Queda muy poco para la tercera edición del
(S8) Mostra de Cine Periférico (30 de mayo al 3 de junio en A Coruña), y su equipo nos ha venido poco a poco desgranando el contenido del programa. Uno de los platos fuertes, junto con la presencia del veterano Peter Kubelka, es el magnífico programa dedicado al cine de collage y apropriación que nos llega comisariado por
Elena Duque y
Gloria Vilches. Bajo el título de '
El nuevo monstruo' (con guiños a Mary Shelley y su renacido Prometeo) podremos ver un completo muestrario del cine de collage creado a partir de fuentes tan dispares como ilustración, grabados, cómic, viejas revistas y cómo no, metraje encontrado. El ciclo tiene como base las figuras de
Lewis Klahr y
Janie Geiser, quienes serán los protagonistas de sendos programas dedicados a su
filmografía, así como del estreno en España de la útlima obra de Klahr,
The pettifogger. La sesión de apertura 'Modernos prometeos', dedicada al cine de collage más reciente, con obras tan destacadas como
Skelehellavision de
Martha Colburn,
Yard work is Hard work de
Jodie Mack o
Non zymase penthatlon de
Chris Gehman y el desgraciadamente fallecido
Roberto Ariganello. Cerrará este intenso ciclo la carta blanca ofrecida a Klahr y Geiser, quienes desgranarán sus referencias en un programa ecléctico con obras fundamentales de
Joseph Cornell, Phil Solomon, Robert Breer o
Jack Smith, entre otros.
Solar Sight (Larry Jordan, 2011)
Yard work is Hard work (Jodie Mack. 2008)
Sesión 1: Modernos Prometeos
Jueves 31 de mayo a las 17.15 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Recorrido (a modo de álbum) alucinado y emocionante a través de los más ilustres animadores de collage en activo. Desde la pureza de formas del legendario Larry Jordan, al espíritu punk de las películas de Martha Colburn, pasando por la afilada mirada a la sociedad de consumo de Jodie Mack o los manifiestos queer de Wrik Mead, sin dejar de lado a los jóvenes creadores que siguen volviendo del revés el método.
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Cats Amore – Martha Colburn, 2002. 16mm. 3 min.
Enloquecida visión de nuestros instintos animales. Bailarinas calientes, gatos, “I wanna be your dog” en versión francesa.
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Skelehellavision – Martha Colburn. 2001. 16mm. 8 min.
La vida después de la muerte, un infierno alucinado, terrorífico y lujurioso en el que los cuerpos perfectos ya no son el objeto de deseo.
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Solar Sight – Larry Jordan. 2011. 16mm. 15 min.
De dónde venimos y hacia dónde vamos: la visión trascendental del mundo de la leyenda del cine de collage Larry Jordan.
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Yard work is Hard work – Jodie Mack. 2008. 16mm. 28 min.
Colorido y descacharrante musical sobre los peligros y vicisitudes de ingresar en la rutina de la vida adulta.
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Haven – Wrik Mead. 1992. 16mm. 2,30 min.
El amor queer fragmentado, deconstruido y reconstruido.
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Non zymase penthatlon – Chris Gehman y Roberto Ariganello. 1999. 16mm. 5 min.
Comprar, usar, tirar, comprar… Ciclo interminable y repetido a lo largo de la historia sin descanso.
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Monologue Extérieur – Francien van Everdingen. 2003. 16mm. 2 min.
El exterior en el interior, o de cómo en nuestros salones se preparan bosques.
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Wall of Sound Flowers – Francien van Everdingen. 2004. 16mm. 4 min.
El papel pintado como alegoría de los deseos de libertad en la vida doméstica.
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Allegory of Mrs. Triangle – Noriko Okaku. 2011. Vídeo. 7 min.
Las múltiples y extrañas facetas de la personalidad de la Señora Triángulo.
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The Spectres of Veronica – Dalibor Baric. 2011. Vídeo. 8 min.
La cualidad fantasmal del cine, subvertida.
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The storm is just a rumour – Sarah Mosk. 2011. Vídeo. 2 min.
La puerta a dimensiones desconocidas, nuevas formas de consciencia a través del collage.
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New Hippie Future – Dalibor Baric. 2011. Vídeo. 4 min.
El pasado es el futuro. Un futuro lleno de ácido y delirios.
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Reality Is the Most Beautiful Language – Xana Kudrjavcev-DeMilner. 2007. Vídeo. 4 min.
Delicada exploración, casi abstracta, de las formas y las texturas. Imposibles paisajes mitad lunares, mitad terrestres.
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Cherries talk – Julia Zastava. 2011. Vídeo. 5 min.
Visiones alucinadas, cerezas que hablan, esqueletos, brillantes explosiones. Emisiones de televisión desde perturbadores planetas no descubiertos.
Downs Are Feminine (Lewis Klahr, 1993)
Pony Glass (Lewis Klahr, 1997)
Sesión 2: Cuentos de un futuro olvidado
El tiempo y el imaginario made in USA en el cine de Lewis Klahr
Viernes 1 de junio a las 17.00 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Un repaso a la obra de Klahr y a su arrebatadora búsqueda formal, estética y narrativa. Lewis Klahr, neoyorquino de nacimiento y californiano de adopción, es una de las figuras más destacadas del cine experimental a día de hoy. Klahr lleva desde 1977 persiguiendo la forma perfecta de aprehender las cualidades inasibles de la memoria a través de evocadores collages animados que recombinan con ingravidez temporal el imaginario americano del siglo XX.
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Deep Fishtank Birding. 1983. Super 8. 3 min.
Una de las primeras tentativas maduras de Klahr en el collage, una inmersión en los abismos de la memoria.
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Enchantment, 1983. Super 8. 3 min.
Las penas y tribulaciones de los superhéroes de los tebeos.
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Pulls. 1985. Super 8. 5 min.
Otra manera de hacer collages: directamente en el celuloide. Klahr y el found footage.
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Cartoon Far. 1990. Super 8. 6 min.
Una historia de amor de aires pop, en la que dos actores se sumergen en un mundo de recortes de papel.
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Downs Are Feminine. 1993. 16mm. 9 min.
Sexo y drogas, los revulsivos de la vida doméstica burguesa. Con música de Mercury Rev.
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Pony Glass. 1997. 16mm. 15 min.
Una de las piezas más potentes de la filmografía de Klahr, la doble moral del sueño americano aflorando entre las imágenes del mundo feliz de los 50.
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Green ’62. 1996. 16 mm. 6 min.
Un retrato del Bowery, Nueva York, visto desde la ventana curva de un restaurante.
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Serie The Aperture of Ghostings. 1999-2001. 16mm.
Compuesta por:
Elsa Kirk (1999. 5 min),
Creased Robe Smile (2001. 4 min) y
Catherine Street (2001. 3 min). Una serie, forma de trabajo característica de Klahr, basada en hojas de contactos: sesiones de fotos de mujeres desconocidas, y las vidas inventadas de estas mujeres.
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Nimbus Seeds. 2009. Vídeo. 8 min.
Un triángulo amoroso, y un juego narrativo de resonancias envolventes.
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Well then there now. 2011/2012. Vídeo. 13 min.
Con música y guión de John Zorn, esta pieza condensa y destila el bagaje de la obra de Klahr en su conquista de nuevos caminos, texturas y asociaciones, confirmándolo como una de las figuras claves del cine experimental contemporáneo.
The Pettifogger (Lewis Klahr, 2011)
The Pettifogger (Lewis Klahr, 2011)
Sesion Especial: The Pettifogger
Viernes 1 de junio a las 19.00 horas en el Auditorio. Centro Cultural Ágora.
Estreno
en España del largometraje de Lewis Klahr, que recorre un año en la
vida de The Pettifogger, jugador y estafador profesional. Es 1963, y el
protagonista de esta historia, resucitado de un cómic, viaja por una
América impresionista y fantasmal de viejas fotografías, objetos
encontrados, de luces y texturas que arrastran al misterio de la
memoria. Una huida constante, una vida criminal en una pieza entre el
cine negro y la abstracción, que remite a los propios recuerdos del
autor. Una de las obras más brillantes de Klahr hasta la fecha.
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The Pettifogger, de Lewis Klahr. 2011. Vídeo. 65 min.
Ricky (Janie Geiser, 2011)
Ghost algebra (Janie Geiser, 2009)
Sesión 3: El álgebra fantasmal
Janie Geiser, los recuerdos inventados y la vida emocional de los objetos
Sábado 2 de junio. 19.00 horas. Sala (8). Centro Cultural Ágora.
Recuerdos de infancia, fragmentados y fabulados, envueltos en las nieblas del cine negro. Una selección del trabajo de Geiser, conocida también por su labor en el campo de la performance y de su insólito trabajo con marionetas.
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The fourth watch. 2000. 16mm. 11 min.
Los griegos dividían la noche en cuatro partes. En la cuarta hora, antes del amanecer, espectros del cine mudo invaden los cuartos de una casa como almas en pena.
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Terrace 49. 2004. 16mm. 6 min
Un desastre inminente flota en el aire. El tiempo se detiene.
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Ghost algebra. 2009. Vídeo. 7 min.
Uno de los significados originales de la palabra álgebra es “la ciencia de restaurar lo que falta, de unir los fragmentos rotos”. Una figura solitaria lucha por resolver, mediante esta ciencia, los enigmas fantasmales de la memoria.
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The Floor of the World. 2009. Vídeo. 10 min.
Los caminos de ida y vuelta entre la muerte y la vida, a través del “suelo del mundo”.
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Kindless Villain. 2010. Vídeo. 5 min.
La guerra es un juego de niños, jugado calladamente en este mundo olvidado.
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Ricky. 2011. Vídeo. 11 min.
Una carta encontrada de un padre a un hijo, grabada en una cinta, es el hilo conductor de este film de perturbador imaginario infantil sobre la guerra, la niñez y la pérdida.
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The Secret Story. 1996. 16mm. 8 min.
Recuerdos de las vidas pasadas de los objetos y los secretos nunca dichos que albergan, en una pieza de asombrosa fuerza evocadora.
Nymphlight (Joseph Cornell, 1957)
The Snowman (Phil Solomon, 1995)
I Choose Darkness (Karen Yasinsky, 2009)
Sesión 4: Carta Blanca a Lewis Klahr y Janie Geiser
Domingo 3 de junio a las 19.00 horas en la Sala (S). Centro Cultural Ágora.
Geiser y Klahr trazan un mapa de sus influencias e inspiraciones que van más allá del cine de animación para hundir sus raíces en la tradición del cine visionario estadounidense.
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Rear Window – Ernie Gehr. 1986/1991. 16mm. 10 min.
Un estudio de la luz y del movimiento, de inesperados y sutiles matices.
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Dream of a Rarebit Fiend – Edwin Porter and Wallace McCutcheon, written by Windsor McKay. 1906. Vídeo. 7 min.
Surrealismo y comedia se mezclan en este sueño/pesadilla de los albores del cine.
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Snake charmer – Mark Lapore. 16mm. 3 min.
En los films de Lapore cada corte del montaje es un acto de fe. Entre la fé en el mundo fotografíado y una escéptica reticencia.
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The Snowman – Phil Solomon. 1995. 16mm. 8 min.
Los recuerdos de infancia enterrados y devueltos a la vida en una pieza de sobrecogedora belleza lírica.
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Nymphlight – Joseph Cornell. 1957. 16mm. 8 min.
Una luminosa joven, vestida de bailarina, deambula por las calles de Nueva York como un ser de otro mundo. Una de las intervenciones en el cine del artista Joseph Cornell, padre del surrealismo norteamericano.
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Valse Triste – Bruce Conner. 1977. 16mm. 6 min.
Una excavación en el imaginario americano de postguerra, y en los vericuetos de la memoria, a ritmo de melancólico vals en esta pieza clásica de found footage.
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I Choose Darkness – Karen Yasinsky. 2009. Vídeo. 9 min.
La vida secreta de la protagonista de Au Hazard Balthazar (Robert Bresson) imaginada en un hipnótico film de marionetas.
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Martina’s Playhouse – Peggy Ahwesh. 1989. Vídeo. 20 min.
En este film Martina, la niña del título, oscila entre los roles de narradora, lectora y actriz, y entre los papeles de bebe y de madre. Ahwesh dinamita a base de Super 8 esa construcción ficticia que llamamos feminidad.
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Fistfight – Robert Breer. 1964. 16mm. 9 min.
Presentada junto con Originale, de Stockhausen, en 1964, Fistfight convierte los recuerdos familiares en abstracción, entremezclándolos con colores y texturas.
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Scotch Tape – Jack Smith. 1962. 16mm. 3 min.
Aprovechando los huecos del rodaje de Star Spangled to Death, de Ken Jacobs, Smith “tomó prestada” su cámara para hacer este inspirado y lunático baile entre las ruinas.
