Entre chiens et Loups (Jean-Gabriel Périot, 2007)Inspired by a lesson from Erik Satie; a film in the form of a street - Castro Street running by the Standard Oil Refinery in Richmond, California... switch engines on one side and refinery tanks, stacks and buildings on the other- the street and film, ending at a red lumber company. All visual and sound elements from the street, progressing from the beginning to the end of the street, one side is black-and-white (secondary), and one side is color- like male and female elements. The emergence of a long switch- engine shot (black-and-white solo) is to the filmmaker the essential of consciousness. (1)
Baillie: Castro Street took about three months of solid work. [...] (it) was made by the most horrendous effort of intellectualization and intuition combined, using the back and the front of the brain simultaneously, which blew my fuses for life. When I was editing Castro Street, I would come out of my morning editing session around noon to lie in the sun and eat, and people I lived with in the commune would pass by, and I couldn't recognize them. [...] (2)
Barbara Hammer
Dyketactics (Barbara Hammer, 1974)Saul Levine incisively distills the whirlwind of domestic protest, social revolution, and increasing public disillusionment over a protracted, bloody, and inextricable Vietnam War that defined the atmosphere of late 60s American culture in his magnum opus, New Left Note, a film inspired in part by his tenure as editor for - and complemented the ideals of - the progressive Students for a Democratic Society publication, New Left Notes. Levine juxtaposes seemingly irresolvable images of inertia and action, isolation and solidarity that reinforce his penchant for aesthetic hyperactivity - rapid intercutting, disorienting quick pans, and looping, reinforcing imagery - with sequences composed of visually longer takes and more stable, implicitly voyeuristic gaze that subvert the stasis of the images (and made all the more jarring in their discontinuity through the visibility of cement splices): initially, of an impromptu, distanciated metafilm (a soundless, low-resolution recording of Richard Nixon televised broadcast speech), then subsequently, an intimate, occasionally unfocused, and borderline transgressive image of the off-screen filmmaker and a resting young woman in varying stages of physical intimacy while traveling on a bus (perhaps returning from a protest march on Washington DC). In contrast to the adrenalized saturation of his autobiographical sketch, Note to ... films, Levine's images in New Left Notes reflect a more deliberate (and deliberative) approach to filmmaking as a tool for social change - a visceral chronicle of creative expression and cultural consciousness.
As editor of New Left Notes, the newspaper of Students for a Democratic Society (SDS), Levine was at the center of multiple radical political movements. For this film, he employs a rapid fire editing style to create a frenetic, kaleidoscopic portrait of the antiwar movement, women's liberation and the Black Panthers.
'New Left Note' is a study of radical politics in radical film form." - Marjorie Keller
"The life he records is a jumble of demonstrations, fused with the kaleidoscopic fury of memory; its brief reprises include a catnap in the back of a car and a glimpse of a zoo. His incessant, chaotic outpouring of political energy seems less geared to a naive notion of bettering the world than to a perpetual pressure to keep it from getting worse." - P. Adams Sitney, The Village Voice
Trazar un breve repaso histórico de lo que ha sido el cine experimental en España, para intentar hallar las claves de su posible pervivencia en la actualidad, es el propósito de este texto. Si ya resulta complicado de por sí definir qué se entiende por cine experimental en la actualidad, más difícil es delimitarlo a una región geográfica como la española, carente durante muchos años de productoras, distribuidoras y exhibidoras adecuadas, dispuestas a promoverlo...
El universo conceptual de Harun Farocki, dueño de una estética tan propia como ascética, parece desbordar el campo de la Teoría pura del Cine para proponer una reflexión más amplia, que por cierto no excluye a la representación cinematográfica, acerca del estatuto de la Imagen en la sociedad actual. Sus trabajos escritos, sus ensayos, van en el mismo sentido: se trata de asomarse y develar “que se esconde realmente detrás de las imágenes”. Así, asomarse a su obra, implica vislumbrar mucho de lo mejor de la producción teórica contemporánea. Deleuze, Foucault, Barthés, Virilio y tantos otros, deberán ser invocados en estas páginas en correspondencia con las propias citas de Farocki.
Es que los filmes y los escritos de Farocki intentan revelar lo que el Poder tiende a ocultar, el dispositivo que produce las imágenes que vemos y consumimos a diario.
...
Cada filme de Farocki es, en ese sentido, un acto político. No un discurso, no una narración más que, en sus enunciados, termina repitiendo los mismos tópicos, el mismo mecanismo perverso de dominio y control que pretende denunciar. El cine de Farocki constituye un acto de desnudez de las imágenes. La puesta en “videncia”, de su real consistencia, de su eficacia ideológica.
Dodecá
"[Studies in Transfalumination] exploits modified flashlights to explore the visual complexities of the ordinary world. All images were shot in real time; there is no animation."Quien viaje por tierras escocesas, puede disfrutar de una retrospectiva de Peter Rose en la primera) edición del Diversions Film Festival que se celebrará en Edimburgo del 8 al 11 de mayo, y que contará con la presencia del artista.
Al igual que el tren que se acerca de Madrid a Leganés te enseña la trastienda de fábricas y ciudades, ese camino que sólo toma la vía del ferrocarril; la estancia en el psiquiátrico se convierte en una mirada a la sociedad desde bastidores. La locura tiene una fuerza primitiva de revelación: revelación de que lo onírico es real, de que la tenue superficie de la ilusión no tiene límites. Toda la realidad es reabsorbida por la imagen fantástica.
Este documental se ha rodado a lo largo de un año retratando los acontecimientos puntuales de cada estación, los ciclos de los enfermos más jóvenes, la mejoría o rehabilitación de los más sanos y la irreversibilidad de los más viejos.
La película Dyn Amo, el más hipnótico de sus largometrajes consigue un premio en el festival de Toulon en el año 1972 gracias a las mujeres, desamparadas por la apatía de los hombres. En el miserable decorado de un local de strip-tease, inmóviles en posición de voyeurs, cinco hombres se divierten a costa de tres jóvenes en una mezcla de ingenuidad y de aburrimiento, hasta que la cámara arranca de la última bailarina los signos implorantes de "sálvese quien pueda". Inolvidable es la expresión de su rostro que se agrieta al ritmo de una musiquilla persistente compuesta por el genial Gavin Bryars. En el cine de Dwoskin, la comunicación se convierte en una experiencia psíquica. (Maureen Loiret, Cahiers du Cinéma, Junio 2004)
DYN AMO explores aspects of women's slavery, a slavery that involves them in acting out fantasies that have lost whatever social value they had long ago .... DYN AMO may be partially the tale of the creation that runs away with the creator. But it is also revolutionary to the extent that Dwoskin shows these false roles to be escapable. ... And the women in the film remain, despite an environment of which the best that can be said is that it is a parody of itself, despite their acute identity distortion, aware, if not of an alternative, at least of the desperate need for one ... - (Verina Glaessner, Time Out, London)
Dyn Amo is a 'drama' exploring the distinction of a person's self and his/her projection of that self to others; and it is a 'horror movie' tragically suggesting how a projection can become more substantial than the self behind it. Its subjects are role-playing (especially sexual role-playing) and the masochism of playing a role that conforms to others' exploitative interests. - (Stephen Dwoskin)
Berlin Horse (1970)Programa I: Xperimental Eros (73 min)
Días 10 y 20 de Abril
- King Of Porn (Jeff Krulik, Beta SP, 7min, 1996)
- Blue Movie (Mark Street, 16mm, 6min, 1994)
- Sneakin’ And Peekin’ (Tom Palazzolo & Mark Rance, 16mm, 15min, 1976)
- The influence of ocular light perception on metabolism in man and in animal (Thomas Draschan & Stella Friedrichs, 16mm, 5min, 2005)
- Downs Are Feminine (Lewis Klahr, 16mm, 10min, 1993)
- The Color Of Love (Peggy Ahwesh, 16mm, 10min, 1994)
- Sexjunkie (Julia Ostertag, Mini-DV, 9min, 2003)
- Pacifier (Oscar Pérez, 16mm, 11min, 1999)
- Sex Crimes Of The 21st Century (J.X. Williams, 16mm, 10min, 1973/2007)
The Color Of Love(1994) y Downs Are Feminine (1993)
Programa II: Experiments In Terror 2 (75 min)
Días 11 y 27 de Abril
- The Mesmerist (Bill Morrison (con música de Bill Frisell), 35mm, 16min, 2003)
- Between 2 Deaths (Wago Kreider, mini-dv, 7min, 2006)
- The Early 70s Horror Trailer (Damon Packard, Super-8, 9min, 1999)
- Amor Peligrosa (Michelle Silva, mini-DV, 3min, 2002)
- Hold My Scissors (Usama Alshaibi, mini-DV, 5min, 2004)
- Opus 5 (Lloyd M. Williams, 16mm, 5min, 1961)
- The Fear (Angel Nieves, 16mm, 18min, 2001)
- She Sank On The Shallow Bank (Clifton Childree & Nikki Rollason, 16mm, 12min, 2006)She Sank On The Shallow Bank (2006)
Programa III: Anxious Animation (82 min)
Días 12 y 25 de Abril
- Lulu (Lewis Klahr, 16mm, 3min, 1996)
- Altair (Lewis Klahr, 16mm, 8min, 1994)
- Pony Glass (Lewis Klahr, 16mm, 15min, 1997)
- Immer Zu (Janie Geiser, 16mm, 9min, 1997)
- Lost Motion (Janie Geiser, 16mm, 11min, 1999)
- The Bats (Jim Trainor, 16mm, 8min, 1998)
- Moschops (Jim Trainor, 16mm, 13min, 2000)
- Spokes for The Wheel Of Torment (Rodney Ascher, Syd Garon and Eric Henry, Video, 2min, 2004)
- Sneak Attack (Rodney Ascher , Syd Garon and Eric Henry, Video, 4min, 2000)
- Somebody Goofed (Rodney Ascher , Syd Garon and Eric Henry, Video, 9min, 1998)The Pony Glass (1997)
Programa IV: J.X. Williams (60 min)
Días 13 y 18 de Abril
- Psych-Burn (16mm, 3min, 1968)
- Satan Claus (16mm, 3min, 1975)
- The Showdown (16mm, 8min, 1975)
- Peep Show (16mm, 46min, 1965)Psych-Burn (1968)
Portrait #1: Cascadia Terminal (Vanessa Renwick, 2005)Programa I (73 min)
Días 3 y 19 de Abril
- Once Upon A Time (Corinna Schnitt, HD-video, 25min, 2006)
- Regards Libre (Romaní Delante, Francia, 35mm, 11min, 2005. V.O Subtitulado en inglés)
- Una De Electrodomesticos… O No (Emanuele Gerosa, España, DV-cam, 5min, 2006)
- Echo Park (Paul Clipson, USA, Super-8, 9min, 2007)
- La Femme Seule (Brahim Fritah, Francia, 35mm, 23min, 2005. V.O Subtitulado en inglés)
Programa II (78 min)
Días 4 y 26 de Abril
- I´Ll Be Your Eyes, You´Ll Be Mine (Stephen Dwoskin & Keja Ho Kramer, Francia, 47min. 2006. V.O Subtitulado en inglés)
- Sevilla (Olivo Barbieri, Italia, 35mm, 13min, 2006)
- Fiddlers Green (Jean Claude Campbell & Marco Bowald, Suiza, DV-cam, 2min, 2005)
- Le Bal Du Minotaure (Lorenzo Recio, Francia, 35mm, 10min, 1997)
- Portrait #I. Cascadia Terminal (Vanessa Renwick, USA, 16mm, 6min, 2005)
Programa III (83 min)
Días 5 y 24 de Abril
- Sao Paulo-Citytellers (Francesco Jodice, Italia/Brasil, 48min, 2006. V.O Subtitulado en inglés)
- Sun And Death Travel Together (Frank Beauvais, Francia, 35mm, 12min, 2006)
- Living A Beautiful Life (Corina Schnitt, Alemania, Betacam SP, 13min, 2003)
- High Plains Winter (Cindy Stillwell Ringling, USA, 10min, 2006)
Programa IV (72 min)
Día 6 de Abril
- Listen (Aldo Tambellini & Anthony Tenczar, USA, 17min, 2004)
- Il Mostro Verde (Tonino De Bernardi y Paolo Menzio, Italia, video, 23min, 1967)
- Firm (Axel Koenzen, Alemania, 35mm, 10min. 2006. V.O Subtitulado en inglés)
- Monstre (Antoine Barraud, Francia, 20min, 2005)
- Clean (Geoffrey Engelbrecht, Suiza, DVpal, 2min, 2005)
Programa V (96 min)
Días 17 de Abril
- La Reducazione (Davide Alfonsi/Alessandro Fusto/Denis Malaligno, Italia, mini-DV, 96min, 2006. V.O Subtitulado en inglés)
Lives of Performers (1972)Rainer es una figura clave en la historia de las vanguardias neoyorquinas tanto a través de sus textos como de su praxis. Sus filmes Lives of Performers (1972), Film About a Woman Who… (1974), Kristina Talking Pictures (1976), Journeys from Berlin/1971 (1980) y The Man Who Envied Women (1985) poseen mayor rigor intelectual que la mayoría de las películas independientes. Aunque presentan una estructura aparentemente narrativa, son formalmente complejas. El paso de la danza al cine le permitió explorar lo emocional desde el género más extravagante y popular, el melodrama. A mediados de los noventa ya había producido doce películas, algunas de ellas en forma de cortometrajes mudos para performances multimedia que incluimos en esta selección.
También forman parte de este ciclo obras como Privilege (1991) y MURDER and murder (1996), donde la directora examina espacios fundamentales de la vida cotidiana de las mujeres. Premiada en el festival de Cine de Berlín de 1997 y en el Festival de Cine Gay y Lésbico de Miami en 1999, MURDER… es la primera película de Rainer tras hacer pública su condición de lesbiana en 1991. Dado que buena parte de su obra trata sobre las mujeres (en especial su vida cotidiana), el cuerpo y la identidad, Rainer ha sido considerada por muchos teóricos del cine como “el modelo de cineasta feminista” incluso antes de que la propia artista se identificara con algunos aspectos de este movimiento.
Sus películas retan los límites que separan la ficción, el documental y la animación, y en todas se percibe su background en Bellas Artes, hecho que se constata por su inclusión en colecciones de arte, exhibiciones, así como en la distribución de cine, festivales y los programas de televisión.
Paul Bush (Londres, 1956) estudió Bellas Artes en Goldsmiths College. Ha impartido conferencias y ha sido tutor en numerosos escuelas de arte y cine en todo el mundo, incluyendo el Media Academy de Colonia, el Netherlands Institute of Animation Films, el CalArts de California, Centro Sperimentale di Cinematografia de Turin, HGK Lucerne de Suiza, Royal College of Arts, y el National Film and Television School en Gran Bretaña.
While Darwin Sleeps (2004)
The rumour of true things (1996)
Pas de deux de deux (2001)"Homage to Michael Snow's environmental sculpture 'Blind.' The film proposes analogies, in imitation of 3 historic montage styles, for three perceptual modes mimed by that work." - Hollis FramptonMás info sobre Hollis Frampton.
Cynthia Madansky"The hallucinatory aspect of imagery is certainly inherent in my work and in the ideas relevant to my work." (Belson) has also insisted on the solid, perceptual reality his films recreate: "I first have to see the images somewhere, within or without or somewhere. I mean I don't make them up." Belson made that statement in the late 1960s, shortly after he had completed Samadhi , whose title (from Mahayana Buddhism) refers to the total union between the mind and its object of contemplation, a mental state that can be achieved only in the most advanced stages of meditation. In a later interview, Belson said, "[Samadhi] is intended to be a real documentary representation, as accurately as it was possible to make, of a real place and a real visual phenomenon that I perceived—just as I am looking at you right now."
Samadhi (1967)Since the early 1970s, however, his films have been more consciously shaped by his concerns with "art making," as he puts it.[24] They have also revealed an increased interest in imagery of the outer world, or as Belson said in 1978, "The distinction between an external scene perceived in the usual way and the scene perceived with the inner eye is very slight to me."
Fountain of Dreams (1984)The film that according to Belson "relates more to human physical perception than [his] other films" is Allures ...Allures might almost be a textbook illustration of many of the elements Siegel isolates in his study of hallucinations. Points of colored light cluster into circles and spirals wheeling in empty space. Light travels across the screen in lattice- and weblike structures... Sometimes these mandalas of light are geometrically precise constellations of tiny glittering dots; at other times they are pulsating disks and halos of misty, glowing colors.
Allures (1961)Belson's increasing tendency to minimize distinctions between the physical light of the outer world and the mental light of the inner world is especially apparent in Light . "The film," he says, "portrays light simultaneously as both a spectrum of physical phenomena and as corresponding states of consciousness. It is an expression of light as a physiological and psychological substance."
Light (1973)Cynthia Madansky es una directora de cine con base en Nueva York. Ha viajado intensamente y vivido en Oriente Medio y Turquía. Su trabajo en cine tiene forma híbrida, alternando categorías de experimental, documental y arte político. Su trabajo se asemeja a lo que la vanguardista Maya Deren describió como “documentales del interior” comprometiéndose con asuntos de forma visual mientras se interroga sobre materias de política histórica o actual mezclándolo con vivencias personales. Su trabajo más reciente incluye: The PSA project (16mm, super8, video, 3 min cada uno, 2005/6), quince cortometrajes, que protestan contra la ocupación de América en Irak. Still Life (35mm, 15 min, 2005) un cortometraje experimental premiado que analiza la ocupación de Israel en Palestina a través de una serie de preguntas retóricas. Devotion (2004) un diario de viaje en Estambul retratando los rituales de la devoción encontrados en el amor, nacionalismo e Islam. Elle (16mm, 15 min) una película experimental sobre la intimidad entre cuatro mujeres en un paisaje industrial.
Otras películas son Treyf (16mm, 54 min), We at her (Super8, 8 min), Internal combustión and past perfect (16mm, 43 min).
Actualmente está trabajando en el guión de un largometraje llamado Chinaland, un documental experimental sobre el Centro para el Libre Pensamiento en Khan Younis, Gaza y una película rodada en el desierto de Nuevo Méjico sobre munición nuclear.
Still life, 2004“Using a Lena Horne song that was banned in the United States, Alvarez constructs a powerful montage on racial discrimination in the USA…. The film is impressive not only for the resourcefulness with which it uses its found materials, including pirated newsreels, but also for the syncopation of the editing, which intensifies the insistence of the song itself.”
El primer fragmento me recuerda mucho inicialmente a la pieza de Raban Thames Barrier: la pantalla aparece dividida en tres cuadros, presentandonos un tríptico de la misma escena, en la que cada cuadro nos presenta una hora del día o clima distinto de la misma escena. Mientras que la obra de Raban estaba realizada con múltiples cámaras sincronizadas prácticamente fijas, Rose va más allá, girando la cámara sobre su eje en rotación casi continua (puede que Rose utilice por ello una sóla cámara y realice el trabajo de división en cuadros en el montaje, pero lo desconozco).
En el fragmento Witness, partiendo de una escena del avistamiento de un eclipse de sol, Rose compone un mosaico de imágenes en movimiento, en las que juega con las variaciones de luz del eclipse. Rose utilizó esta técnica, aunque con un efecto e intenciones completamente distintos, en su obra anterior Analogies: studies in the movement of time (1977).
Rose tiene a la venta dos recopilaciones en DVD de su obra, ambas absolutamente recomendables. De momento sólo están disponibles contactando directamente con el autor.Rumpelstilzchen is not an exercise in meaningful, gratuitous deconstruction or recontextualisation; material distortions layer and abstract the images, the narrative is a fragmented, hazy, hallucinatory drama as images and voices loop and echo. This emphasises and reawakens the disturbing Gothic strangeness of the folk story. Imbued with a darker German romanticism filtered through post-industrial detritus, Rumpelstilzchen is in the time-honoured folkloric tradition of writing over; contemporary in its retelling, retaining traces of its earlier form. Steven Ball - Senses of Cinema
Peter Kubelka y Arnulf Rainer
Inauguration of the Pleasure Dome, 1954
