanza Collado, quien estrenará su nueva performance.
Recién velado (merienda escénica), de Javi Álvarez
Una charla interactiva donde de forma lúdica el polifacético Javi Álvarez hablará sobre procesos de experimentación del audiovisual partiendo del uso de tecnologías sencillas, dispositivos obsoletos, ingeniería doméstica, circuit bending y detrito digital en general. Javi Álvarez investiga en torno a los procesos low fi y el «amateurismo» como estrategia crítica a los usos estandarizados de las nuevas tecnologías en el audiovisual contemporáneo. «Esto va de transformar algo viejo en algo nuevo y buscar lo desconocido entre lo conocido».
Ensayos de la evaporación (We only guarantee the dinosaurs), de Esperanza Collado
Partiendo de las posibilidades escultóricas de la materialidad del cine, se plantean tres líneas de trabajo correlacionadas: la manipulación directa que ofrece la fisicidad del celuloide, la indagación de nuevos modelos de presentación del material fílmico y su resonancia en el espacio, y la articulación de la presencia del cuerpo en la experiencia cinemática. La pieza se sitúa entre la performance y la instalación, en donde un conjunto de piezas fílmicas de naturaleza efímera se combinan con la puesta en escena de acciones concretas que complementan las proyecciones. El conjunto explora el fenómeno de la proyección luminosa en tanto que formación volumétrica y gaseosa, mientras el cine es descarrilado y objeto de pespunte. Entre medias, ambos artistas ofrecerán una obra de continuidad al alimón para deleite del público asistente. También merendaremos.
Imágenes de Ensayos de la evaporación (Esperanza Collado, 2013)
El programa se inicia con una doble sesión a cargo de Javi Álvarez y Esperanza Collado, quien estrenará su nueva performance.
Recién velado (merienda escénica), de Javi Álvarez
Una charla interactiva donde de forma lúdica el polifacético Javi Álvarez hablará sobre procesos de experimentación del audiovisual partiendo del uso de tecnologías sencillas, dispositivos obsoletos, ingeniería doméstica, circuit bending y detrito digital en general. Javi Álvarez investiga en torno a los procesos low fi y el «amateurismo» como estrategia crítica a los usos estandarizados de las nuevas tecnologías en el audiovisual contemporáneo. «Esto va de transformar algo viejo en algo nuevo y buscar lo desconocido entre lo conocido».
Ensayos de la evaporación (We only guarantee the dinosaurs), de Esperanza Collado
Partiendo de las posibilidades escultóricas de la materialidad del cine, se plantean tres líneas de trabajo correlacionadas: la manipulación directa que ofrece la fisicidad del celuloide, la indagación de nuevos modelos de presentación del material fílmico y su resonancia en el espacio, y la articulación de la presencia del cuerpo en la experiencia cinemática. La pieza se sitúa entre la performance y la instalación, en donde un conjunto de piezas fílmicas de naturaleza efímera se combinan con la puesta en escena de acciones concretas que complementan las proyecciones. El conjunto explora el fenómeno de la proyección luminosa en tanto que formación volumétrica y gaseosa, mientras el cine es descarrilado y objeto de pespunte. Entre medias, ambos artistas ofrecerán una obra de continuidad al alimón para deleite del público asistente. También merendaremos.
Imágenes de Ensayos de la evaporación (Esperanza Collado, 2013)
miércoles, enero 22, 2014
Xcèntric: Selecciones de enero-marzo 2014
La decimotercera temporada de la veterana Xcèntric lleva ya unas semanas iniciada, pero me gustaría llamar la atención sobre una serie de programas que hacen a esta edición más que destacable (ojo, sin desmerecer al resto).
- Este próximo jueves 23 de enero, a las 20h se proyecta Charmed particles, de Andrew Noren, cuarto largometraje de su serie The Adventures of the Exquisite Corpse. La obra de Noren es, por desgracia, escasamente mostrada, quizás aún más desde que esta fuese adquirida por el MoMA. Se pueden contar con los dedos de las manos las proyecciones de los últimos años, por lo que esta es una ocasión más que memorable.
- El 6 de febrero, 'Una cámara propia' presentará la obra de la veterana y nunca suficientemente valorada Ute Aurand. Centrado en una selección de sus últimas películas (aunque su filmografía daría para varias sesiones, sin bajar en ningún momento la calidad), el programa pondrá en juego a la cineasta berlinesa con las influencias de Margaret Tait y Marie Menken. De esta última se proyectará la inacabada rareza The Gravediggers of Guadix (1961). La proyección contará con la presencia de Ute.
- En tercer lugar, el explosivo programa del 6 de marzo, 'Descargas escópicas', unirá en una sola sesión el clásico Epileptic Seizure Comparison (1976) de Paul Sharits y Full Moon Darkness (1985), primer largometraje del cinealquimista y fotógrafo Carl E. Brown. Sobre Sharits poco hay más que añadir, y sobre mi admirado Brown, mejor lo dejo en boca de Hoolboom:
Charmed Particles (Andrew Noren, 1978)
- Este próximo jueves 23 de enero, a las 20h se proyecta Charmed particles, de Andrew Noren, cuarto largometraje de su serie The Adventures of the Exquisite Corpse. La obra de Noren es, por desgracia, escasamente mostrada, quizás aún más desde que esta fuese adquirida por el MoMA. Se pueden contar con los dedos de las manos las proyecciones de los últimos años, por lo que esta es una ocasión más que memorable.
"Si uno piensa en la cámara de cine como un instrumento con el que un cineasta puede componer e interpretar música visual, Noren bien pudiera ser el más consumado maestro de la música visual que tengamos." - Scott McDonald
Paulina (Ute Aurand, 2011)
- El 6 de febrero, 'Una cámara propia' presentará la obra de la veterana y nunca suficientemente valorada Ute Aurand. Centrado en una selección de sus últimas películas (aunque su filmografía daría para varias sesiones, sin bajar en ningún momento la calidad), el programa pondrá en juego a la cineasta berlinesa con las influencias de Margaret Tait y Marie Menken. De esta última se proyectará la inacabada rareza The Gravediggers of Guadix (1961). La proyección contará con la presencia de Ute.
Fragment of a filmmaker's work: Ute Aurand and Margaret Tait, Entrevista con Federico Rossin.
Full Moon Darkness (1985)
- En tercer lugar, el explosivo programa del 6 de marzo, 'Descargas escópicas', unirá en una sola sesión el clásico Epileptic Seizure Comparison (1976) de Paul Sharits y Full Moon Darkness (1985), primer largometraje del cinealquimista y fotógrafo Carl E. Brown. Sobre Sharits poco hay más que añadir, y sobre mi admirado Brown, mejor lo dejo en boca de Hoolboom:
Painting the Light Fantastic: Carl Brown, por Mike Hoolboom
martes, enero 21, 2014
Visiones Contemporáneas: Albert Alcoz
"Visiones Contemporáneas" es el nombre del proyecto que los chicos de Playtime Audiovisuales llevan a cabo en colaboración con el DA2 de Salamanca, con el objetivo de presentar las últimas tendencias del cine y vídeo nacional. En su cuarta entrega, desde el 24 de enero y hasta el 4 de mayo, VC dedica su espacio a la obra del cineasta, investigador y veterano bloguero Albert Alcoz. La exposición VC#004 presentará cinco de sus últimas obras, que proponen una reflexión "sobre la naturaleza de la imagen en movimiento, planteando rupturas narrativas que remarcan reiteradamente el carácter plástico y matérico de los diferentes soportes audiovisuales utilizados".
Programa:
- Preludio (Color, sonido. Súper 8. 2011. 3’)
Documentación de un edificio emblemático de la ciudad de Barcelona. El Pabellón alemán proyectado por Mies van der Rohe en 1929, es el objeto de estudio de esta pieza rodada en formato subestándar. Cambiando las velocidades de filmación y variando la obertura del diafragma el filme introduce un elemento externo delante del objetivo que hace fluir los elementos estructurales de la construcción arquitectónica.
- Weird War (Blanco y negro y color, sonido, Súper 8. 2011, 9’)
Película de found footage que recupera un documental en súper 8 de la Segunda Guerra Mundial. Utilizando técnicas del cine sin cámara el filme muestra explosiones en el cielo al revés, soldados heridos y borrados, perforaciones sobre el celuloide e imágenes abstractas pintadas. La banda sonora está construida a partir de una voz en off distorsionada, música transformada en ruidos incómodos y sonidos de aviones despegando. Todo ello conforma el sinsentido de la guerra.
- Definición (Blanco y negro, sin sonido, 16 mm. 2013, 3’)
Un acercamiento al paisaje urbano desde un punto de vista inusual. Aprovechando las opciones mecánicas del medio, se representan un conjunto de planos del barrio de Williamsburg en Brooklyn que transforman el enfoque, el equilibrio, la profundidad de campo y la definición tanto de la imagen como del entorno.
- B.S. A.S a 24 FPS (Blanco y negro, sin sonido, Súper 8. 2013, 3’)
Una documentación de la ciudad de Buenos Aires (Argentina) a 24 fotogramas por segundo. Filmando fotograma a fotograma o mediante ráfagas veloces de fotogramas, esta breve pieza de experimentación formal registra escenarios emblemáticos de la ciudad, sus barrios, sus colectivos y su gente desde un punto de vista cinemático inevitablemente acelerado.
- Time To Search (Color, sonido, Vídeo HD. 2013, 27’)
Documentación de un proceso de búsqueda realizado en la ciudad de Nueva York. Partiendo de un suceso concreto emitido en un medio televisivo local, el vídeo indaga sobre la naturaleza de la imagen digital como herramienta útil para la observación y la representación, tanto de la gente como del entorno urbano.
El programa de la muestra está disponible a través de este enlace.
Preludio (Albert Alcoz, 2011)
- Preludio (Color, sonido. Súper 8. 2011. 3’)
Documentación de un edificio emblemático de la ciudad de Barcelona. El Pabellón alemán proyectado por Mies van der Rohe en 1929, es el objeto de estudio de esta pieza rodada en formato subestándar. Cambiando las velocidades de filmación y variando la obertura del diafragma el filme introduce un elemento externo delante del objetivo que hace fluir los elementos estructurales de la construcción arquitectónica.
Weird War (Albert Alcoz, 2011)
- Weird War (Blanco y negro y color, sonido, Súper 8. 2011, 9’)
Película de found footage que recupera un documental en súper 8 de la Segunda Guerra Mundial. Utilizando técnicas del cine sin cámara el filme muestra explosiones en el cielo al revés, soldados heridos y borrados, perforaciones sobre el celuloide e imágenes abstractas pintadas. La banda sonora está construida a partir de una voz en off distorsionada, música transformada en ruidos incómodos y sonidos de aviones despegando. Todo ello conforma el sinsentido de la guerra.
- Definición (Blanco y negro, sin sonido, 16 mm. 2013, 3’)
Un acercamiento al paisaje urbano desde un punto de vista inusual. Aprovechando las opciones mecánicas del medio, se representan un conjunto de planos del barrio de Williamsburg en Brooklyn que transforman el enfoque, el equilibrio, la profundidad de campo y la definición tanto de la imagen como del entorno.
B.S. A.S a 24 FPS (Albert Alcoz, 2013)
- B.S. A.S a 24 FPS (Blanco y negro, sin sonido, Súper 8. 2013, 3’)
Una documentación de la ciudad de Buenos Aires (Argentina) a 24 fotogramas por segundo. Filmando fotograma a fotograma o mediante ráfagas veloces de fotogramas, esta breve pieza de experimentación formal registra escenarios emblemáticos de la ciudad, sus barrios, sus colectivos y su gente desde un punto de vista cinemático inevitablemente acelerado.
- Time To Search (Color, sonido, Vídeo HD. 2013, 27’)
Documentación de un proceso de búsqueda realizado en la ciudad de Nueva York. Partiendo de un suceso concreto emitido en un medio televisivo local, el vídeo indaga sobre la naturaleza de la imagen digital como herramienta útil para la observación y la representación, tanto de la gente como del entorno urbano.
Time To Search (Albert Alcoz, 2013)
El programa de la muestra está disponible a través de este enlace.
domingo, octubre 06, 2013
100% cinema
El próximo 8 de octubre se inicia en La Casa Encendida el ciclo '100% Cinema', actividad paralela a su exposición "Frederick Kiesler: El escenario explota", que durante todos los martes de octubre y noviembre explorará la relación de Kiesler con el cine,a través de sus diversas facetas como programador, director, actor o arquitecto. En el ecléctico ciclo comisariado por Gonzalo de Pedro y Miguel Fernández Labayen se podrán ver desde clásicas piezas de la vanguardia europea de los años 20, obras esenciales de Peter Kubelka y Stan Brakhage, documentales sobre arquitectura de Heinz Emigholz o Thom Andersen, o la singular obra maestra de Michael Snow, La région centrale (1971). El ciclo finalizará una performance del cineasta y también arquitecto Bruce McClure, creada ex-profeso para esta ocasión, quien impartirá además a finales de noviembre un taller sobre cine expandido.
Martes 8 de octubre, 22h
Homenaje a Kiesler programador de cine
Esta sesión es un homenaje al papel de programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos.
En 1975, Lillian Kiesler, viuda de Frederick, encontró en su casa de campo una serie de latas con películas de Vikking Eggeling, Hans Richter, Walter Ruttmann y la copia original de Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Con la ayuda de Jonas Mekas y del Anthology Film Archives, se pudieron restaurar y volver a proyectar. Esta sesión es un homenaje al papel como programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos. Cierra el pase Witch's cradle, película filmada por Maya Deren en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim, diseñada por Frederick Kiesler.
- Der Sieger, de Walter Ruttmann. Alemania, 1922. 5´.
- Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Francia, 1924. 16´.
- One A.M., de Charles Chaplin. EE.UU., 1916. 21´.
- The fall of the House of Usher, de James Sibley Watson y Melville Webber. EE.UU., 1928. 13´.
- Witch's cradle, de Maya Deren. EE.UU., 1943. 12´.
La sesión tendrá lugar en el Patio con copias en 16 mm y música en directo de Abel Hernández (El Hijo).
Martes 15 de octubre, 20h
Dreams that money can buy
Ambiciosa película episódica que cuenta con el mejor reparto que un vanguardista podría soñar: Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray, Alexander Calder, Darius Milhaud y Férnand Léger.
- Dreams that money can buy (Sueños que el dinero puede comprar), de Hans Richter. EE.UU., 1947. 99´. 16 mm. VOSE
Una serie de secuencias oníricas sirven como despliegue plástico de algunos de los mejores artistas del siglo XX, que mezclan las atmósferas oníricas con pasajes propios del cine negro o el fantástico.
Producida por Art of This Century Corporation, de Peggy Guggenheim.
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements (Hans Richter y Jean Cocteau, 1957)
Martes 22 de octubre, 20h
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau
Descrita por el propio Richter como "parte Freud, parte Lewis Carroll", la película es una exploración de los misterios del subconsciente aplicado a la creación basándose en el juego del ajedrez.
- 8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau. EE. UU., 1957. 80´. 16 mm VOSE.
Profundamente involucrado en los movimientos de vanguardia, y con evidente sentido lúdico, Frederick Kiesler se prestó a participar como actor en la película de Cocteau y Richter junto a nombres prominentes del arte del momento como Yves Tanguy, Marcel Duchamp, Max Ernst o Alexander Calder.
Martes 29 de octubre, 20h
Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz y Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine
Una película sobre dos proyectos emblemáticos de Kiesler y otra sobre un edificio de uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas.
Continuando con su serie Fotografía y más allá, H. Emigholz trata de entender, a través de las imágenes, el trabajo visionario de Kiesler. Para ello Emigholz filma dos de sus proyectos: la maqueta para la Casa sin fin, nunca construida, y el Santuario del libro, ubicado en el Museo de Israel, en Jerusalén. Espacios en proyecto y espacios reales que culminan en la película de Ila Béka y Louise Lemoine dedicada a uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas, realizada siguiendo el trabajo diario de la encargada de limpieza de un edificio diseñado por Koolhaas.
- Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz. Alemania, 2009. 16´. VOSE
- Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine. Francia, 2008. 60´. VOSE
Adebar (Peter Kubelka, 1957)
Martes 5 de noviembre, 20h
Minhocão, de Raphaël Grisey, y Reconversão, de Thom Andersen
¿Qué fue de las arquitecturas utópicas? ¿En qué se han convertido los espacios con los que la arquitectura soñó mejorar la vida del ser humano?
La película de Raphaël Grisey, Minhocão, recorre el Conjunto Habitacional Pedregulho, un complejo de viviendas sociales edificadas en 1946 en Rio de Janeiro y diseñadas por Affonso Eduardo Reidy. Mientras, Thom Andersen filma diecisiete edificios y proyectos de Eduardo Souto de Moura. Dos acercamientos cinematográficos a dos imposibles: el de la arquitectura como espacio de transformación social, y el del cine como vehículo para retratar el espacio arquitectónico.
- Minhocão, de Raphaël Grisey. Francia/Brasil, 2010. 31´. VOSE
- Reconversão, de Thom Andersen. Portugal, 2012. 65´. VOSE
Martes 12 de noviembre, 20h
Adebar y Arnulf Rainer, de Peter Kubelka, y Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage
En 1970, Peter Kubelka diseñó la sala Invisible Cinema del Anthology Film Archives, con unos patrones cercanos a las ideas de Kiesler, quien afirmaba que "el cine ideal es la casa del silencio".
En sus películas, Kubelka despliega sus teorías sobre el cine métrico, según las cuales el cine es una proyección de imágenes fijas, siendo el fotograma la unidad mínima de significado. Acompaña la sesión una de las películas más interesantes de Stan Brakhage, una demostración del poder emotivo de la música en el cine.
- Adebar, de Peter Kubelka. Austria, 1957. 2´. VOSE
- Arnulf Rainer, de Peter Kubelka. Austria, 1960. 7´. VOSE
- Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage. EE. UU.,1990. 49´. VOSE
Martes 19 de noviembre, 20h
La Région Centrale, de Michael Snow
Sin duda, una película que conecta, a su manera, las teorías de Kiesler sobre el espacio y su atención a los movimientos cinematográficos más avanzados.
- La Région Centrale, de Michael Snow. Canadá, 1971. 180´. VOSE
Michael Snow construyó para esta película un brazo retráctil con la intención de poder mover la cámara 360º y explorar el espacio. El resultado es una de las experiencias cinematográficas más radicales, que se ha convertido en una película de culto, raramente proyectada. En palabras de Snow, se trata de "la conversación de la materia en energía"
Martes 26 de noviembre, 21h
Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure
Las performances de McClure se han convertido en un acto brutal de energía cinematográfica. Un acontecimiento único.
- Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure.
Kiesler solía hablar del cine como de una máquina voladora óptica. Hoy en día, seguramente sea el arquitecto y cineasta Bruce McClure uno de los artistas que está investigando las posibilidades sónicas y lumínicas del cine de manera más radical.
Ballet Mécanique (Fernand Léger y Dudley Murphy, 1924)
Martes 8 de octubre, 22h
Homenaje a Kiesler programador de cine
Esta sesión es un homenaje al papel de programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos.
En 1975, Lillian Kiesler, viuda de Frederick, encontró en su casa de campo una serie de latas con películas de Vikking Eggeling, Hans Richter, Walter Ruttmann y la copia original de Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Con la ayuda de Jonas Mekas y del Anthology Film Archives, se pudieron restaurar y volver a proyectar. Esta sesión es un homenaje al papel como programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos. Cierra el pase Witch's cradle, película filmada por Maya Deren en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim, diseñada por Frederick Kiesler.
- Der Sieger, de Walter Ruttmann. Alemania, 1922. 5´.
- Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Francia, 1924. 16´.
- One A.M., de Charles Chaplin. EE.UU., 1916. 21´.
- The fall of the House of Usher, de James Sibley Watson y Melville Webber. EE.UU., 1928. 13´.
- Witch's cradle, de Maya Deren. EE.UU., 1943. 12´.
La sesión tendrá lugar en el Patio con copias en 16 mm y música en directo de Abel Hernández (El Hijo).
Martes 15 de octubre, 20h
Dreams that money can buy
Ambiciosa película episódica que cuenta con el mejor reparto que un vanguardista podría soñar: Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray, Alexander Calder, Darius Milhaud y Férnand Léger.
- Dreams that money can buy (Sueños que el dinero puede comprar), de Hans Richter. EE.UU., 1947. 99´. 16 mm. VOSE
Una serie de secuencias oníricas sirven como despliegue plástico de algunos de los mejores artistas del siglo XX, que mezclan las atmósferas oníricas con pasajes propios del cine negro o el fantástico.
Producida por Art of This Century Corporation, de Peggy Guggenheim.
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements (Hans Richter y Jean Cocteau, 1957)
Martes 22 de octubre, 20h
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau
Descrita por el propio Richter como "parte Freud, parte Lewis Carroll", la película es una exploración de los misterios del subconsciente aplicado a la creación basándose en el juego del ajedrez.
- 8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau. EE. UU., 1957. 80´. 16 mm VOSE.
Profundamente involucrado en los movimientos de vanguardia, y con evidente sentido lúdico, Frederick Kiesler se prestó a participar como actor en la película de Cocteau y Richter junto a nombres prominentes del arte del momento como Yves Tanguy, Marcel Duchamp, Max Ernst o Alexander Calder.
Martes 29 de octubre, 20h
Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz y Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine
Una película sobre dos proyectos emblemáticos de Kiesler y otra sobre un edificio de uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas.
Continuando con su serie Fotografía y más allá, H. Emigholz trata de entender, a través de las imágenes, el trabajo visionario de Kiesler. Para ello Emigholz filma dos de sus proyectos: la maqueta para la Casa sin fin, nunca construida, y el Santuario del libro, ubicado en el Museo de Israel, en Jerusalén. Espacios en proyecto y espacios reales que culminan en la película de Ila Béka y Louise Lemoine dedicada a uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas, realizada siguiendo el trabajo diario de la encargada de limpieza de un edificio diseñado por Koolhaas.
- Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz. Alemania, 2009. 16´. VOSE
- Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine. Francia, 2008. 60´. VOSE
Adebar (Peter Kubelka, 1957)Martes 5 de noviembre, 20h
Minhocão, de Raphaël Grisey, y Reconversão, de Thom Andersen
¿Qué fue de las arquitecturas utópicas? ¿En qué se han convertido los espacios con los que la arquitectura soñó mejorar la vida del ser humano?
La película de Raphaël Grisey, Minhocão, recorre el Conjunto Habitacional Pedregulho, un complejo de viviendas sociales edificadas en 1946 en Rio de Janeiro y diseñadas por Affonso Eduardo Reidy. Mientras, Thom Andersen filma diecisiete edificios y proyectos de Eduardo Souto de Moura. Dos acercamientos cinematográficos a dos imposibles: el de la arquitectura como espacio de transformación social, y el del cine como vehículo para retratar el espacio arquitectónico.
- Minhocão, de Raphaël Grisey. Francia/Brasil, 2010. 31´. VOSE
- Reconversão, de Thom Andersen. Portugal, 2012. 65´. VOSE
Martes 12 de noviembre, 20h
Adebar y Arnulf Rainer, de Peter Kubelka, y Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage
En 1970, Peter Kubelka diseñó la sala Invisible Cinema del Anthology Film Archives, con unos patrones cercanos a las ideas de Kiesler, quien afirmaba que "el cine ideal es la casa del silencio".
En sus películas, Kubelka despliega sus teorías sobre el cine métrico, según las cuales el cine es una proyección de imágenes fijas, siendo el fotograma la unidad mínima de significado. Acompaña la sesión una de las películas más interesantes de Stan Brakhage, una demostración del poder emotivo de la música en el cine.
- Adebar, de Peter Kubelka. Austria, 1957. 2´. VOSE
- Arnulf Rainer, de Peter Kubelka. Austria, 1960. 7´. VOSE
- Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage. EE. UU.,1990. 49´. VOSE
Michael Snow junto a la máquina construída para rodar La Région Centrale (1971)
Martes 19 de noviembre, 20h
La Région Centrale, de Michael Snow
Sin duda, una película que conecta, a su manera, las teorías de Kiesler sobre el espacio y su atención a los movimientos cinematográficos más avanzados.
- La Région Centrale, de Michael Snow. Canadá, 1971. 180´. VOSE
Michael Snow construyó para esta película un brazo retráctil con la intención de poder mover la cámara 360º y explorar el espacio. El resultado es una de las experiencias cinematográficas más radicales, que se ha convertido en una película de culto, raramente proyectada. En palabras de Snow, se trata de "la conversación de la materia en energía"
Martes 26 de noviembre, 21h
Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure
Las performances de McClure se han convertido en un acto brutal de energía cinematográfica. Un acontecimiento único.
- Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure.
Kiesler solía hablar del cine como de una máquina voladora óptica. Hoy en día, seguramente sea el arquitecto y cineasta Bruce McClure uno de los artistas que está investigando las posibilidades sónicas y lumínicas del cine de manera más radical.
lunes, septiembre 23, 2013
Luke Fowler. Sentido común
Del 27 de septiembre al 3 de noviembre se podrá visionar en La Casa Encendida la exposición "Luke Fowler. Sentido común". Comisariada por Andy Davies, en ella podremos ver tres de las últimas obras del cineasta escocés, tres retratos muy personales de figuras tan dispares como el historiador E.P.Thompson (The poor stockinger, the luddite cropper and the deluded followers of Joanna Southcott, 2012), el psiquiatra R.D.Laing (All Divided Selves, 2011) o el músico de vanguardia Cornelius Cardew (particular obsesión últimamente de Beatrice Gibson) (Pilgrimage From Scattered Points, 2006) y su Scratch Orchestra. En estos documentales tan poco al uso, Fowler mezcla metraje de archivo con filmaciones propias, aplicando a cada uno de ellos una particular concepción sonora.
Presentación de la exposición por Luke Fowler y Andy Davies el jueves 26 de septiembre, 19h.
The Poor Stockinger, the Luddite Cropper and the Deluded Followers of Joanna Southcott (Luke Fowler, 2012)
Presentación de la exposición por Luke Fowler y Andy Davies el jueves 26 de septiembre, 19h.
Pilgrimage From Scattered Points (Luke Fowler, 2012)
The Poor Stockinger, the Luddite Cropper and the Deluded Followers of Joanna Southcott (Luke Fowler, 2012)
jueves, junio 13, 2013
Angular
Sirva este pequeño post a modo de teaser. Los insignes Albert Alcoz y Alberto Cabrera Bernal se han echado al monte y lanzan lo que va a ser la primera editora de DVDs especializada en cine experimental y videocreación: Angular.. Se darán más detalles y se abrirá la convocatoria el mes que viene.
Actualización: Álbert Alcoz publica más detalles en su imprescindible blog Virionary Film.
jueves, marzo 07, 2013
Pere Portabella - Obra completa en DVD
Hablando de Intermedio, evidentemente reseñar la publicación este mes (¡por fin!) del pack con la obra completa de Pere Portabella. Un proyecto que ha pasado ya por varias manos y varios años de periplo, pero que verá finalmente la luz el próximo 27 de marzo en un pack de 7 DVDs en edición trilingue en castellano, inglés y francés. El pack permitrá acceder no sólo a las piezas esenciales de Portabella, sino además a toda su obra en cortometraje que ha sido escasamente difundida hasta ahora.
La obra de Pere Portabella (Figueras, 1927) se sitúa en la encrucijada entre vanguardia,cine y política. Próximo a la sensibilidad surrealista y al conceptualismo (productor de Viridiana de Luis Buñuel en 1962, entre sus colaboradores se cuentan Miró, Brossa y Carles Santos) firma desde finales de los sesenta una de las filmografías más singulares del cine español, alternada con su actividad política como parlamentario y senador. En sus películas, Portabella recurre a estrategias de extrañamiento y dislocación formal tanto para evadir la censura como para potenciar el alcance expresivo las obras, dando lugar a fascinantes simbolizaciones
Intermedio presenta la edición internacional castellano-inglés-francés de la obra completa de uno de los autores clave del cine español contemporáneo, inédito hasta la fecha en DVD.
Contenido:
DVD 1
- No Compteu Amb Els Dits ·1967. Color Y B/N. 26 Min.
- Nocturno 29. 1968. Color Y B/N. 83 Min.
- Lectura Brossa. 2003. Color. 38 Min.
DVD 2
- Vampir – Cuadecuc. 1970. B/N. 75 Min.
- Play Back. 1970. B/N. 8 Min.
- Acció Santos. 1973. Color. 12 Min.
DVD 3
- Umbracle. 1972. Color. 85 Min
- El Sopar. 1974. Color. 50 Min
- Poetes Catalans. 1970. B/N. 30 Min
DVD 4
- Aidez L’Espagne. 1969. B/N Y Color. 5 Min
- Miró L’Altre. 1969. B/N Y Color. 15 Min
- Miró La Forja. 1973. Color. 24 Min
- Miró Tapís. 1973. Color. 22 Min
- Premios Nacionales. 1969. Color. 4 Min
DVD 5
- Informe General Sobre Algunas Cuestiones De Interés Para Una Proyección Pública. 1976. Color. 173 Min
DVD 6
- Puente De Varsovia. 1989. Color. 85 Min
- La Tempesta. 2003. B/N. 6 Min
- No Al No. 2006. Color. 3 Min
- Plan Hidrológico. 2004. Color. 3 Min
DVD 7
- Die Stille Vor Bach. 2007. Color. 102 Min
- Mudanza. 2008. Color. 20 Min
- Uno De Aquéllos. 2010. Color. 3 Min
Duración total: 7 DVD: 869 min.— Tipo de DVD: DVD 5 x 7 — Formato: 1.33:1/ 4:3, 1.66:1 / 16:9 — Zona: 0 — Sonido: Mono 2.0 / Dolby Digital (AC3) — Idiomas: V.O. Castellano, catalán — Subtítulos: Castellano, inglés, francés — Menús: Castellano, inglés, francés
domingo, febrero 10, 2013
Nathaniel Dorsky Spanish Tour 2013
La semana que viene da comienzo el tour que llevará a Nathaniel Dorsky a recorrer tres ciudades españolas con sus últimas películas: Barcelona (CCCB), A Coruña (CGAI) y Madrid (La Casa Encendida y Filmoteca Española) serán las afortunadas. Como parte del programa itinerante Dorsky presentará en persona sus tres obras más recientes (The Return, August and After y April), el díptico que dedicara a su compañero de toda la vida, Hours for Jerome, así como la última obra de este, Words of mercury. El viaje se cierra en Madrid con una serie de tres programas en Filmoteca Española que presentará los grandes ciclos de Dorsky que pudimos ver en 2011. Una ocasión única para apreciar de nuevo su cine, y especialmente el de Jerome Hiler, ya que este se proyecta muy raramente y sólo en su presencia (a excepción de la única copia digital de Words of Mercury a razón de la última Whitney Biennial). En el contexto de dicho tour, el equipo de la revista Lumière realizarán la presentación de la edición en español del libro de Dorsky 'El cine de la devoción', con traducción de Miguel García. El libro puede adquirirse a través de la página web de Lumière y estará a la venta los días de su presentación (14 y 17 en Barcelona; 19 y 20 en A Coruña; 23,24 y 26 de febrero en Madrid).
14 de febrero, 20h
CCCB, Montalegre, 5, 08001 Barcelona
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Devotional Cinema I. Jerome Hiler y Nathaniel Dorsky
- Words of Mercury (Jerome Hiler, 2011, 16 mm, sin sonido, 25 min)
- Hours for Jerome Part I (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Hours for Jerome Part II (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 24 min)
17 de febrero, 18:30h
CCCB, Montalegre, 5, 08001 Barcelona
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Devotional Cinema II. Jerome Hiler y Nathaniel Dorsky
- The Return (Nathaniel Dorsky, 2011, 16 mm, sin sonido, 27 min)
- August and After (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- April (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 26 min)
19 de febrero, 20:30h
CGAI, Durán Loriga, 10 baixo. 15003 A Coruña
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Desencadres: Dorsky/Hiler
- Hours for Jerome Part I (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Words of Mercury (Jerome Hiler, 2011, 16 mm, sin sonido, 25 min)
- Hours for Jerome Part II (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 24 min)
20 de febrero, 20:30h
CGAI, Durán Loriga, 10 baixo. 15003 A Coruña
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Desencadres: Dorsky/Hiler
- The Return (Nathaniel Dorsky, 2011, 16 mm, sin sonido, 27 min)
- August and After (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- April (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 26 min)
23 de febrero, 20h
24 de febrero, 18h
La Casa Encendida, Ronda Valencia, 2 28012 Madrid
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Words of Mercury, de Jerome Hiler
- Words of Mercury (Jerome Hiler, 2011, 16 mm, sin sonido, 25 min)
- August and After (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- April (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 26 min)
26 de febrero, 20h
Filmoteca Española, Sala 2, Santa Isabel n.º 3, 28012 Madrid
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Nathaniel Dorsky I
- The Return (Nathaniel Dorsky, 2011, 16 mm, sin sonido, 27 min)
- Hours for Jerome Part I (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Hours for Jerome Part II (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 24 min)
27 de febrero, 20h
Filmoteca Española, Sala 2, Santa Isabel n.º 3, 28012 Madrid
Nathaniel Dorsky II
- Sarabande (Nathaniel Dorsky, 2008, 16 mm, sin sonido, 15 min)
- Compline (Nathaniel Dorsky, 2009, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- Aubade (Nathaniel Dorsky, 2010, 16 mm, sin sonido, 11 min)
- Winter (Nathaniel Dorsky, 2007, 16 mm, sin sonido, 19 min)
28 de febrero, 20h
Filmoteca Española, Sala 2, Santa Isabel n.º 3, 28012 Madrid
Nathaniel Dorsky III
- Song and Solitude (Nathaniel Dorsky, 2005-6, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Threnody (Nathaniel Dorsky, 2003-4, 16 mm, sin sonido, 20 min)
- The Visitation (Nathaniel Dorsky, 2002, 16 mm, sin sonido, 18 min)
August and After (Nathaniel Dorsky, 2012)
Words of Mercury (Jerome Hiler, 2011)
14 de febrero, 20h
CCCB, Montalegre, 5, 08001 Barcelona
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Devotional Cinema I. Jerome Hiler y Nathaniel Dorsky
- Words of Mercury (Jerome Hiler, 2011, 16 mm, sin sonido, 25 min)
- Hours for Jerome Part I (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Hours for Jerome Part II (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 24 min)
17 de febrero, 18:30h
CCCB, Montalegre, 5, 08001 Barcelona
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Devotional Cinema II. Jerome Hiler y Nathaniel Dorsky
- The Return (Nathaniel Dorsky, 2011, 16 mm, sin sonido, 27 min)
- August and After (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- April (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 26 min)
The Return (Nathaniel Dorsky, 2011)
19 de febrero, 20:30h
CGAI, Durán Loriga, 10 baixo. 15003 A Coruña
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Desencadres: Dorsky/Hiler
- Hours for Jerome Part I (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Words of Mercury (Jerome Hiler, 2011, 16 mm, sin sonido, 25 min)
- Hours for Jerome Part II (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 24 min)
20 de febrero, 20:30h
CGAI, Durán Loriga, 10 baixo. 15003 A Coruña
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Desencadres: Dorsky/Hiler
- The Return (Nathaniel Dorsky, 2011, 16 mm, sin sonido, 27 min)
- August and After (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- April (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 26 min)
Hours for Jerome Part I (Nathaniel Dorsky, 1982)
23 de febrero, 20h
24 de febrero, 18h
La Casa Encendida, Ronda Valencia, 2 28012 Madrid
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Words of Mercury, de Jerome Hiler
- Words of Mercury (Jerome Hiler, 2011, 16 mm, sin sonido, 25 min)
- August and After (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- April (Nathaniel Dorsky, 2012, 16 mm, sin sonido, 26 min)
26 de febrero, 20h
Filmoteca Española, Sala 2, Santa Isabel n.º 3, 28012 Madrid
Con la presencia de Nathaniel Dorsky
Nathaniel Dorsky I
- The Return (Nathaniel Dorsky, 2011, 16 mm, sin sonido, 27 min)
- Hours for Jerome Part I (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Hours for Jerome Part II (Nathaniel Dorsky, 1982, 16 mm, sin sonido, 24 min)
27 de febrero, 20h
Filmoteca Española, Sala 2, Santa Isabel n.º 3, 28012 Madrid
Nathaniel Dorsky II
- Sarabande (Nathaniel Dorsky, 2008, 16 mm, sin sonido, 15 min)
- Compline (Nathaniel Dorsky, 2009, 16 mm, sin sonido, 18 min)
- Aubade (Nathaniel Dorsky, 2010, 16 mm, sin sonido, 11 min)
- Winter (Nathaniel Dorsky, 2007, 16 mm, sin sonido, 19 min)
28 de febrero, 20h
Filmoteca Española, Sala 2, Santa Isabel n.º 3, 28012 Madrid
Nathaniel Dorsky III
- Song and Solitude (Nathaniel Dorsky, 2005-6, 16 mm, sin sonido, 21 min)
- Threnody (Nathaniel Dorsky, 2003-4, 16 mm, sin sonido, 20 min)
- The Visitation (Nathaniel Dorsky, 2002, 16 mm, sin sonido, 18 min)
lunes, diciembre 10, 2012
Las afueras del cine. Apropiacionismo en 16 mm
Con el título de "Las afueras del cine. Apropiacionismo en 16 mm", los próximos días 15 y 16 de diciembre Alberto Cabrera Bernal ofrecerá un taller sobre cine de apropiación en la Escuela Lens de Artes Visuales de Madrid. El curso, tanto desde un punto de vista teórico como práctico, permitirá a los alumnos adentrarse en el cine de found footage, el concepto de autoría y apropiación, las herramientas de trabajo a partir del propio celuloide, etc...
Objetivos:
- Introducción práctica al cine de apropiación en 16 mm detallando también otros formatos específicos como el Súper 8 y el 35 mm, acercando al alumno al trabajo de cineastas contemporáneos de la disciplina.
- Contextualización de la práctica del found footage al margen de lo audiovisual haciendo un recorrido somero por determinadas obras que cuestionan la noción de originalidad y de autoría.
- Facilitar los conocimientos indispensables para desenvolverse en el cine de metraje encontrado, centrándonos en el 16mm, enseñando el proceso completo que va desde el uso del instrumental necesario hasta los procedimientos de manipulación, el montaje de la película y su proyección final.
- Desarrollar un film conjunto en 16 mm previamente planeado con técnicas herederas del collage siguiendo unas pautas de montaje con una vocación estructural marcada.
- Orientar al alumno con información concreta sobre los recursos disponibles para insistir en la disciplina y poder exhibir después sus propios trabajos. Bibliografía escogida.
Escultura fílmica nº2 (Alberto Cabrera Bernal, 2012)
Las variaciones Schwitters (Alberto Cabrera Bernal, 2012)
Objetivos:
- Introducción práctica al cine de apropiación en 16 mm detallando también otros formatos específicos como el Súper 8 y el 35 mm, acercando al alumno al trabajo de cineastas contemporáneos de la disciplina.
- Contextualización de la práctica del found footage al margen de lo audiovisual haciendo un recorrido somero por determinadas obras que cuestionan la noción de originalidad y de autoría.
- Facilitar los conocimientos indispensables para desenvolverse en el cine de metraje encontrado, centrándonos en el 16mm, enseñando el proceso completo que va desde el uso del instrumental necesario hasta los procedimientos de manipulación, el montaje de la película y su proyección final.
- Desarrollar un film conjunto en 16 mm previamente planeado con técnicas herederas del collage siguiendo unas pautas de montaje con una vocación estructural marcada.
- Orientar al alumno con información concreta sobre los recursos disponibles para insistir en la disciplina y poder exhibir después sus propios trabajos. Bibliografía escogida.
Contra el cine (Alberto Cabrera Bernal, 2010)
14x14 (Albert Alcoz & Alberto Cabrera Bernal, 2012)
lunes, octubre 29, 2012
Blogs&Docs - Crowdfunding 2013
La revista de cine de no ficción Blogs&Docs lleva a cabo hasta el próximo 20 de noviembre una campaña de crowdfunding con el propósito de financiar su actividad durante el próximo año 2013. La campaña, que se realiza a través de la plataforma Potlatch le permitirá a esta señera e imprescindible publicación mantener la publicación de artículos, videoentrevistas, reseñas, cobertura de de festivales y demás secciones que la componen.
Puedes contribuir a esta camapaña a través de este enlace.
Puedes contribuir a esta camapaña a través de este enlace.
martes, mayo 29, 2012
Lowave en la Cineteca
El sello francés Lowave celebra este año su décimo aniversario, y para celebrarlo han organizado una serie de eventos y proyecciones de su catálogo. Entre mañana y pasado 30 y 31 de mayo, en la Cineteca, podremos verdos de los diez programas que componen su megaproyecto Human Frames, editado recientemente en DVD, así como el tercer volumen de la colección Resistance(s), y la compilación de cine experimental africano In/Flux. El evento será presentado por Hugo Pascual.
Miércoles 30 mayo, 19:15 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Human Frames – Happiness (Varios autores, 60 min.). VO Subt. inglés
Miércoles 30 mayo, 21:15 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Human Frames – Anger (Varios autores, 60 min.). VO Subt. inglés
Anger presenta once piezas de artistas asiáticos y europeos que expresan distintas formas de violencia.
Jueves 31 mayo, 17:00 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Resistance[s] III (Varios autores, 107 min.). VO Subt. inglés
Volumen de la colección de cine experimental y videoarte Resistance[s], que muestra el panorama de la creatividad experimental del norte de África y Oriente Próximo.
Jueves 31 mayo, 18:30 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Resistance[s]: In/Flux (Varios autores, 104 min.). VO Subt. inglés
Volumen de la colección Resistance[s] de vídeos experimentales procedentes del continente africano.
Miércoles 30 mayo, 19:15 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Human Frames – Happiness (Varios autores, 60 min.). VO Subt. inglés
Miércoles 30 mayo, 21:15 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Human Frames – Anger (Varios autores, 60 min.). VO Subt. inglés
Anger presenta once piezas de artistas asiáticos y europeos que expresan distintas formas de violencia.
Jueves 31 mayo, 17:00 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Resistance[s] III (Varios autores, 107 min.). VO Subt. inglés
Volumen de la colección de cine experimental y videoarte Resistance[s], que muestra el panorama de la creatividad experimental del norte de África y Oriente Próximo.
Jueves 31 mayo, 18:30 h, Cineteca Sala B, entrada libre
Resistance[s]: In/Flux (Varios autores, 104 min.). VO Subt. inglés
Volumen de la colección Resistance[s] de vídeos experimentales procedentes del continente africano.
domingo, mayo 20, 2012
El nuevo monstruo
Queda muy poco para la tercera edición del (S8) Mostra de Cine Periférico (30 de mayo al 3 de junio en A Coruña), y su equipo nos ha venido poco a poco desgranando el contenido del programa. Uno de los platos fuertes, junto con la presencia del veterano Peter Kubelka, es el magnífico programa dedicado al cine de collage y apropriación que nos llega comisariado por Elena Duque y Gloria Vilches. Bajo el título de 'El nuevo monstruo' (con guiños a Mary Shelley y su renacido Prometeo) podremos ver un completo muestrario del cine de collage creado a partir de fuentes tan dispares como ilustración, grabados, cómic, viejas revistas y cómo no, metraje encontrado. El ciclo tiene como base las figuras de Lewis Klahr y Janie Geiser, quienes serán los protagonistas de sendos programas dedicados a su
filmografía, así como del estreno en España de la útlima obra de Klahr, The pettifogger. La sesión de apertura 'Modernos prometeos', dedicada al cine de collage más reciente, con obras tan destacadas como Skelehellavision de Martha Colburn, Yard work is Hard work de Jodie Mack o Non zymase penthatlon de Chris Gehman y el desgraciadamente fallecido Roberto Ariganello. Cerrará este intenso ciclo la carta blanca ofrecida a Klahr y Geiser, quienes desgranarán sus referencias en un programa ecléctico con obras fundamentales de Joseph Cornell, Phil Solomon, Robert Breer o Jack Smith, entre otros.
Sesión 1: Modernos Prometeos
Jueves 31 de mayo a las 17.15 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Recorrido (a modo de álbum) alucinado y emocionante a través de los más ilustres animadores de collage en activo. Desde la pureza de formas del legendario Larry Jordan, al espíritu punk de las películas de Martha Colburn, pasando por la afilada mirada a la sociedad de consumo de Jodie Mack o los manifiestos queer de Wrik Mead, sin dejar de lado a los jóvenes creadores que siguen volviendo del revés el método.
- Cats Amore – Martha Colburn, 2002. 16mm. 3 min.
Enloquecida visión de nuestros instintos animales. Bailarinas calientes, gatos, “I wanna be your dog” en versión francesa.
- Skelehellavision – Martha Colburn. 2001. 16mm. 8 min.
La vida después de la muerte, un infierno alucinado, terrorífico y lujurioso en el que los cuerpos perfectos ya no son el objeto de deseo.
- Solar Sight – Larry Jordan. 2011. 16mm. 15 min.
De dónde venimos y hacia dónde vamos: la visión trascendental del mundo de la leyenda del cine de collage Larry Jordan.
- Yard work is Hard work – Jodie Mack. 2008. 16mm. 28 min.
Colorido y descacharrante musical sobre los peligros y vicisitudes de ingresar en la rutina de la vida adulta.
- Haven – Wrik Mead. 1992. 16mm. 2,30 min.
El amor queer fragmentado, deconstruido y reconstruido.
- Non zymase penthatlon – Chris Gehman y Roberto Ariganello. 1999. 16mm. 5 min.
Comprar, usar, tirar, comprar… Ciclo interminable y repetido a lo largo de la historia sin descanso.
- Monologue Extérieur – Francien van Everdingen. 2003. 16mm. 2 min.
El exterior en el interior, o de cómo en nuestros salones se preparan bosques.
- Wall of Sound Flowers – Francien van Everdingen. 2004. 16mm. 4 min.
El papel pintado como alegoría de los deseos de libertad en la vida doméstica.
- Allegory of Mrs. Triangle – Noriko Okaku. 2011. Vídeo. 7 min.
Las múltiples y extrañas facetas de la personalidad de la Señora Triángulo.
- The Spectres of Veronica – Dalibor Baric. 2011. Vídeo. 8 min.
La cualidad fantasmal del cine, subvertida.
- The storm is just a rumour – Sarah Mosk. 2011. Vídeo. 2 min.
La puerta a dimensiones desconocidas, nuevas formas de consciencia a través del collage.
- New Hippie Future – Dalibor Baric. 2011. Vídeo. 4 min.
El pasado es el futuro. Un futuro lleno de ácido y delirios.
- Reality Is the Most Beautiful Language – Xana Kudrjavcev-DeMilner. 2007. Vídeo. 4 min.
Delicada exploración, casi abstracta, de las formas y las texturas. Imposibles paisajes mitad lunares, mitad terrestres.
- Cherries talk – Julia Zastava. 2011. Vídeo. 5 min.
Visiones alucinadas, cerezas que hablan, esqueletos, brillantes explosiones. Emisiones de televisión desde perturbadores planetas no descubiertos.
Sesión 2: Cuentos de un futuro olvidado
El tiempo y el imaginario made in USA en el cine de Lewis Klahr
Viernes 1 de junio a las 17.00 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Un repaso a la obra de Klahr y a su arrebatadora búsqueda formal, estética y narrativa. Lewis Klahr, neoyorquino de nacimiento y californiano de adopción, es una de las figuras más destacadas del cine experimental a día de hoy. Klahr lleva desde 1977 persiguiendo la forma perfecta de aprehender las cualidades inasibles de la memoria a través de evocadores collages animados que recombinan con ingravidez temporal el imaginario americano del siglo XX.
- Deep Fishtank Birding. 1983. Super 8. 3 min.
Una de las primeras tentativas maduras de Klahr en el collage, una inmersión en los abismos de la memoria.
- Enchantment, 1983. Super 8. 3 min.
Las penas y tribulaciones de los superhéroes de los tebeos.
- Pulls. 1985. Super 8. 5 min.
Otra manera de hacer collages: directamente en el celuloide. Klahr y el found footage.
- Cartoon Far. 1990. Super 8. 6 min.
Una historia de amor de aires pop, en la que dos actores se sumergen en un mundo de recortes de papel.
- Downs Are Feminine. 1993. 16mm. 9 min.
Sexo y drogas, los revulsivos de la vida doméstica burguesa. Con música de Mercury Rev.
- Pony Glass. 1997. 16mm. 15 min.
Una de las piezas más potentes de la filmografía de Klahr, la doble moral del sueño americano aflorando entre las imágenes del mundo feliz de los 50.
- Green ’62. 1996. 16 mm. 6 min.
Un retrato del Bowery, Nueva York, visto desde la ventana curva de un restaurante.
- Serie The Aperture of Ghostings. 1999-2001. 16mm.
Compuesta por: Elsa Kirk (1999. 5 min), Creased Robe Smile (2001. 4 min) y Catherine Street (2001. 3 min). Una serie, forma de trabajo característica de Klahr, basada en hojas de contactos: sesiones de fotos de mujeres desconocidas, y las vidas inventadas de estas mujeres.
- Nimbus Seeds. 2009. Vídeo. 8 min.
Un triángulo amoroso, y un juego narrativo de resonancias envolventes.
- Well then there now. 2011/2012. Vídeo. 13 min.
Con música y guión de John Zorn, esta pieza condensa y destila el bagaje de la obra de Klahr en su conquista de nuevos caminos, texturas y asociaciones, confirmándolo como una de las figuras claves del cine experimental contemporáneo.
Sesion Especial: The Pettifogger
Viernes 1 de junio a las 19.00 horas en el Auditorio. Centro Cultural Ágora.
Estreno en España del largometraje de Lewis Klahr, que recorre un año en la vida de The Pettifogger, jugador y estafador profesional. Es 1963, y el protagonista de esta historia, resucitado de un cómic, viaja por una América impresionista y fantasmal de viejas fotografías, objetos encontrados, de luces y texturas que arrastran al misterio de la memoria. Una huida constante, una vida criminal en una pieza entre el cine negro y la abstracción, que remite a los propios recuerdos del autor. Una de las obras más brillantes de Klahr hasta la fecha.
- The Pettifogger, de Lewis Klahr. 2011. Vídeo. 65 min.
Sesión 3: El álgebra fantasmal
Janie Geiser, los recuerdos inventados y la vida emocional de los objetos
Sábado 2 de junio. 19.00 horas. Sala (8). Centro Cultural Ágora.
Recuerdos de infancia, fragmentados y fabulados, envueltos en las nieblas del cine negro. Una selección del trabajo de Geiser, conocida también por su labor en el campo de la performance y de su insólito trabajo con marionetas.
- The fourth watch. 2000. 16mm. 11 min.
Los griegos dividían la noche en cuatro partes. En la cuarta hora, antes del amanecer, espectros del cine mudo invaden los cuartos de una casa como almas en pena.
- Terrace 49. 2004. 16mm. 6 min
Un desastre inminente flota en el aire. El tiempo se detiene.
- Ghost algebra. 2009. Vídeo. 7 min.
Uno de los significados originales de la palabra álgebra es “la ciencia de restaurar lo que falta, de unir los fragmentos rotos”. Una figura solitaria lucha por resolver, mediante esta ciencia, los enigmas fantasmales de la memoria.
- The Floor of the World. 2009. Vídeo. 10 min.
Los caminos de ida y vuelta entre la muerte y la vida, a través del “suelo del mundo”.
- Kindless Villain. 2010. Vídeo. 5 min.
La guerra es un juego de niños, jugado calladamente en este mundo olvidado.
- Ricky. 2011. Vídeo. 11 min.
Una carta encontrada de un padre a un hijo, grabada en una cinta, es el hilo conductor de este film de perturbador imaginario infantil sobre la guerra, la niñez y la pérdida.
- The Secret Story. 1996. 16mm. 8 min.
Recuerdos de las vidas pasadas de los objetos y los secretos nunca dichos que albergan, en una pieza de asombrosa fuerza evocadora.
Sesión 4: Carta Blanca a Lewis Klahr y Janie Geiser
Domingo 3 de junio a las 19.00 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Geiser y Klahr trazan un mapa de sus influencias e inspiraciones que van más allá del cine de animación para hundir sus raíces en la tradición del cine visionario estadounidense.
- Rear Window – Ernie Gehr. 1986/1991. 16mm. 10 min.
Un estudio de la luz y del movimiento, de inesperados y sutiles matices.
- Dream of a Rarebit Fiend – Edwin Porter and Wallace McCutcheon, written by Windsor McKay. 1906. Vídeo. 7 min.
Surrealismo y comedia se mezclan en este sueño/pesadilla de los albores del cine.
- Snake charmer – Mark Lapore. 16mm. 3 min.
En los films de Lapore cada corte del montaje es un acto de fe. Entre la fé en el mundo fotografíado y una escéptica reticencia.
- The Snowman – Phil Solomon. 1995. 16mm. 8 min.
Los recuerdos de infancia enterrados y devueltos a la vida en una pieza de sobrecogedora belleza lírica.
- Nymphlight – Joseph Cornell. 1957. 16mm. 8 min.
Una luminosa joven, vestida de bailarina, deambula por las calles de Nueva York como un ser de otro mundo. Una de las intervenciones en el cine del artista Joseph Cornell, padre del surrealismo norteamericano.
- Valse Triste – Bruce Conner. 1977. 16mm. 6 min.
Una excavación en el imaginario americano de postguerra, y en los vericuetos de la memoria, a ritmo de melancólico vals en esta pieza clásica de found footage.
- I Choose Darkness – Karen Yasinsky. 2009. Vídeo. 9 min.
La vida secreta de la protagonista de Au Hazard Balthazar (Robert Bresson) imaginada en un hipnótico film de marionetas.
- Martina’s Playhouse – Peggy Ahwesh. 1989. Vídeo. 20 min.
En este film Martina, la niña del título, oscila entre los roles de narradora, lectora y actriz, y entre los papeles de bebe y de madre. Ahwesh dinamita a base de Super 8 esa construcción ficticia que llamamos feminidad.
- Fistfight – Robert Breer. 1964. 16mm. 9 min.
Presentada junto con Originale, de Stockhausen, en 1964, Fistfight convierte los recuerdos familiares en abstracción, entremezclándolos con colores y texturas.
- Scotch Tape – Jack Smith. 1962. 16mm. 3 min.
Aprovechando los huecos del rodaje de Star Spangled to Death, de Ken Jacobs, Smith “tomó prestada” su cámara para hacer este inspirado y lunático baile entre las ruinas.
Solar Sight (Larry Jordan, 2011)
Yard work is Hard work (Jodie Mack. 2008)
Sesión 1: Modernos Prometeos
Jueves 31 de mayo a las 17.15 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Recorrido (a modo de álbum) alucinado y emocionante a través de los más ilustres animadores de collage en activo. Desde la pureza de formas del legendario Larry Jordan, al espíritu punk de las películas de Martha Colburn, pasando por la afilada mirada a la sociedad de consumo de Jodie Mack o los manifiestos queer de Wrik Mead, sin dejar de lado a los jóvenes creadores que siguen volviendo del revés el método.
- Cats Amore – Martha Colburn, 2002. 16mm. 3 min.
Enloquecida visión de nuestros instintos animales. Bailarinas calientes, gatos, “I wanna be your dog” en versión francesa.
- Skelehellavision – Martha Colburn. 2001. 16mm. 8 min.
La vida después de la muerte, un infierno alucinado, terrorífico y lujurioso en el que los cuerpos perfectos ya no son el objeto de deseo.
- Solar Sight – Larry Jordan. 2011. 16mm. 15 min.
De dónde venimos y hacia dónde vamos: la visión trascendental del mundo de la leyenda del cine de collage Larry Jordan.
- Yard work is Hard work – Jodie Mack. 2008. 16mm. 28 min.
Colorido y descacharrante musical sobre los peligros y vicisitudes de ingresar en la rutina de la vida adulta.
- Haven – Wrik Mead. 1992. 16mm. 2,30 min.
El amor queer fragmentado, deconstruido y reconstruido.
- Non zymase penthatlon – Chris Gehman y Roberto Ariganello. 1999. 16mm. 5 min.
Comprar, usar, tirar, comprar… Ciclo interminable y repetido a lo largo de la historia sin descanso.
- Monologue Extérieur – Francien van Everdingen. 2003. 16mm. 2 min.
El exterior en el interior, o de cómo en nuestros salones se preparan bosques.
- Wall of Sound Flowers – Francien van Everdingen. 2004. 16mm. 4 min.
El papel pintado como alegoría de los deseos de libertad en la vida doméstica.
- Allegory of Mrs. Triangle – Noriko Okaku. 2011. Vídeo. 7 min.
Las múltiples y extrañas facetas de la personalidad de la Señora Triángulo.
- The Spectres of Veronica – Dalibor Baric. 2011. Vídeo. 8 min.
La cualidad fantasmal del cine, subvertida.
- The storm is just a rumour – Sarah Mosk. 2011. Vídeo. 2 min.
La puerta a dimensiones desconocidas, nuevas formas de consciencia a través del collage.
- New Hippie Future – Dalibor Baric. 2011. Vídeo. 4 min.
El pasado es el futuro. Un futuro lleno de ácido y delirios.
- Reality Is the Most Beautiful Language – Xana Kudrjavcev-DeMilner. 2007. Vídeo. 4 min.
Delicada exploración, casi abstracta, de las formas y las texturas. Imposibles paisajes mitad lunares, mitad terrestres.
- Cherries talk – Julia Zastava. 2011. Vídeo. 5 min.
Visiones alucinadas, cerezas que hablan, esqueletos, brillantes explosiones. Emisiones de televisión desde perturbadores planetas no descubiertos.
Downs Are Feminine (Lewis Klahr, 1993)
Pony Glass (Lewis Klahr, 1997)
El tiempo y el imaginario made in USA en el cine de Lewis Klahr
Viernes 1 de junio a las 17.00 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Un repaso a la obra de Klahr y a su arrebatadora búsqueda formal, estética y narrativa. Lewis Klahr, neoyorquino de nacimiento y californiano de adopción, es una de las figuras más destacadas del cine experimental a día de hoy. Klahr lleva desde 1977 persiguiendo la forma perfecta de aprehender las cualidades inasibles de la memoria a través de evocadores collages animados que recombinan con ingravidez temporal el imaginario americano del siglo XX.
- Deep Fishtank Birding. 1983. Super 8. 3 min.
Una de las primeras tentativas maduras de Klahr en el collage, una inmersión en los abismos de la memoria.
- Enchantment, 1983. Super 8. 3 min.
Las penas y tribulaciones de los superhéroes de los tebeos.
- Pulls. 1985. Super 8. 5 min.
Otra manera de hacer collages: directamente en el celuloide. Klahr y el found footage.
- Cartoon Far. 1990. Super 8. 6 min.
Una historia de amor de aires pop, en la que dos actores se sumergen en un mundo de recortes de papel.
- Downs Are Feminine. 1993. 16mm. 9 min.
Sexo y drogas, los revulsivos de la vida doméstica burguesa. Con música de Mercury Rev.
- Pony Glass. 1997. 16mm. 15 min.
Una de las piezas más potentes de la filmografía de Klahr, la doble moral del sueño americano aflorando entre las imágenes del mundo feliz de los 50.
- Green ’62. 1996. 16 mm. 6 min.
Un retrato del Bowery, Nueva York, visto desde la ventana curva de un restaurante.
- Serie The Aperture of Ghostings. 1999-2001. 16mm.
Compuesta por: Elsa Kirk (1999. 5 min), Creased Robe Smile (2001. 4 min) y Catherine Street (2001. 3 min). Una serie, forma de trabajo característica de Klahr, basada en hojas de contactos: sesiones de fotos de mujeres desconocidas, y las vidas inventadas de estas mujeres.
- Nimbus Seeds. 2009. Vídeo. 8 min.
Un triángulo amoroso, y un juego narrativo de resonancias envolventes.
- Well then there now. 2011/2012. Vídeo. 13 min.
Con música y guión de John Zorn, esta pieza condensa y destila el bagaje de la obra de Klahr en su conquista de nuevos caminos, texturas y asociaciones, confirmándolo como una de las figuras claves del cine experimental contemporáneo.
The Pettifogger (Lewis Klahr, 2011)
The Pettifogger (Lewis Klahr, 2011)
Viernes 1 de junio a las 19.00 horas en el Auditorio. Centro Cultural Ágora.
Estreno en España del largometraje de Lewis Klahr, que recorre un año en la vida de The Pettifogger, jugador y estafador profesional. Es 1963, y el protagonista de esta historia, resucitado de un cómic, viaja por una América impresionista y fantasmal de viejas fotografías, objetos encontrados, de luces y texturas que arrastran al misterio de la memoria. Una huida constante, una vida criminal en una pieza entre el cine negro y la abstracción, que remite a los propios recuerdos del autor. Una de las obras más brillantes de Klahr hasta la fecha.
- The Pettifogger, de Lewis Klahr. 2011. Vídeo. 65 min.
Ricky (Janie Geiser, 2011)
Ghost algebra (Janie Geiser, 2009)
Sesión 3: El álgebra fantasmal
Janie Geiser, los recuerdos inventados y la vida emocional de los objetos
Sábado 2 de junio. 19.00 horas. Sala (8). Centro Cultural Ágora.
Recuerdos de infancia, fragmentados y fabulados, envueltos en las nieblas del cine negro. Una selección del trabajo de Geiser, conocida también por su labor en el campo de la performance y de su insólito trabajo con marionetas.
- The fourth watch. 2000. 16mm. 11 min.
Los griegos dividían la noche en cuatro partes. En la cuarta hora, antes del amanecer, espectros del cine mudo invaden los cuartos de una casa como almas en pena.
- Terrace 49. 2004. 16mm. 6 min
Un desastre inminente flota en el aire. El tiempo se detiene.
- Ghost algebra. 2009. Vídeo. 7 min.
Uno de los significados originales de la palabra álgebra es “la ciencia de restaurar lo que falta, de unir los fragmentos rotos”. Una figura solitaria lucha por resolver, mediante esta ciencia, los enigmas fantasmales de la memoria.
- The Floor of the World. 2009. Vídeo. 10 min.
Los caminos de ida y vuelta entre la muerte y la vida, a través del “suelo del mundo”.
- Kindless Villain. 2010. Vídeo. 5 min.
La guerra es un juego de niños, jugado calladamente en este mundo olvidado.
- Ricky. 2011. Vídeo. 11 min.
Una carta encontrada de un padre a un hijo, grabada en una cinta, es el hilo conductor de este film de perturbador imaginario infantil sobre la guerra, la niñez y la pérdida.
- The Secret Story. 1996. 16mm. 8 min.
Recuerdos de las vidas pasadas de los objetos y los secretos nunca dichos que albergan, en una pieza de asombrosa fuerza evocadora.
Nymphlight (Joseph Cornell, 1957)
The Snowman (Phil Solomon, 1995)
I Choose Darkness (Karen Yasinsky, 2009)
Domingo 3 de junio a las 19.00 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Geiser y Klahr trazan un mapa de sus influencias e inspiraciones que van más allá del cine de animación para hundir sus raíces en la tradición del cine visionario estadounidense.
- Rear Window – Ernie Gehr. 1986/1991. 16mm. 10 min.
Un estudio de la luz y del movimiento, de inesperados y sutiles matices.
- Dream of a Rarebit Fiend – Edwin Porter and Wallace McCutcheon, written by Windsor McKay. 1906. Vídeo. 7 min.
Surrealismo y comedia se mezclan en este sueño/pesadilla de los albores del cine.
- Snake charmer – Mark Lapore. 16mm. 3 min.
En los films de Lapore cada corte del montaje es un acto de fe. Entre la fé en el mundo fotografíado y una escéptica reticencia.
- The Snowman – Phil Solomon. 1995. 16mm. 8 min.
Los recuerdos de infancia enterrados y devueltos a la vida en una pieza de sobrecogedora belleza lírica.
- Nymphlight – Joseph Cornell. 1957. 16mm. 8 min.
Una luminosa joven, vestida de bailarina, deambula por las calles de Nueva York como un ser de otro mundo. Una de las intervenciones en el cine del artista Joseph Cornell, padre del surrealismo norteamericano.
- Valse Triste – Bruce Conner. 1977. 16mm. 6 min.
Una excavación en el imaginario americano de postguerra, y en los vericuetos de la memoria, a ritmo de melancólico vals en esta pieza clásica de found footage.
- I Choose Darkness – Karen Yasinsky. 2009. Vídeo. 9 min.
La vida secreta de la protagonista de Au Hazard Balthazar (Robert Bresson) imaginada en un hipnótico film de marionetas.
- Martina’s Playhouse – Peggy Ahwesh. 1989. Vídeo. 20 min.
En este film Martina, la niña del título, oscila entre los roles de narradora, lectora y actriz, y entre los papeles de bebe y de madre. Ahwesh dinamita a base de Super 8 esa construcción ficticia que llamamos feminidad.
- Fistfight – Robert Breer. 1964. 16mm. 9 min.
Presentada junto con Originale, de Stockhausen, en 1964, Fistfight convierte los recuerdos familiares en abstracción, entremezclándolos con colores y texturas.
- Scotch Tape – Jack Smith. 1962. 16mm. 3 min.
Aprovechando los huecos del rodaje de Star Spangled to Death, de Ken Jacobs, Smith “tomó prestada” su cámara para hacer este inspirado y lunático baile entre las ruinas.
martes, abril 17, 2012
Studien zum Untergang des Abendlands
La última obra del nunca suficientemente valorado Klaus Wyborny, ("the lost link between experimental cinema and Straub-Huillet", según mi amigo Federico), es un "film musical en 5 partes". Studien zum Untergang des Abendlands ("Estudios sobre la decadencia de Occidente", en homenaje al clásico de Spengler) representa un paso más en la relación entre imagen y música en su obra (siendo quizás su ejemplo más famoso Die Geburt der Nation de 1973). Wyborny construye un intrincado puzle a partir de átomos de imagen y sonido: con metraje en super-8 rodado hace más de 30 años y profusamente editado en cámara, Wyborny utiliza cada una de las 6299 tomas y las sincroniza con cada nota musical, encadenando movimientos de cámara con vibratos, reflejando las diversas voces a través de la superposición... Studien... (también concebida como instalación para 58 monitores) se presenta en cinco 'movimientos', como si de una pieza musical se tratase, marcando incluso el título de sus tres primeras el tempo de éstas ("Cansado; tropezando hacia el final", "Sereno; a la manera de las hormigas" ó "Clásico; radiante de gloria"). Las imágenes, tan características de Wyborny (su uso de filtros, el habitual plano sesgado), nos muestran paisajes desolados, naturales e industriales, edificios derruídos... una pieza melancólica, crítica de la era moderna, mostrando, al igual que Spengler, que el optimismo es cobardía.
Studien zum Untergang des Abendlands está disponible en DVD en venta directa por el autor.
Studien zum Untergang des Abendlands está disponible en DVD en venta directa por el autor.
lunes, marzo 26, 2012
Festival PLAY 2012. Cine en directo
El festival PLAY regresa a La Casa Encendida los próximos 29 a 31 de marzo con tres nuevas sesiones de cine y música creados en directo, comisariadas como de costumbre por Andy Davies. Nos veremos por allí... ACTUALIZACIÓN: La sesión del 29 se cancela y se reparte entre 30 y 31 debido a la huelga general.
Sesión 1, Viernes 30 de marzo
22:00 h - Makino Takashi (video y música)
El cineasta japonés Makino Takashi actuará como músico, acompañando la proyección de sus propias películas, con la ayuda de una serie de sensores e instrumentos electrónicos. Esta banda sonora improvisada en directo amplifica y extiende su cuidado trabajo visual sobre las imágenes en alta definición.
22:40 h - Anharmonium de TeZ (Laser)
Maurizio Martinucci (TeZ) es el fundador del laboratorio Optofonica en Amsterdam dedicado a los entornos audiovisuales y los procesos científicos. En Anharmonium un rayo laser se refleja en un líquido sensible a las más pequeñas variaciones sonoras y el espacio se ilumina en consonancia con la banda sonora cuadrafónica. Este trabajo, que convierte la música en imágenes proyectadas a través del movimiento de las ondas, remite a nuestra percepción del entorno natural, una percepción tranquila y pausada cercana a la meditación.
23:30 h - La Chambre Des Machines de Martin Messier y Nicolas Bernier (video y música)
Dos cajas musicales hechas de engranajes, palancas y toda clase de piezas mecánicas y electrónicas exploran el territorio en común entre lo sintético y lo acústico. Estos instrumentos de fabricación propia recuerdan a los Intonarumoris, las máquinas sonoras, ideadas por Luigi Russolo y los futuristas italianos a principios del siglo XX. El proyecto intenta introducir elementos mecánicos en un entorno digital para producir un sonido híbrido fruto de la interacción entre ambos medios.
Sábado 31 de marzo
22:00 h - Sally Golding (16mm)
La australiana Sally Golding filma, revela y proyecta sus propias películas en 16mm. Combinando el performance con las proyecciones sobre su propio cuerpo crea imágenes de fantasmagoría y efectos de luz que recuerdan a la prehistoria del cine, un mundo a medio camino entre la ciencia y la superstición.
22:40 h - Sculpture (animación y música)
Sculpture es el dúo del productor y músico electrónico Dan Hayhurst y el artista visual Reuben Sutherland. Hayhurst trabaja con equipos lo-fi; loops de cinta magnética, cassettes y toca discos, para componer un collage sonoro que combina a la perfección con las animaciones estroboscópicas de Sutherland. Las proyecciones, hechas con un tocadiscos, desarrollan un estilo de animación tradicional, el zoetrope, en donde las imágenes giran sobre sí mismas creando la ilusión de movimiento.
23:15 h - Martha Colburn, Hayden Chisholm y Juan Felipe Waller (16mm,animación y música)
Martha Colburn ha desarrollado su particular manera de hacer animación en estrecha colaboración con la música, proyectando en directo con músicos como Felix Kubin, Jad Fair o Deerhof. Su variado trabajo también se puede ver en museos (Whitney, Pompidou) o en festivales de cine (Cannes, Rotterdam). Sus animaciones, recortes de sus propias pinturas, utilizan un estilo de collage que le permite trabajar en distintos formatos con sorprendente facilidad. En esta actuación estará acompañada por el saxofonista neozelandés Hayden Chisholm y el compositor mexicano Juan Felipe Waller.
Sesión 1, Viernes 30 de marzo
22:00 h - Makino Takashi (video y música)
El cineasta japonés Makino Takashi actuará como músico, acompañando la proyección de sus propias películas, con la ayuda de una serie de sensores e instrumentos electrónicos. Esta banda sonora improvisada en directo amplifica y extiende su cuidado trabajo visual sobre las imágenes en alta definición.
GENERATOR (2011), Images by Makino Takashi, Music by Jim O'Rourke
22:40 h - Anharmonium de TeZ (Laser)
Maurizio Martinucci (TeZ) es el fundador del laboratorio Optofonica en Amsterdam dedicado a los entornos audiovisuales y los procesos científicos. En Anharmonium un rayo laser se refleja en un líquido sensible a las más pequeñas variaciones sonoras y el espacio se ilumina en consonancia con la banda sonora cuadrafónica. Este trabajo, que convierte la música en imágenes proyectadas a través del movimiento de las ondas, remite a nuestra percepción del entorno natural, una percepción tranquila y pausada cercana a la meditación.
23:30 h - La Chambre Des Machines de Martin Messier y Nicolas Bernier (video y música)
Dos cajas musicales hechas de engranajes, palancas y toda clase de piezas mecánicas y electrónicas exploran el territorio en común entre lo sintético y lo acústico. Estos instrumentos de fabricación propia recuerdan a los Intonarumoris, las máquinas sonoras, ideadas por Luigi Russolo y los futuristas italianos a principios del siglo XX. El proyecto intenta introducir elementos mecánicos en un entorno digital para producir un sonido híbrido fruto de la interacción entre ambos medios.
La chambre des machines
Sábado 31 de marzo
22:00 h - Sally Golding (16mm)
La australiana Sally Golding filma, revela y proyecta sus propias películas en 16mm. Combinando el performance con las proyecciones sobre su propio cuerpo crea imágenes de fantasmagoría y efectos de luz que recuerdan a la prehistoria del cine, un mundo a medio camino entre la ciencia y la superstición.
22:40 h - Sculpture (animación y música)
Sculpture es el dúo del productor y músico electrónico Dan Hayhurst y el artista visual Reuben Sutherland. Hayhurst trabaja con equipos lo-fi; loops de cinta magnética, cassettes y toca discos, para componer un collage sonoro que combina a la perfección con las animaciones estroboscópicas de Sutherland. Las proyecciones, hechas con un tocadiscos, desarrollan un estilo de animación tradicional, el zoetrope, en donde las imágenes giran sobre sí mismas creando la ilusión de movimiento.
23:15 h - Martha Colburn, Hayden Chisholm y Juan Felipe Waller (16mm,animación y música)
Martha Colburn ha desarrollado su particular manera de hacer animación en estrecha colaboración con la música, proyectando en directo con músicos como Felix Kubin, Jad Fair o Deerhof. Su variado trabajo también se puede ver en museos (Whitney, Pompidou) o en festivales de cine (Cannes, Rotterdam). Sus animaciones, recortes de sus propias pinturas, utilizan un estilo de collage que le permite trabajar en distintos formatos con sorprendente facilidad. En esta actuación estará acompañada por el saxofonista neozelandés Hayden Chisholm y el compositor mexicano Juan Felipe Waller.
Martha Colburn, Live at the Kitchen (Febrero 2012)
jueves, marzo 15, 2012
Lis Rhodes: Dissonance and Disturbance
Aquellos que paséis por Londres hasta el próximo 25 de marzo haréis bien en daros una vuelta por el ICA para ver la exposición de la cinetasta británica Lis Rhodes. Dissonance and disturbance presenta una exploración de la obra de Rhodes relacionada con la disidencia política. A destacar especialmente de la pequeña aunque intensa exposición el montaje a doble pantalla de su clásica A cold draft (1988) con las más recientes piezas In the kettle (2010) y Whitehall (2012), así como el pequeño catálogo formado por escritos de escritos de Rhodes a partir de las piezas que la componen.
Una selección de las películas de Lis Rhodes están disponibles en el DVD editado por LUX Aferimages 3. Su fabulosa Dresden Dynamo (1972) se puede encontrar junto a otras joyas del cine británico en el recipilatorio Shoot Shoot Shoot.
Una selección de las películas de Lis Rhodes están disponibles en el DVD editado por LUX Aferimages 3. Su fabulosa Dresden Dynamo (1972) se puede encontrar junto a otras joyas del cine británico en el recipilatorio Shoot Shoot Shoot.
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