En el último programa de "Soy cámara", Pioneras del cine: Al margen de la industria, Marta Sureda Costa e Ingrid Guardiola (creadoras del proyecto La dimensió poc coneguda. Pioneres del cinema) nos proponen "una mirada al inconsciente colectivo femenino" a través de la nunca suficientemente conocida obra de Alice Guy, Germaine Dulac, Lois Weber, Maya Deren, Marie Menken, Gunvor Nelson, Abigail Child... entre muchas otras. Una breve, necesariamente fragmentaria pero intensa mirada, que esperamos se extienda en nuevos capítulos.
lunes, junio 30, 2014
Sonidos en diáspora. El cine del Black Audio Film Collective
Durante la primera mitad del mes de julio, el Museo Reina Sofia nos presenta una retrospectiva de la obra apenas vista en España del Black Audio Film Collective. Fundado por John Akomfrah, Reece Auguiste, Lina Gopaul, Trevor Mathison, David Lawson, Edward George y Claire Joseph, este colectivo interdisciplinar formado por perfiles tan dispares como cineastas, artistas sonoros o sociólogos e influenciados por el teórico cultural Stuart Hall, utilizan el cine como medio de lucha para replantear las posiciones de la sociedad negra, los inmigrantes y la colonización en la Inglaterra thatcheriana de primeros de los 80.
2 julio 2014, 19h
Sesión 1. Expeditions
- Signs of Empire (Color, sonido, 20’50’’, 1982-84)
- Images of Nationality (Color, sonido, 22’44’’, 1982-84)
Ambos proyectos fílmicos constituyen Expeditions, trabajo inaugural del Black Audio Film Collective pensado en dos partes. Expeditions participa de un deliberado hermetismo así como del uso de la alegoría de las prácticas artísticas de comienzos de la década de 1980. Tanto Signs of Empire como Images of Nationality incluyen aspectos habituales en las obras del colectivo: la dimensión sonora de la imagen, la remezcla audiovisual del archivo y la presencia del texto como escritura colectiva. Signs of Empire parte de Roland Barthes y su Empire of Signs, con la pretensión de mostrar los signos históricos del colonialismo, mientras que Images of Nationality plantea la continuidad del mito de la nación.
3 julio 2014, 19h
Sesión 2.
- Handsworth Songs (Color, sonido, 60’, 1986)
A comienzos de 1985 se suceden en Handsworth (Birmingham) y Brixton (Londres) una serie de protestas raciales y laborales que culminan con la muerte de una anciana negra y de un policía blanco. La película une los disturbios civiles a una historia múltiple de la desposesión cuyas raíces se adentran en las contradicciones del pasado colonial, conectando con la crisis económica e industrial de esos años. Usando la tradición del documental reformista británico (John Grierson, Humphrey Jennings o Basil Wright) junto al archivo de la presencia (y ausencia) negra en el Reino Unido, Handsworth Songs concluye en que cualquier sentido ha de buscarse fuera del reportaje informativo. Las canciones del título no hacen referencia a la musicalidad de la película, sino que invocan a una idea actualizada de documental, concebido como montaje poético de asociaciones.
9 julio 2014, 19h
Sesión 3.
- Twilight City (Color, sonido, 52’, 1989)
Ensayo documental en forma epistolar que narra la historia de una joven que, desde Londres, escribe a su madre en la isla de Dominica. En sus cartas cuenta los cambios que sufre la ciudad durante la remodelación de los Docklands. La película intercala este paisaje social y psíquico de la ciudad como un espacio simbólico en el que la transformación de la faz urbana por la afluencia financiera confluye con las esperanzas y decepciones tras la diáspora africana. Este espacio íntimo, con ecos del News from home de Chantal Akerman, es intercalado con los debates en la esfera pública, en los que sociólogos, activistas e historiadores dibujan un nuevo territorio urbano mapeado por los límites raciales y culturales. Un lugar con gente existiendo en proximidad, pero viviendo en diferentes mundos, comenta Paul Gilroy.
Twilight City (1989)
10 julio 2014, 19h
Sesión 4.
- Who Needs a Heart (Color, sonido, 78’, 1991)
Producida por Channel Four, esta película explora la historia del Black Power británico a través de la figura borrosa de Michael Abdul Malik, el anti-héroe contracultural y activista central del movimiento. Sin embargo, la narración mantiene la distancia con esta figura histórica, trazando su biografía a través de documentos de radio y televisión complementados con las vidas otros de otros participantes en el movimiento. El sonido de Trevor Mathison está concebido para producir un deliberado extrañamiento ante la imagen. Who Needs a Heart propone una narración en fragmentos, con flashbacks y saltos adelante, incorporando la ficción como un teatro de cámara poscolonial, en palabras de Kobena Mercer, apoyándose en la música, la calle y el arte para reclamar una genealogía de la negritud.
Who Needs a Heart (1991)
16 julio 2014, 19h
Sesión 5.
- The Last Angel of History (Color, sonido, 45’, 1995)
Situado entre la teoría crítica y la ciencia-ficción, el Data-Thief, un trasunto del ángel de la historia de Walter Benjamin interpretado por Edward George (miembro del colectivo), viaja al pasado para ensamblar los fragmentos de información que le permitan descifrar el futuro. La presencia del viaje cósmico y de la iconografía del alien en la música de Sun Ra, Lee Perry o George Clinton es interpretada como una metáfora de la diáspora y de la alteridad del sujeto negro en la sociedad blanca. El free-jazz o la electrónica negra imaginan así un futuro inevitablemente condenado a ser pasado.
The Last Angel of History (1995)
2 julio 2014, 19h
Sesión 1. Expeditions
- Signs of Empire (Color, sonido, 20’50’’, 1982-84)
- Images of Nationality (Color, sonido, 22’44’’, 1982-84)
Ambos proyectos fílmicos constituyen Expeditions, trabajo inaugural del Black Audio Film Collective pensado en dos partes. Expeditions participa de un deliberado hermetismo así como del uso de la alegoría de las prácticas artísticas de comienzos de la década de 1980. Tanto Signs of Empire como Images of Nationality incluyen aspectos habituales en las obras del colectivo: la dimensión sonora de la imagen, la remezcla audiovisual del archivo y la presencia del texto como escritura colectiva. Signs of Empire parte de Roland Barthes y su Empire of Signs, con la pretensión de mostrar los signos históricos del colonialismo, mientras que Images of Nationality plantea la continuidad del mito de la nación.
Signs of Empire (1982)
3 julio 2014, 19h
Sesión 2.
- Handsworth Songs (Color, sonido, 60’, 1986)
A comienzos de 1985 se suceden en Handsworth (Birmingham) y Brixton (Londres) una serie de protestas raciales y laborales que culminan con la muerte de una anciana negra y de un policía blanco. La película une los disturbios civiles a una historia múltiple de la desposesión cuyas raíces se adentran en las contradicciones del pasado colonial, conectando con la crisis económica e industrial de esos años. Usando la tradición del documental reformista británico (John Grierson, Humphrey Jennings o Basil Wright) junto al archivo de la presencia (y ausencia) negra en el Reino Unido, Handsworth Songs concluye en que cualquier sentido ha de buscarse fuera del reportaje informativo. Las canciones del título no hacen referencia a la musicalidad de la película, sino que invocan a una idea actualizada de documental, concebido como montaje poético de asociaciones.
Handsworth Songs (1986)
9 julio 2014, 19h
Sesión 3.
- Twilight City (Color, sonido, 52’, 1989)
Ensayo documental en forma epistolar que narra la historia de una joven que, desde Londres, escribe a su madre en la isla de Dominica. En sus cartas cuenta los cambios que sufre la ciudad durante la remodelación de los Docklands. La película intercala este paisaje social y psíquico de la ciudad como un espacio simbólico en el que la transformación de la faz urbana por la afluencia financiera confluye con las esperanzas y decepciones tras la diáspora africana. Este espacio íntimo, con ecos del News from home de Chantal Akerman, es intercalado con los debates en la esfera pública, en los que sociólogos, activistas e historiadores dibujan un nuevo territorio urbano mapeado por los límites raciales y culturales. Un lugar con gente existiendo en proximidad, pero viviendo en diferentes mundos, comenta Paul Gilroy.
Twilight City (1989)10 julio 2014, 19h
Sesión 4.
- Who Needs a Heart (Color, sonido, 78’, 1991)
Producida por Channel Four, esta película explora la historia del Black Power británico a través de la figura borrosa de Michael Abdul Malik, el anti-héroe contracultural y activista central del movimiento. Sin embargo, la narración mantiene la distancia con esta figura histórica, trazando su biografía a través de documentos de radio y televisión complementados con las vidas otros de otros participantes en el movimiento. El sonido de Trevor Mathison está concebido para producir un deliberado extrañamiento ante la imagen. Who Needs a Heart propone una narración en fragmentos, con flashbacks y saltos adelante, incorporando la ficción como un teatro de cámara poscolonial, en palabras de Kobena Mercer, apoyándose en la música, la calle y el arte para reclamar una genealogía de la negritud.
Who Needs a Heart (1991)16 julio 2014, 19h
Sesión 5.
- The Last Angel of History (Color, sonido, 45’, 1995)
Situado entre la teoría crítica y la ciencia-ficción, el Data-Thief, un trasunto del ángel de la historia de Walter Benjamin interpretado por Edward George (miembro del colectivo), viaja al pasado para ensamblar los fragmentos de información que le permitan descifrar el futuro. La presencia del viaje cósmico y de la iconografía del alien en la música de Sun Ra, Lee Perry o George Clinton es interpretada como una metáfora de la diáspora y de la alteridad del sujeto negro en la sociedad blanca. El free-jazz o la electrónica negra imaginan así un futuro inevitablemente condenado a ser pasado.
The Last Angel of History (1995)lunes, febrero 10, 2014
Nancy Holt (1938-2014)
Sin palabras.
Swamp (Robert Smithson & Nancy Holt, 1969)
Boomerang (Richard Serra & Nancy Holt, 1974)
Nancy Holt: Photoworks
UP AND UNDER (Nancy Holt, 1998)
 |
| Sun Tunnels (Nancy Holt, 1976) |
 |
| East Coast West Coast (Robert Smithson & Nancy Holt, 1969) |
Swamp (Robert Smithson & Nancy Holt, 1969)
Boomerang (Richard Serra & Nancy Holt, 1974)
Nancy Holt: Photoworks
UP AND UNDER (Nancy Holt, 1998)
martes, febrero 04, 2014
CA2M: El cine revelado
El Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles) inaugura el próximo domingo 9, 18:30h, el ciclo "El cine revelado", que comisariado por el equipo de Playtime Audivisuales con la colaboración de Abraham Rivera, nos ofrece un acercamiento al cine desde el punto de vista de otras artes y prácticas performativas. Como resume programa a través de la cita de Hollis Frampton, «Emancipado de la foto-impresión y disociado de su aparato técnico, el cine transciende su historia y se abre a otros campos».
El programa se inicia con una doble sesión a cargo de Javi Álvarez y Esperanza Collado, quien estrenará su nueva performance.
Recién velado (merienda escénica), de Javi Álvarez
Una charla interactiva donde de forma lúdica el polifacético Javi Álvarez hablará sobre procesos de experimentación del audiovisual partiendo del uso de tecnologías sencillas, dispositivos obsoletos, ingeniería doméstica, circuit bending y detrito digital en general. Javi Álvarez investiga en torno a los procesos low fi y el «amateurismo» como estrategia crítica a los usos estandarizados de las nuevas tecnologías en el audiovisual contemporáneo. «Esto va de transformar algo viejo en algo nuevo y buscar lo desconocido entre lo conocido».
Ensayos de la evaporación (We only guarantee the dinosaurs), de Esperanza Collado
Partiendo de las posibilidades escultóricas de la materialidad del cine, se plantean tres líneas de trabajo correlacionadas: la manipulación directa que ofrece la fisicidad del celuloide, la indagación de nuevos modelos de presentación del material fílmico y su resonancia en el espacio, y la articulación de la presencia del cuerpo en la experiencia cinemática. La pieza se sitúa entre la performance y la instalación, en donde un conjunto de piezas fílmicas de naturaleza efímera se combinan con la puesta en escena de acciones concretas que complementan las proyecciones. El conjunto explora el fenómeno de la proyección luminosa en tanto que formación volumétrica y gaseosa, mientras el cine es descarrilado y objeto de pespunte. Entre medias, ambos artistas ofrecerán una obra de continuidad al alimón para deleite del público asistente. También merendaremos.
Imágenes de Ensayos de la evaporación (Esperanza Collado, 2013)
El programa se inicia con una doble sesión a cargo de Javi Álvarez y Esperanza Collado, quien estrenará su nueva performance.
Recién velado (merienda escénica), de Javi Álvarez
Una charla interactiva donde de forma lúdica el polifacético Javi Álvarez hablará sobre procesos de experimentación del audiovisual partiendo del uso de tecnologías sencillas, dispositivos obsoletos, ingeniería doméstica, circuit bending y detrito digital en general. Javi Álvarez investiga en torno a los procesos low fi y el «amateurismo» como estrategia crítica a los usos estandarizados de las nuevas tecnologías en el audiovisual contemporáneo. «Esto va de transformar algo viejo en algo nuevo y buscar lo desconocido entre lo conocido».
Ensayos de la evaporación (We only guarantee the dinosaurs), de Esperanza Collado
Partiendo de las posibilidades escultóricas de la materialidad del cine, se plantean tres líneas de trabajo correlacionadas: la manipulación directa que ofrece la fisicidad del celuloide, la indagación de nuevos modelos de presentación del material fílmico y su resonancia en el espacio, y la articulación de la presencia del cuerpo en la experiencia cinemática. La pieza se sitúa entre la performance y la instalación, en donde un conjunto de piezas fílmicas de naturaleza efímera se combinan con la puesta en escena de acciones concretas que complementan las proyecciones. El conjunto explora el fenómeno de la proyección luminosa en tanto que formación volumétrica y gaseosa, mientras el cine es descarrilado y objeto de pespunte. Entre medias, ambos artistas ofrecerán una obra de continuidad al alimón para deleite del público asistente. También merendaremos.
Imágenes de Ensayos de la evaporación (Esperanza Collado, 2013)
sábado, febrero 01, 2014
LCE: 100% Cinema
La Casa Encendida retoma el nombre del ciclo "100% cinema" para presentar una serie de proyecciones de carácter mensual donde el protagonista será el propio medio del celuloide, proyectando obras desarrolladas en y para este medio. El ciclo se inicia el próximo fin de semana del 8-9 de febrero con dos sesiones:
Esculturas de luz, cuerpos sonoros (sábado 8 de febrero, 20h) estará dedicada presentar la obra de Alberto Cabrera Bernal. El programa, cuyo contenido no ha sido aún revelado, "incluirá ejercicios de percepción sonora prescindiendo de la imagen, y permitirá al público manipular algunos de los rollos originales en 16 mm antes de su proyección."
Paisajes desvelados (domingo 9 de febrero, 19h) es una sesión comisariada por el equipo de la editora Angular (cuya presentación de los títulos seleccionados prevista para hoy, se ha postergado al próximo 12 de febrero). En este programa podremos ver una serie de piezas que buscan construir perspectivas fílmicas que revelen la riqueza visual del paisaje, desvelando la capacidad perceptiva del espectador, es uno de los motivos principales del conjunto de piezas seleccionadas en esta sesión. Representando escenarios urbanos y entornos naturales mediante técnicas analógicas –específicamente cinematográficas–, los cineastas escogidos descubren un mundo sensorial de impresiones luminosas, horizontes frondosos y puntos de fuga clarividentes. Múltiples exposiciones, travellings ópticos, cámaras estenopeicas y trabajos estructurales a partir del fotograma- visualizan unos espacios artificiales de naturaleza fascinante."
- Bouquets 11-20 (Rose Lowder, Francia, 2005-2009, 14’, muda, 16mm)
- Shibuya-Tokyo (Tomonari Nishikawa, Japón, 2010, 10’, 16mm)
- In the Shadow of Marcus Mountain (Robert Schaller, EE.UU., 2011. 5' 30’’, muda, 16mm)
- Trees of Syntax, Leaves of Axis (Daïchi Saïto, Canadá, 2009, 10’, 35mm)
- Vertigo Rush (Johann Lurf, Austria, 2007, 19’, 35mm)
Las variaciones Schwitters (Alberto Cabrera Bernal, 2012)
Esculturas de luz, cuerpos sonoros (sábado 8 de febrero, 20h) estará dedicada presentar la obra de Alberto Cabrera Bernal. El programa, cuyo contenido no ha sido aún revelado, "incluirá ejercicios de percepción sonora prescindiendo de la imagen, y permitirá al público manipular algunos de los rollos originales en 16 mm antes de su proyección."
Cuatro maneras de definir el cine. Alberto Cabrera Bernal, por Celeste Araújo
Vertigo Rush (Johann Lurf, 2007)
Paisajes desvelados (domingo 9 de febrero, 19h) es una sesión comisariada por el equipo de la editora Angular (cuya presentación de los títulos seleccionados prevista para hoy, se ha postergado al próximo 12 de febrero). En este programa podremos ver una serie de piezas que buscan construir perspectivas fílmicas que revelen la riqueza visual del paisaje, desvelando la capacidad perceptiva del espectador, es uno de los motivos principales del conjunto de piezas seleccionadas en esta sesión. Representando escenarios urbanos y entornos naturales mediante técnicas analógicas –específicamente cinematográficas–, los cineastas escogidos descubren un mundo sensorial de impresiones luminosas, horizontes frondosos y puntos de fuga clarividentes. Múltiples exposiciones, travellings ópticos, cámaras estenopeicas y trabajos estructurales a partir del fotograma- visualizan unos espacios artificiales de naturaleza fascinante."
- Shibuya-Tokyo (Tomonari Nishikawa, Japón, 2010, 10’, 16mm)
- In the Shadow of Marcus Mountain (Robert Schaller, EE.UU., 2011. 5' 30’’, muda, 16mm)
- Trees of Syntax, Leaves of Axis (Daïchi Saïto, Canadá, 2009, 10’, 35mm)
- Vertigo Rush (Johann Lurf, Austria, 2007, 19’, 35mm)
miércoles, enero 22, 2014
Xcèntric: Selecciones de enero-marzo 2014
La decimotercera temporada de la veterana Xcèntric lleva ya unas semanas iniciada, pero me gustaría llamar la atención sobre una serie de programas que hacen a esta edición más que destacable (ojo, sin desmerecer al resto).
- Este próximo jueves 23 de enero, a las 20h se proyecta Charmed particles, de Andrew Noren, cuarto largometraje de su serie The Adventures of the Exquisite Corpse. La obra de Noren es, por desgracia, escasamente mostrada, quizás aún más desde que esta fuese adquirida por el MoMA. Se pueden contar con los dedos de las manos las proyecciones de los últimos años, por lo que esta es una ocasión más que memorable.
- El 6 de febrero, 'Una cámara propia' presentará la obra de la veterana y nunca suficientemente valorada Ute Aurand. Centrado en una selección de sus últimas películas (aunque su filmografía daría para varias sesiones, sin bajar en ningún momento la calidad), el programa pondrá en juego a la cineasta berlinesa con las influencias de Margaret Tait y Marie Menken. De esta última se proyectará la inacabada rareza The Gravediggers of Guadix (1961). La proyección contará con la presencia de Ute.
- En tercer lugar, el explosivo programa del 6 de marzo, 'Descargas escópicas', unirá en una sola sesión el clásico Epileptic Seizure Comparison (1976) de Paul Sharits y Full Moon Darkness (1985), primer largometraje del cinealquimista y fotógrafo Carl E. Brown. Sobre Sharits poco hay más que añadir, y sobre mi admirado Brown, mejor lo dejo en boca de Hoolboom:
Charmed Particles (Andrew Noren, 1978)
- Este próximo jueves 23 de enero, a las 20h se proyecta Charmed particles, de Andrew Noren, cuarto largometraje de su serie The Adventures of the Exquisite Corpse. La obra de Noren es, por desgracia, escasamente mostrada, quizás aún más desde que esta fuese adquirida por el MoMA. Se pueden contar con los dedos de las manos las proyecciones de los últimos años, por lo que esta es una ocasión más que memorable.
"Si uno piensa en la cámara de cine como un instrumento con el que un cineasta puede componer e interpretar música visual, Noren bien pudiera ser el más consumado maestro de la música visual que tengamos." - Scott McDonald
Paulina (Ute Aurand, 2011)
- El 6 de febrero, 'Una cámara propia' presentará la obra de la veterana y nunca suficientemente valorada Ute Aurand. Centrado en una selección de sus últimas películas (aunque su filmografía daría para varias sesiones, sin bajar en ningún momento la calidad), el programa pondrá en juego a la cineasta berlinesa con las influencias de Margaret Tait y Marie Menken. De esta última se proyectará la inacabada rareza The Gravediggers of Guadix (1961). La proyección contará con la presencia de Ute.
Fragment of a filmmaker's work: Ute Aurand and Margaret Tait, Entrevista con Federico Rossin.
Full Moon Darkness (1985)
- En tercer lugar, el explosivo programa del 6 de marzo, 'Descargas escópicas', unirá en una sola sesión el clásico Epileptic Seizure Comparison (1976) de Paul Sharits y Full Moon Darkness (1985), primer largometraje del cinealquimista y fotógrafo Carl E. Brown. Sobre Sharits poco hay más que añadir, y sobre mi admirado Brown, mejor lo dejo en boca de Hoolboom:
Painting the Light Fantastic: Carl Brown, por Mike Hoolboom
martes, enero 21, 2014
Visiones Contemporáneas: Albert Alcoz
"Visiones Contemporáneas" es el nombre del proyecto que los chicos de Playtime Audiovisuales llevan a cabo en colaboración con el DA2 de Salamanca, con el objetivo de presentar las últimas tendencias del cine y vídeo nacional. En su cuarta entrega, desde el 24 de enero y hasta el 4 de mayo, VC dedica su espacio a la obra del cineasta, investigador y veterano bloguero Albert Alcoz. La exposición VC#004 presentará cinco de sus últimas obras, que proponen una reflexión "sobre la naturaleza de la imagen en movimiento, planteando rupturas narrativas que remarcan reiteradamente el carácter plástico y matérico de los diferentes soportes audiovisuales utilizados".
Programa:
- Preludio (Color, sonido. Súper 8. 2011. 3’)
Documentación de un edificio emblemático de la ciudad de Barcelona. El Pabellón alemán proyectado por Mies van der Rohe en 1929, es el objeto de estudio de esta pieza rodada en formato subestándar. Cambiando las velocidades de filmación y variando la obertura del diafragma el filme introduce un elemento externo delante del objetivo que hace fluir los elementos estructurales de la construcción arquitectónica.
- Weird War (Blanco y negro y color, sonido, Súper 8. 2011, 9’)
Película de found footage que recupera un documental en súper 8 de la Segunda Guerra Mundial. Utilizando técnicas del cine sin cámara el filme muestra explosiones en el cielo al revés, soldados heridos y borrados, perforaciones sobre el celuloide e imágenes abstractas pintadas. La banda sonora está construida a partir de una voz en off distorsionada, música transformada en ruidos incómodos y sonidos de aviones despegando. Todo ello conforma el sinsentido de la guerra.
- Definición (Blanco y negro, sin sonido, 16 mm. 2013, 3’)
Un acercamiento al paisaje urbano desde un punto de vista inusual. Aprovechando las opciones mecánicas del medio, se representan un conjunto de planos del barrio de Williamsburg en Brooklyn que transforman el enfoque, el equilibrio, la profundidad de campo y la definición tanto de la imagen como del entorno.
- B.S. A.S a 24 FPS (Blanco y negro, sin sonido, Súper 8. 2013, 3’)
Una documentación de la ciudad de Buenos Aires (Argentina) a 24 fotogramas por segundo. Filmando fotograma a fotograma o mediante ráfagas veloces de fotogramas, esta breve pieza de experimentación formal registra escenarios emblemáticos de la ciudad, sus barrios, sus colectivos y su gente desde un punto de vista cinemático inevitablemente acelerado.
- Time To Search (Color, sonido, Vídeo HD. 2013, 27’)
Documentación de un proceso de búsqueda realizado en la ciudad de Nueva York. Partiendo de un suceso concreto emitido en un medio televisivo local, el vídeo indaga sobre la naturaleza de la imagen digital como herramienta útil para la observación y la representación, tanto de la gente como del entorno urbano.
El programa de la muestra está disponible a través de este enlace.
Preludio (Albert Alcoz, 2011)
- Preludio (Color, sonido. Súper 8. 2011. 3’)
Documentación de un edificio emblemático de la ciudad de Barcelona. El Pabellón alemán proyectado por Mies van der Rohe en 1929, es el objeto de estudio de esta pieza rodada en formato subestándar. Cambiando las velocidades de filmación y variando la obertura del diafragma el filme introduce un elemento externo delante del objetivo que hace fluir los elementos estructurales de la construcción arquitectónica.
Weird War (Albert Alcoz, 2011)
- Weird War (Blanco y negro y color, sonido, Súper 8. 2011, 9’)
Película de found footage que recupera un documental en súper 8 de la Segunda Guerra Mundial. Utilizando técnicas del cine sin cámara el filme muestra explosiones en el cielo al revés, soldados heridos y borrados, perforaciones sobre el celuloide e imágenes abstractas pintadas. La banda sonora está construida a partir de una voz en off distorsionada, música transformada en ruidos incómodos y sonidos de aviones despegando. Todo ello conforma el sinsentido de la guerra.
- Definición (Blanco y negro, sin sonido, 16 mm. 2013, 3’)
Un acercamiento al paisaje urbano desde un punto de vista inusual. Aprovechando las opciones mecánicas del medio, se representan un conjunto de planos del barrio de Williamsburg en Brooklyn que transforman el enfoque, el equilibrio, la profundidad de campo y la definición tanto de la imagen como del entorno.
B.S. A.S a 24 FPS (Albert Alcoz, 2013)
- B.S. A.S a 24 FPS (Blanco y negro, sin sonido, Súper 8. 2013, 3’)
Una documentación de la ciudad de Buenos Aires (Argentina) a 24 fotogramas por segundo. Filmando fotograma a fotograma o mediante ráfagas veloces de fotogramas, esta breve pieza de experimentación formal registra escenarios emblemáticos de la ciudad, sus barrios, sus colectivos y su gente desde un punto de vista cinemático inevitablemente acelerado.
- Time To Search (Color, sonido, Vídeo HD. 2013, 27’)
Documentación de un proceso de búsqueda realizado en la ciudad de Nueva York. Partiendo de un suceso concreto emitido en un medio televisivo local, el vídeo indaga sobre la naturaleza de la imagen digital como herramienta útil para la observación y la representación, tanto de la gente como del entorno urbano.
Time To Search (Albert Alcoz, 2013)
El programa de la muestra está disponible a través de este enlace.
Self/Xperiencias
Este miércoles 22 de enero, a las 20:30h en la Cineteca, y dentro del espacio mensual que programa la asociación Docma, podremos visionar la "Carta blanca a Blogs&Docs", un programa comisariado por los fundadores de la seminal revista Miquel Martí Freixas y Elena Oroz. En esta carta blanca los veteranos programadores agrupan diversos cortometrajes de realizadoras que exploran el concepto de identidad, tanto individual como colectiva, con un “giro subjetivo de la no ficción y la etnografía doméstica, en un momento de gran visibilidad para el documental independiente en la que quizás algunas de ellas no han gozado de la atención que merecen”.
Programa:
- Bata por fuera (mujer por dentro) de Claudia Brenlla (17′/ 2008)
- Sempre una estranya de Laia Ramos (5′/ 2008)
- Ja tornes a gravar de Francina Verdes (30′/ 2008)
- Mi hermana y yo de Virginia García del Pino (10′/ 2009)
- Backup de Pilar Álvarez (6′/ 2013)
Proyección con presentación y coloquio a cargo de Miquel Martí Freixas, Elena Oroz y Pilar Álvarez
Bata por fuera (mujer por dentro) (Claudia Brenlla, 2008)
Mi hermana y yo (Virginia García del Pino, 2009)
Ja tornes a gravar (Francina Verdes, 2008)
Programa:
- Bata por fuera (mujer por dentro) de Claudia Brenlla (17′/ 2008)
- Sempre una estranya de Laia Ramos (5′/ 2008)
- Ja tornes a gravar de Francina Verdes (30′/ 2008)
- Mi hermana y yo de Virginia García del Pino (10′/ 2009)
- Backup de Pilar Álvarez (6′/ 2013)
Proyección con presentación y coloquio a cargo de Miquel Martí Freixas, Elena Oroz y Pilar Álvarez
domingo, octubre 06, 2013
100% cinema
El próximo 8 de octubre se inicia en La Casa Encendida el ciclo '100% Cinema', actividad paralela a su exposición "Frederick Kiesler: El escenario explota", que durante todos los martes de octubre y noviembre explorará la relación de Kiesler con el cine,a través de sus diversas facetas como programador, director, actor o arquitecto. En el ecléctico ciclo comisariado por Gonzalo de Pedro y Miguel Fernández Labayen se podrán ver desde clásicas piezas de la vanguardia europea de los años 20, obras esenciales de Peter Kubelka y Stan Brakhage, documentales sobre arquitectura de Heinz Emigholz o Thom Andersen, o la singular obra maestra de Michael Snow, La région centrale (1971). El ciclo finalizará una performance del cineasta y también arquitecto Bruce McClure, creada ex-profeso para esta ocasión, quien impartirá además a finales de noviembre un taller sobre cine expandido.
Martes 8 de octubre, 22h
Homenaje a Kiesler programador de cine
Esta sesión es un homenaje al papel de programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos.
En 1975, Lillian Kiesler, viuda de Frederick, encontró en su casa de campo una serie de latas con películas de Vikking Eggeling, Hans Richter, Walter Ruttmann y la copia original de Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Con la ayuda de Jonas Mekas y del Anthology Film Archives, se pudieron restaurar y volver a proyectar. Esta sesión es un homenaje al papel como programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos. Cierra el pase Witch's cradle, película filmada por Maya Deren en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim, diseñada por Frederick Kiesler.
- Der Sieger, de Walter Ruttmann. Alemania, 1922. 5´.
- Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Francia, 1924. 16´.
- One A.M., de Charles Chaplin. EE.UU., 1916. 21´.
- The fall of the House of Usher, de James Sibley Watson y Melville Webber. EE.UU., 1928. 13´.
- Witch's cradle, de Maya Deren. EE.UU., 1943. 12´.
La sesión tendrá lugar en el Patio con copias en 16 mm y música en directo de Abel Hernández (El Hijo).
Martes 15 de octubre, 20h
Dreams that money can buy
Ambiciosa película episódica que cuenta con el mejor reparto que un vanguardista podría soñar: Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray, Alexander Calder, Darius Milhaud y Férnand Léger.
- Dreams that money can buy (Sueños que el dinero puede comprar), de Hans Richter. EE.UU., 1947. 99´. 16 mm. VOSE
Una serie de secuencias oníricas sirven como despliegue plástico de algunos de los mejores artistas del siglo XX, que mezclan las atmósferas oníricas con pasajes propios del cine negro o el fantástico.
Producida por Art of This Century Corporation, de Peggy Guggenheim.
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements (Hans Richter y Jean Cocteau, 1957)
Martes 22 de octubre, 20h
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau
Descrita por el propio Richter como "parte Freud, parte Lewis Carroll", la película es una exploración de los misterios del subconsciente aplicado a la creación basándose en el juego del ajedrez.
- 8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau. EE. UU., 1957. 80´. 16 mm VOSE.
Profundamente involucrado en los movimientos de vanguardia, y con evidente sentido lúdico, Frederick Kiesler se prestó a participar como actor en la película de Cocteau y Richter junto a nombres prominentes del arte del momento como Yves Tanguy, Marcel Duchamp, Max Ernst o Alexander Calder.
Martes 29 de octubre, 20h
Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz y Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine
Una película sobre dos proyectos emblemáticos de Kiesler y otra sobre un edificio de uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas.
Continuando con su serie Fotografía y más allá, H. Emigholz trata de entender, a través de las imágenes, el trabajo visionario de Kiesler. Para ello Emigholz filma dos de sus proyectos: la maqueta para la Casa sin fin, nunca construida, y el Santuario del libro, ubicado en el Museo de Israel, en Jerusalén. Espacios en proyecto y espacios reales que culminan en la película de Ila Béka y Louise Lemoine dedicada a uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas, realizada siguiendo el trabajo diario de la encargada de limpieza de un edificio diseñado por Koolhaas.
- Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz. Alemania, 2009. 16´. VOSE
- Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine. Francia, 2008. 60´. VOSE
Adebar (Peter Kubelka, 1957)
Martes 5 de noviembre, 20h
Minhocão, de Raphaël Grisey, y Reconversão, de Thom Andersen
¿Qué fue de las arquitecturas utópicas? ¿En qué se han convertido los espacios con los que la arquitectura soñó mejorar la vida del ser humano?
La película de Raphaël Grisey, Minhocão, recorre el Conjunto Habitacional Pedregulho, un complejo de viviendas sociales edificadas en 1946 en Rio de Janeiro y diseñadas por Affonso Eduardo Reidy. Mientras, Thom Andersen filma diecisiete edificios y proyectos de Eduardo Souto de Moura. Dos acercamientos cinematográficos a dos imposibles: el de la arquitectura como espacio de transformación social, y el del cine como vehículo para retratar el espacio arquitectónico.
- Minhocão, de Raphaël Grisey. Francia/Brasil, 2010. 31´. VOSE
- Reconversão, de Thom Andersen. Portugal, 2012. 65´. VOSE
Martes 12 de noviembre, 20h
Adebar y Arnulf Rainer, de Peter Kubelka, y Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage
En 1970, Peter Kubelka diseñó la sala Invisible Cinema del Anthology Film Archives, con unos patrones cercanos a las ideas de Kiesler, quien afirmaba que "el cine ideal es la casa del silencio".
En sus películas, Kubelka despliega sus teorías sobre el cine métrico, según las cuales el cine es una proyección de imágenes fijas, siendo el fotograma la unidad mínima de significado. Acompaña la sesión una de las películas más interesantes de Stan Brakhage, una demostración del poder emotivo de la música en el cine.
- Adebar, de Peter Kubelka. Austria, 1957. 2´. VOSE
- Arnulf Rainer, de Peter Kubelka. Austria, 1960. 7´. VOSE
- Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage. EE. UU.,1990. 49´. VOSE
Martes 19 de noviembre, 20h
La Région Centrale, de Michael Snow
Sin duda, una película que conecta, a su manera, las teorías de Kiesler sobre el espacio y su atención a los movimientos cinematográficos más avanzados.
- La Région Centrale, de Michael Snow. Canadá, 1971. 180´. VOSE
Michael Snow construyó para esta película un brazo retráctil con la intención de poder mover la cámara 360º y explorar el espacio. El resultado es una de las experiencias cinematográficas más radicales, que se ha convertido en una película de culto, raramente proyectada. En palabras de Snow, se trata de "la conversación de la materia en energía"
Martes 26 de noviembre, 21h
Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure
Las performances de McClure se han convertido en un acto brutal de energía cinematográfica. Un acontecimiento único.
- Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure.
Kiesler solía hablar del cine como de una máquina voladora óptica. Hoy en día, seguramente sea el arquitecto y cineasta Bruce McClure uno de los artistas que está investigando las posibilidades sónicas y lumínicas del cine de manera más radical.
Ballet Mécanique (Fernand Léger y Dudley Murphy, 1924)
Martes 8 de octubre, 22h
Homenaje a Kiesler programador de cine
Esta sesión es un homenaje al papel de programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos.
En 1975, Lillian Kiesler, viuda de Frederick, encontró en su casa de campo una serie de latas con películas de Vikking Eggeling, Hans Richter, Walter Ruttmann y la copia original de Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Con la ayuda de Jonas Mekas y del Anthology Film Archives, se pudieron restaurar y volver a proyectar. Esta sesión es un homenaje al papel como programador y divulgador cinematográfico de Frederick Kiesler, con una colección de películas que Kiesler programó en Europa y Estados Unidos. Cierra el pase Witch's cradle, película filmada por Maya Deren en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim, diseñada por Frederick Kiesler.
- Der Sieger, de Walter Ruttmann. Alemania, 1922. 5´.
- Ballet Mécanique, de Fernand Léger y Dudley Murphy. Francia, 1924. 16´.
- One A.M., de Charles Chaplin. EE.UU., 1916. 21´.
- The fall of the House of Usher, de James Sibley Watson y Melville Webber. EE.UU., 1928. 13´.
- Witch's cradle, de Maya Deren. EE.UU., 1943. 12´.
La sesión tendrá lugar en el Patio con copias en 16 mm y música en directo de Abel Hernández (El Hijo).
Martes 15 de octubre, 20h
Dreams that money can buy
Ambiciosa película episódica que cuenta con el mejor reparto que un vanguardista podría soñar: Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray, Alexander Calder, Darius Milhaud y Férnand Léger.
- Dreams that money can buy (Sueños que el dinero puede comprar), de Hans Richter. EE.UU., 1947. 99´. 16 mm. VOSE
Una serie de secuencias oníricas sirven como despliegue plástico de algunos de los mejores artistas del siglo XX, que mezclan las atmósferas oníricas con pasajes propios del cine negro o el fantástico.
Producida por Art of This Century Corporation, de Peggy Guggenheim.
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements (Hans Richter y Jean Cocteau, 1957)
Martes 22 de octubre, 20h
8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau
Descrita por el propio Richter como "parte Freud, parte Lewis Carroll", la película es una exploración de los misterios del subconsciente aplicado a la creación basándose en el juego del ajedrez.
- 8x8: A Chess Sonata in 8 Movements, de Hans Richter y Jean Cocteau. EE. UU., 1957. 80´. 16 mm VOSE.
Profundamente involucrado en los movimientos de vanguardia, y con evidente sentido lúdico, Frederick Kiesler se prestó a participar como actor en la película de Cocteau y Richter junto a nombres prominentes del arte del momento como Yves Tanguy, Marcel Duchamp, Max Ernst o Alexander Calder.
Martes 29 de octubre, 20h
Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz y Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine
Una película sobre dos proyectos emblemáticos de Kiesler y otra sobre un edificio de uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas.
Continuando con su serie Fotografía y más allá, H. Emigholz trata de entender, a través de las imágenes, el trabajo visionario de Kiesler. Para ello Emigholz filma dos de sus proyectos: la maqueta para la Casa sin fin, nunca construida, y el Santuario del libro, ubicado en el Museo de Israel, en Jerusalén. Espacios en proyecto y espacios reales que culminan en la película de Ila Béka y Louise Lemoine dedicada a uno de los arquitectos más reputados: Rem Koolhaas, realizada siguiendo el trabajo diario de la encargada de limpieza de un edificio diseñado por Koolhaas.
- Two Projects by Frederick Kiesler, de Heinz Emigholz. Alemania, 2009. 16´. VOSE
- Koolhaas HouseLife, de Ila Bêka y Louise Lemoine. Francia, 2008. 60´. VOSE
Adebar (Peter Kubelka, 1957)Martes 5 de noviembre, 20h
Minhocão, de Raphaël Grisey, y Reconversão, de Thom Andersen
¿Qué fue de las arquitecturas utópicas? ¿En qué se han convertido los espacios con los que la arquitectura soñó mejorar la vida del ser humano?
La película de Raphaël Grisey, Minhocão, recorre el Conjunto Habitacional Pedregulho, un complejo de viviendas sociales edificadas en 1946 en Rio de Janeiro y diseñadas por Affonso Eduardo Reidy. Mientras, Thom Andersen filma diecisiete edificios y proyectos de Eduardo Souto de Moura. Dos acercamientos cinematográficos a dos imposibles: el de la arquitectura como espacio de transformación social, y el del cine como vehículo para retratar el espacio arquitectónico.
- Minhocão, de Raphaël Grisey. Francia/Brasil, 2010. 31´. VOSE
- Reconversão, de Thom Andersen. Portugal, 2012. 65´. VOSE
Martes 12 de noviembre, 20h
Adebar y Arnulf Rainer, de Peter Kubelka, y Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage
En 1970, Peter Kubelka diseñó la sala Invisible Cinema del Anthology Film Archives, con unos patrones cercanos a las ideas de Kiesler, quien afirmaba que "el cine ideal es la casa del silencio".
En sus películas, Kubelka despliega sus teorías sobre el cine métrico, según las cuales el cine es una proyección de imágenes fijas, siendo el fotograma la unidad mínima de significado. Acompaña la sesión una de las películas más interesantes de Stan Brakhage, una demostración del poder emotivo de la música en el cine.
- Adebar, de Peter Kubelka. Austria, 1957. 2´. VOSE
- Arnulf Rainer, de Peter Kubelka. Austria, 1960. 7´. VOSE
- Passage Through: A Ritual, de Stan Brakhage. EE. UU.,1990. 49´. VOSE
Michael Snow junto a la máquina construída para rodar La Région Centrale (1971)
Martes 19 de noviembre, 20h
La Région Centrale, de Michael Snow
Sin duda, una película que conecta, a su manera, las teorías de Kiesler sobre el espacio y su atención a los movimientos cinematográficos más avanzados.
- La Région Centrale, de Michael Snow. Canadá, 1971. 180´. VOSE
Michael Snow construyó para esta película un brazo retráctil con la intención de poder mover la cámara 360º y explorar el espacio. El resultado es una de las experiencias cinematográficas más radicales, que se ha convertido en una película de culto, raramente proyectada. En palabras de Snow, se trata de "la conversación de la materia en energía"
Martes 26 de noviembre, 21h
Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure
Las performances de McClure se han convertido en un acto brutal de energía cinematográfica. Un acontecimiento único.
- Performance: Los disparates: ¿Quién pondrá el cascabel al gato?, de Bruce McClure.
Kiesler solía hablar del cine como de una máquina voladora óptica. Hoy en día, seguramente sea el arquitecto y cineasta Bruce McClure uno de los artistas que está investigando las posibilidades sónicas y lumínicas del cine de manera más radical.
lunes, septiembre 23, 2013
Luke Fowler. Sentido común
Del 27 de septiembre al 3 de noviembre se podrá visionar en La Casa Encendida la exposición "Luke Fowler. Sentido común". Comisariada por Andy Davies, en ella podremos ver tres de las últimas obras del cineasta escocés, tres retratos muy personales de figuras tan dispares como el historiador E.P.Thompson (The poor stockinger, the luddite cropper and the deluded followers of Joanna Southcott, 2012), el psiquiatra R.D.Laing (All Divided Selves, 2011) o el músico de vanguardia Cornelius Cardew (particular obsesión últimamente de Beatrice Gibson) (Pilgrimage From Scattered Points, 2006) y su Scratch Orchestra. En estos documentales tan poco al uso, Fowler mezcla metraje de archivo con filmaciones propias, aplicando a cada uno de ellos una particular concepción sonora.
Presentación de la exposición por Luke Fowler y Andy Davies el jueves 26 de septiembre, 19h.
The Poor Stockinger, the Luddite Cropper and the Deluded Followers of Joanna Southcott (Luke Fowler, 2012)
Presentación de la exposición por Luke Fowler y Andy Davies el jueves 26 de septiembre, 19h.
Pilgrimage From Scattered Points (Luke Fowler, 2012)
The Poor Stockinger, the Luddite Cropper and the Deluded Followers of Joanna Southcott (Luke Fowler, 2012)
sábado, septiembre 21, 2013
Después de los márgenes
Bajo el título de "Después de los márgenes. Tentativas sobre el otro cine en España", el ICAA y el Museo Reina Sofía organizan los próximos días 27 y 28 de septiembre un seminario sobre ese cine 'fuera de la industria', que parece estar viviendo un momento dulce en España. Una estupenda oportunidad para conocer y debatir sobre este cine que muy a su pesar sigue siendo definido en función y oposición al mainstream. Con la participación de Carlos Muguiro (Punto de Vista), Miquel Martí Freixas (Blogs&Docs), Jean Pierre Rehm (FID Marsella), Laura Gómez Vaquero (DocumentaMadrid) y los realizadores Andrés Duque y Elías León Siminiani.
Sesión 1: 27 septiembre, 2013
18-19h: Carlos Muguiro. El otro cine y el cine de lo otro
En 2001 la película Los otros de Alejandro Amenábar se convirtió en la más taquillera de la historia del cine español y pareció señalar el nuevo camino “desacomplejado e internacional” de la primera generación de cineastas del siglo XXI. Diez años después, la referencia a ‘los otros’ identifica paradójicamente a una regeneración cinematográfica que, llamativamente, nada tiene que ver con aquella propuesta. Podríamos decir que, a día de hoy, son los espectros los que habitan realmente el caserón del cine español. La referencia a los nuevos caminos del cine español como ‘el otro cine’ rescata un concepto tradicional de la vanguardia: el concepto de la otredad, entendido, siguiendo a Octavio Paz, como extrañeza, estupefacción, parálisis del ánimo: asombro. La pregunta que plantea este encuentro es si eso que se llama ‘el otro cine español’ es realmente un cine de ‘lo otro’.
19-20h: Jean Pierre Rehm. Las nuevas formas del documental
20-20:30h: Mesa redonda. Carlos Muguiro y Jean Pierre Rehm.
Sesión 2: 28 septiembre, 2013
18-19h: Miquel Martí Freixas. Espacios de crítica, difusión y visibilidad. Algunas cuestiones para el futuro
En España se lleva a cabo desde hace más de una década un audiovisual fuera de la producción industrial, herencia también de épocas pasadas. Este “nuevo” audiovisual eclosiona gracias a los medios digitales y se difunde en buena medida a través de la red, donde están apareciendo espacios pioneros de crítica y difusión. Por primera vez, coincidiendo con la crisis de modelos culturales, se le presta una atención poco habitual, lo cual contribuye a situar todo este amplio, y a veces contradictorio, espacio audiovisual en una encrucijada aún por definir.
19-20:15h: Formación, visibilidad y circuitos
Mesa redonda con Andrés Duque y Elías León Siminiani. Modera: Laura Gómez Vaquero
Másters de creación documental, productoras de cine independiente, festivales de cine especializados, salas de cine, espacios culturales, museos, centros de arte, plataformas de difusión y exhibición digitales e incluso redes sociales… La producción, promoción, distribución y legitimación de cierto cine documental con vocación experimental en España pasa por la recurrencia a una gran variedad de espacios y estrategias. Este encuentro con Andrés Duque y Elías León Siminiani, dos de los cineastas insignia de ese “otro cine” en la actualidad, desvela algunas de las claves más relevantes para entender por qué nuevos (y viejos) ámbitos transcurre éste.
20:15-21h: Preguntas y respuestas: Andrés Duque , Elías León Siminiani, Miquel Martí Freixas y Laura Gómez Vaquero
Ensayo final para utopía (Andrés Duque, 2012)
Sesión 1: 27 septiembre, 2013
18-19h: Carlos Muguiro. El otro cine y el cine de lo otro
En 2001 la película Los otros de Alejandro Amenábar se convirtió en la más taquillera de la historia del cine español y pareció señalar el nuevo camino “desacomplejado e internacional” de la primera generación de cineastas del siglo XXI. Diez años después, la referencia a ‘los otros’ identifica paradójicamente a una regeneración cinematográfica que, llamativamente, nada tiene que ver con aquella propuesta. Podríamos decir que, a día de hoy, son los espectros los que habitan realmente el caserón del cine español. La referencia a los nuevos caminos del cine español como ‘el otro cine’ rescata un concepto tradicional de la vanguardia: el concepto de la otredad, entendido, siguiendo a Octavio Paz, como extrañeza, estupefacción, parálisis del ánimo: asombro. La pregunta que plantea este encuentro es si eso que se llama ‘el otro cine español’ es realmente un cine de ‘lo otro’.
19-20h: Jean Pierre Rehm. Las nuevas formas del documental
20-20:30h: Mesa redonda. Carlos Muguiro y Jean Pierre Rehm.
Mapa (León Siminiani, 2012)
Sesión 2: 28 septiembre, 2013
18-19h: Miquel Martí Freixas. Espacios de crítica, difusión y visibilidad. Algunas cuestiones para el futuro
En España se lleva a cabo desde hace más de una década un audiovisual fuera de la producción industrial, herencia también de épocas pasadas. Este “nuevo” audiovisual eclosiona gracias a los medios digitales y se difunde en buena medida a través de la red, donde están apareciendo espacios pioneros de crítica y difusión. Por primera vez, coincidiendo con la crisis de modelos culturales, se le presta una atención poco habitual, lo cual contribuye a situar todo este amplio, y a veces contradictorio, espacio audiovisual en una encrucijada aún por definir.
19-20:15h: Formación, visibilidad y circuitos
Mesa redonda con Andrés Duque y Elías León Siminiani. Modera: Laura Gómez Vaquero
Másters de creación documental, productoras de cine independiente, festivales de cine especializados, salas de cine, espacios culturales, museos, centros de arte, plataformas de difusión y exhibición digitales e incluso redes sociales… La producción, promoción, distribución y legitimación de cierto cine documental con vocación experimental en España pasa por la recurrencia a una gran variedad de espacios y estrategias. Este encuentro con Andrés Duque y Elías León Siminiani, dos de los cineastas insignia de ese “otro cine” en la actualidad, desvela algunas de las claves más relevantes para entender por qué nuevos (y viejos) ámbitos transcurre éste.
20:15-21h: Preguntas y respuestas: Andrés Duque , Elías León Siminiani, Miquel Martí Freixas y Laura Gómez Vaquero
martes, junio 18, 2013
Oskar Alegría, nuevo director Artístico de Punto de Vista
Tras la excelente labor desarrollada por Carlos Muguiro y Josetxo Cerdán, que han llevado al Festival Punto de Vista a convertirse en un aunténtico referente internacional, ahora es el turno de Oskar Alegría. El realizador navarro (La casa Emak Bakia, 2012), que ocupará el cargo de director artístico durante los próximos cuatro años, llega en un momento difícil para el festival, afectado por los diversos recortes y cambios en el INAAC. Desde aquí le deseamos la mayor de las suertes y que mantenga el espíritu crítico que ha permitido a este festival alcanzar su nivel actual.
Oskar Alegría junto a Ana Herrera, nueva directora ejecutiva
jueves, junio 13, 2013
Angular
Sirva este pequeño post a modo de teaser. Los insignes Albert Alcoz y Alberto Cabrera Bernal se han echado al monte y lanzan lo que va a ser la primera editora de DVDs especializada en cine experimental y videocreación: Angular.. Se darán más detalles y se abrirá la convocatoria el mes que viene.
Actualización: Álbert Alcoz publica más detalles en su imprescindible blog Virionary Film.
viernes, mayo 17, 2013
Picnic Sessions: Guy Sherwin & Lynn Loo
Este próximo jueves 23 de mayo, 21:30h, dentro de la programación de las Picnic Sessions del CA2M, tendremos una sesión imprescindible de performances con varios proyectores a cargo de los británicos Guy Sherwin y Lynn Loo. Quienes no los conozcan, no deben perdérselo, y aquellos que ya pudieron disfrutar de su presencia en la edición 2011 del Festival S8, pueden tener el placer de repetir.
Man with a mirror, de Guy Sherwin. Performance realizada en A Coruña, S8
Sherwin presentará tres piezas: Cycles #3, un poema de luz, ritmo y sonido creado en directo; Musical Stairs, donde el sonido es producido directamente por las imágenes gráficas de la escalera, en una experiencia sinestésica, y su clásico Man with a mirror. Lynn Loo presentará End Rolls, una performance para 4 proyectores y sensores de luz utilizando celuloide a color sin revelar que ha sido expuesto a distintos niveles de luz (una vela, un fuego, luz ambiente, etc...).
End rolls, de Lyunn Loo. Performance realizada en Singapur
lunes, marzo 25, 2013
Desmontaje (Alberto Cabrera Bernal, 2013)
Desmontaje del libro "Desmontaje: film, vídeo/apropiación, reciclaje"
Dimensiones variables dependiendo de su disposición
Alberto Cabrera Bernal, 2013
Dimensiones variables dependiendo de su disposición
Alberto Cabrera Bernal, 2013
lunes, marzo 11, 2013
Festival Play 2013
Como ya es habitual cada año por estas fechas (y que dure), La Casa Encendida nos trae una nueva edición del Festival Play que aúna cine en directo y otras artes. Comisariada como siempre por Andy Davies, los próximos días 14 y 15 de marzo podremos ver diversas formas de manejar e interactuar con el material de archivo, tanto digital como analógico, mezclando disciplinas como la poesía, la música, la performance y la narración en directo.
Jueves 14 de marzo
22.00h - Pressurization y This Time It's Personal, de Heather Phillipson.
Heather Phillipson trabaja en vídeo acompañando sus proyecciones con voz en directo. Sus 'películas habladas' combinan y comentan imágenes encontradas en internet para crear monólogos internos a través de un fluir constante de fotos, gráficos, impresiones y sugerencias. Un movimiento entre la intimidad y la objetividad, lo actual y lo virtual, algo muy cercano a nuestra experiencia contemporánea. Su obra poética ha sido publicada por Faber y Faber y Bloodaxe entre otros.
22.45h - The Dystopia Files, de Mark Tribe con Frédéric D. Oberland.
El guitarrista francés Frédéric d. Oberland (The Rustle of the Stars, FareWell Poetry) toca en directo con proyecciones del archivo audiovisual The Dystopia Files compilado por el artista americano Mark Tribe (fundador de Rhizome y profesor de Media Studies en Brown University). El archivo documenta una década de manifestaciones de todo tipo en distintas ciudades de Estados Unidos, y forma parte del trabajo antropológico de Tribe sobre los rituales del espacio público.
People like us
Viernes 15 de marzo
22.00h - The Third Man de Erik Bünger.
23.00h - Consequences (One Thing Leads To Another) de People Like Us.
Consequences es un juego, el 'cadáver exquisito' de los surrealistas, con el que se construye un relato casi a ciegas a partir de mínimos detalles de una historia anterior. En este performance audiovisual una serie de secuencias fílmicas se juntan para construir una narración a veces maravillosa, a veces catastrófica, pero siempre imprevisible.
Vicki Bennett (People Like Us) es una maestra del arte del collage tanto sonoro como visual. Ha actuado por todo el mundo (Pompidou, Tate Modern, Opera de Sydney) y sus remezclas musicales, en programas como los de John Peel o Mixing It, han tenido más de un millón de descargas.
Pressurization (Heather Phillipson)
Jueves 14 de marzo
22.00h - Pressurization y This Time It's Personal, de Heather Phillipson.
Heather Phillipson trabaja en vídeo acompañando sus proyecciones con voz en directo. Sus 'películas habladas' combinan y comentan imágenes encontradas en internet para crear monólogos internos a través de un fluir constante de fotos, gráficos, impresiones y sugerencias. Un movimiento entre la intimidad y la objetividad, lo actual y lo virtual, algo muy cercano a nuestra experiencia contemporánea. Su obra poética ha sido publicada por Faber y Faber y Bloodaxe entre otros.
22.45h - The Dystopia Files, de Mark Tribe con Frédéric D. Oberland.
El guitarrista francés Frédéric d. Oberland (The Rustle of the Stars, FareWell Poetry) toca en directo con proyecciones del archivo audiovisual The Dystopia Files compilado por el artista americano Mark Tribe (fundador de Rhizome y profesor de Media Studies en Brown University). El archivo documenta una década de manifestaciones de todo tipo en distintas ciudades de Estados Unidos, y forma parte del trabajo antropológico de Tribe sobre los rituales del espacio público.
People like us
Viernes 15 de marzo
22.00h - The Third Man de Erik Bünger.
"Cuando era pequeño mi padre me contó la historia de la película: en una ciudad un hombre busca a otro hombre, todos le dicen que es imposible, que el hombre ha muerto, pero él insiste hasta que un día cree ver su cara en el umbral de una casa. Entonces mi padre se sentó en el piano y empezó a tocar la melodía; desde entonces esta canción me produce una extraña sensación, como si alguien en alguna parte me estuviera observando".The Third Man es una conferencia, un viaje a través del cine de la mano de la película del mismo título protagonizada por Orson Welles y Joseph Cotten. Partiendo de su famosa banda sonora, Erik Bünger construye un sorprendente relato que incorpora sus recuerdos de infancia entre secuencias de Sergio Leone, Julie Andrews y muchas otras películas.
23.00h - Consequences (One Thing Leads To Another) de People Like Us.
Consequences es un juego, el 'cadáver exquisito' de los surrealistas, con el que se construye un relato casi a ciegas a partir de mínimos detalles de una historia anterior. En este performance audiovisual una serie de secuencias fílmicas se juntan para construir una narración a veces maravillosa, a veces catastrófica, pero siempre imprevisible.
Vicki Bennett (People Like Us) es una maestra del arte del collage tanto sonoro como visual. Ha actuado por todo el mundo (Pompidou, Tate Modern, Opera de Sydney) y sus remezclas musicales, en programas como los de John Peel o Mixing It, han tenido más de un millón de descargas.
jueves, marzo 07, 2013
Pere Portabella - Obra completa en DVD
Hablando de Intermedio, evidentemente reseñar la publicación este mes (¡por fin!) del pack con la obra completa de Pere Portabella. Un proyecto que ha pasado ya por varias manos y varios años de periplo, pero que verá finalmente la luz el próximo 27 de marzo en un pack de 7 DVDs en edición trilingue en castellano, inglés y francés. El pack permitrá acceder no sólo a las piezas esenciales de Portabella, sino además a toda su obra en cortometraje que ha sido escasamente difundida hasta ahora.
La obra de Pere Portabella (Figueras, 1927) se sitúa en la encrucijada entre vanguardia,cine y política. Próximo a la sensibilidad surrealista y al conceptualismo (productor de Viridiana de Luis Buñuel en 1962, entre sus colaboradores se cuentan Miró, Brossa y Carles Santos) firma desde finales de los sesenta una de las filmografías más singulares del cine español, alternada con su actividad política como parlamentario y senador. En sus películas, Portabella recurre a estrategias de extrañamiento y dislocación formal tanto para evadir la censura como para potenciar el alcance expresivo las obras, dando lugar a fascinantes simbolizaciones
Intermedio presenta la edición internacional castellano-inglés-francés de la obra completa de uno de los autores clave del cine español contemporáneo, inédito hasta la fecha en DVD.
Contenido:
DVD 1
- No Compteu Amb Els Dits ·1967. Color Y B/N. 26 Min.
- Nocturno 29. 1968. Color Y B/N. 83 Min.
- Lectura Brossa. 2003. Color. 38 Min.
DVD 2
- Vampir – Cuadecuc. 1970. B/N. 75 Min.
- Play Back. 1970. B/N. 8 Min.
- Acció Santos. 1973. Color. 12 Min.
DVD 3
- Umbracle. 1972. Color. 85 Min
- El Sopar. 1974. Color. 50 Min
- Poetes Catalans. 1970. B/N. 30 Min
DVD 4
- Aidez L’Espagne. 1969. B/N Y Color. 5 Min
- Miró L’Altre. 1969. B/N Y Color. 15 Min
- Miró La Forja. 1973. Color. 24 Min
- Miró Tapís. 1973. Color. 22 Min
- Premios Nacionales. 1969. Color. 4 Min
DVD 5
- Informe General Sobre Algunas Cuestiones De Interés Para Una Proyección Pública. 1976. Color. 173 Min
DVD 6
- Puente De Varsovia. 1989. Color. 85 Min
- La Tempesta. 2003. B/N. 6 Min
- No Al No. 2006. Color. 3 Min
- Plan Hidrológico. 2004. Color. 3 Min
DVD 7
- Die Stille Vor Bach. 2007. Color. 102 Min
- Mudanza. 2008. Color. 20 Min
- Uno De Aquéllos. 2010. Color. 3 Min
Duración total: 7 DVD: 869 min.— Tipo de DVD: DVD 5 x 7 — Formato: 1.33:1/ 4:3, 1.66:1 / 16:9 — Zona: 0 — Sonido: Mono 2.0 / Dolby Digital (AC3) — Idiomas: V.O. Castellano, catalán — Subtítulos: Castellano, inglés, francés — Menús: Castellano, inglés, francés
Pequeñas pantallas. Encuentro con Manuel Asín
Este próximo sábado 9 de marzo, la escuela LENS de Artes Visuales (Ronda de Toledo 16, Madrid) dentro de su serie 'Pequeñas pantallas', celebrará un encuentro abierto con Manuel Asín, director editorial de Intermedio DVD. En la charla-coloquio, Asín repasará los ocho años de vida de la editora, hablará del proceso editorial, presentará sus últimas novedades y se proyectarán fragmentos de lanzamientos destacados del sello.
Entrada gratuita hasta completar aforo.
martes, marzo 05, 2013
LCE: Thomas Heise
Tras la retrospectiva que le dedicara el Festival Punto de Vista en su última edición, y que dejará un más que agradable sabor de boca, La Casa Encendida nos trae durante los meses de marzo y abril una amplia retrospectiva del documentalista alemán Thomas Heise. Cada miércoles, comenzando a partir de mañana día 6, podremos ver una amplia selección de la ya larga carrera de este cineasta de la antigua RDA, cuya impresionante Material ganara el gran premio internacional en el FIDMarseille.
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Thomas Heise estará presente en las proyecciones de los días 9 y 10 de abril.
Programación de marzo
Miércoles 6 de Marzo, 20h
Wozu denn über diese Leute einen Film? / Why a Film about such People? (RDA, 1980, 32’, VOSE)
“Junto con dos ejercicios de cinco minutos, Why a Film about such People? sería la única película que haría durante mis años en la Escuela de Cine y Televisión de la República Democrática Alemana. Enseguida fue prohibida y quedó archivada hasta finales de 1989. Cuenta la historia de una madre y sus hijos que, tomando café con tarta, tratan de recordar (sin éxito) cuando fue la primera vez que tuvieron que vérselas con la policía. El motivo por el que fue prohibida fue la naturalidad con que se mostraba a los jóvenes, que vivían su vida al margen de la ideología y a quienes se tomaba como delincuentes de poca monta. Esa naturalidad implicaba que el director aceptaba su existencia como tal y lo único que pretendía era adentrarse en ella.” Thomas Heise
Die Lage / Condition (Alemania, 2012, 74’, VOSE)
En septiembre de 2011, el papa Benedicto XVI viajó a Alemania como parte de un plan para promover la Nueva Evangelización. Visitó la ciudad de Erfurt y un sitio en la región de Eichsfeld, ambos en Turingia. La situación es la esperable. Unas semanas después, en la Basílica de San Pedro, el Papa anunció la decisión de declarar el “Año de la Fe” a partir del 11 de octubre de 2012. “Será una buena oportunidad de llevar a la Iglesia a una época de reflexión y redescubrimiento de la fe” (Guía del viaje apostólico del papa Benedicto XVI, editada por la Secretaría de la Conferencia Episcopal Alemana).
Miércoles 13 de Marzo, 20h
Volkspolizei (RDA, 1985, 60’, VOSE)
“… Instantáneas de un puesto absolutamente normal de la policía popular en Berlín-Mitte, inmediatamente antes del 1 y del 8 de mayo de 1985... Un auténtico eslabón perdido de la historia cinematográfica alemana oriental que demuestra que, más allá del documental oficial, existía un análisis completamente diferente de la realidad encontrada” - Berliner Zeitung, Ralf Schenk.
Mein Bruder / My brother (Alemania, 2005, 57’, VOSE)
“Mi hermano es cocinero. Se fue de la ciudad y dejó atrás su bar favorito en el distrito Prenzlauer Berg de Berlín. Vive en Francia desde hace un año, en la montaña, en la buhardilla de la pensión de Micha e Yvonne. Andreas pensó que moriría allí: tres infartos, una operación, el corazón y nada que perder; pero ahora puede cambiar su opinión. De repente, mi hermano se ha enamorado de Vanina, la esposa del herrero, que tiene tres hijos. Micha financia la pequeña pensión con su trabajo en unidades cardiológicas de Suiza y Alemania. Es técnico cardiólogo. Yvonne se dedicaba a lo mismo, pero ahora quiere tener tiempo para los niños. Mi hermano trabaja con Micha e Yvonne. Les prepara la comida, a ellos y a los huéspedes en temporada de verano. Ahora estamos en octubre y mi visita es corta. Quiero hablar con mi hermano mayor sobre su amigo Micha. El hombre que nos espiaba desde la Stasi. El tema de la película no son los servicios secretos de inteligencia. Es un filme sobre mi hermano y yo. Sobre las cosas de las que no hablamos. Si no fuera éste el tema, no la habría hecho.” Thomas Heise.
Miércoles 20 de Marzo, 20h
Neustadt / Newtown (The State of Things) (Alemania, 2000, 87’, VOSE)
Esta película es una observación de la Alemania de comienzos del nuevo siglo. Historias de la vida de Neustadt (ciudad nueva) y segundo capítulo en la trilogía de Halle-Neustadt. Muchos habitantes se sienten superfluos y no saben cómo superar este sentimiento paralizante. Ocurre tanto en la Alemania del Este como en la del Oeste, sobre todo en aquellas ciudades, paisajes o complejos urbanos que están destinados a desaparecer. Cuando este sentimiento se combina con dos clases de pobreza, la financiera y la intelectual, se desarrollan los movimientos hacia posiciones extremas, como la de los cabezas rapadas.
Miércoles 27 de Marzo, 20h
Eisenzeit / Ironage (Alemania, 1991, 90’)
El proyecto de este film se remonta a 1981, época poco propicia para los proyectos artísticos con voluntad crítica. La expatriación del cantante Wolf Biermann en 1976 había generado una caza de brujas a intelectuales y artistas contestatarios. Heise lo retoma diez años después para retratar qué había sido de los hijos de quienes habían construido la primera ciudad «modelo» del socialismo, Eisenhüttenstadt. "Queremos pensarnos a nosotros mismos, no queremos que nadie nos piense” exclamaría un sobreviviente de ese naufragio.
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Wozu denn über diese Leute einen Film? (Thomas Heise, 1980)
Thomas Heise estará presente en las proyecciones de los días 9 y 10 de abril.
Programación de marzo
Miércoles 6 de Marzo, 20h
Wozu denn über diese Leute einen Film? / Why a Film about such People? (RDA, 1980, 32’, VOSE)
“Junto con dos ejercicios de cinco minutos, Why a Film about such People? sería la única película que haría durante mis años en la Escuela de Cine y Televisión de la República Democrática Alemana. Enseguida fue prohibida y quedó archivada hasta finales de 1989. Cuenta la historia de una madre y sus hijos que, tomando café con tarta, tratan de recordar (sin éxito) cuando fue la primera vez que tuvieron que vérselas con la policía. El motivo por el que fue prohibida fue la naturalidad con que se mostraba a los jóvenes, que vivían su vida al margen de la ideología y a quienes se tomaba como delincuentes de poca monta. Esa naturalidad implicaba que el director aceptaba su existencia como tal y lo único que pretendía era adentrarse en ella.” Thomas Heise
Die Lage / Condition (Alemania, 2012, 74’, VOSE)
En septiembre de 2011, el papa Benedicto XVI viajó a Alemania como parte de un plan para promover la Nueva Evangelización. Visitó la ciudad de Erfurt y un sitio en la región de Eichsfeld, ambos en Turingia. La situación es la esperable. Unas semanas después, en la Basílica de San Pedro, el Papa anunció la decisión de declarar el “Año de la Fe” a partir del 11 de octubre de 2012. “Será una buena oportunidad de llevar a la Iglesia a una época de reflexión y redescubrimiento de la fe” (Guía del viaje apostólico del papa Benedicto XVI, editada por la Secretaría de la Conferencia Episcopal Alemana).
Volkspolizei (Thomas Heise, 1985)
Miércoles 13 de Marzo, 20h
Volkspolizei (RDA, 1985, 60’, VOSE)
“… Instantáneas de un puesto absolutamente normal de la policía popular en Berlín-Mitte, inmediatamente antes del 1 y del 8 de mayo de 1985... Un auténtico eslabón perdido de la historia cinematográfica alemana oriental que demuestra que, más allá del documental oficial, existía un análisis completamente diferente de la realidad encontrada” - Berliner Zeitung, Ralf Schenk.
Mein Bruder / My brother (Alemania, 2005, 57’, VOSE)
“Mi hermano es cocinero. Se fue de la ciudad y dejó atrás su bar favorito en el distrito Prenzlauer Berg de Berlín. Vive en Francia desde hace un año, en la montaña, en la buhardilla de la pensión de Micha e Yvonne. Andreas pensó que moriría allí: tres infartos, una operación, el corazón y nada que perder; pero ahora puede cambiar su opinión. De repente, mi hermano se ha enamorado de Vanina, la esposa del herrero, que tiene tres hijos. Micha financia la pequeña pensión con su trabajo en unidades cardiológicas de Suiza y Alemania. Es técnico cardiólogo. Yvonne se dedicaba a lo mismo, pero ahora quiere tener tiempo para los niños. Mi hermano trabaja con Micha e Yvonne. Les prepara la comida, a ellos y a los huéspedes en temporada de verano. Ahora estamos en octubre y mi visita es corta. Quiero hablar con mi hermano mayor sobre su amigo Micha. El hombre que nos espiaba desde la Stasi. El tema de la película no son los servicios secretos de inteligencia. Es un filme sobre mi hermano y yo. Sobre las cosas de las que no hablamos. Si no fuera éste el tema, no la habría hecho.” Thomas Heise.
Mein Bruder (Thomas Heise, 2005)
Miércoles 20 de Marzo, 20h
Neustadt / Newtown (The State of Things) (Alemania, 2000, 87’, VOSE)
Esta película es una observación de la Alemania de comienzos del nuevo siglo. Historias de la vida de Neustadt (ciudad nueva) y segundo capítulo en la trilogía de Halle-Neustadt. Muchos habitantes se sienten superfluos y no saben cómo superar este sentimiento paralizante. Ocurre tanto en la Alemania del Este como en la del Oeste, sobre todo en aquellas ciudades, paisajes o complejos urbanos que están destinados a desaparecer. Cuando este sentimiento se combina con dos clases de pobreza, la financiera y la intelectual, se desarrollan los movimientos hacia posiciones extremas, como la de los cabezas rapadas.
Miércoles 27 de Marzo, 20h
Eisenzeit / Ironage (Alemania, 1991, 90’)
El proyecto de este film se remonta a 1981, época poco propicia para los proyectos artísticos con voluntad crítica. La expatriación del cantante Wolf Biermann en 1976 había generado una caza de brujas a intelectuales y artistas contestatarios. Heise lo retoma diez años después para retratar qué había sido de los hijos de quienes habían construido la primera ciudad «modelo» del socialismo, Eisenhüttenstadt. "Queremos pensarnos a nosotros mismos, no queremos que nadie nos piense” exclamaría un sobreviviente de ese naufragio.
martes, febrero 26, 2013
Presentación del DVD Muestra Itinerante de Cine Playtime 2007-2012
Mañana, miércoles 27 de febrero, a partir de las 8 de la tarde, el equipo de Playtime Audiovisuales presentará en el espacio Off Limits el DVD conmemorativo elaborado con motivo del quinto aniversario de la Muestra itinerante de cine Playime.
El DVD recoge una selección de 12 piezas escogidas entre las proyectadas en los diversos programas de la muestra, ofreciendo un amplio y diverso abanico del audiovisual contemporáneo español.
Contenido del DVD
- Aprop, de Aitor Echeverría
- Paralelo 10, de Andrés Duque
- Bell and Howell 2146XL, de Ana Rodríguez León
- The only flower, de César Pérez Herranz
- The variations Dielman, de Fernando Franco
- Suena Brillante, de Luis Cerveró
- Texas sunrise, de Lluís Escartín
- Passer 8, de César Pesquera
- El ataque de los robots de Nebulosa – 5, de Chema García Ibarra
- Ich allein auf fremde wegen, de Félix Fernández
- Footnotes to a house of love, de Laida Lertxundi
- Disney attraction highlights Nº 1, de David Domingo
Además, se estrenará un nuevo programa de la muestra, bajo el título de "Los Hipnóticos":
- La melodía del afilador [Pegasvs, Canada, 2012. 16mm. B/N. Sonido. 5’ 35”)
Videoclip realizado por Canada para el grupo Pegasvs, en el que a un ritmo vertiginoso y con un contrastado blanco y negro en esplendoroso 16mm, se superponen diferentes capas y texturas, con intervenciones físicas en el negativo incluidas.
- Na vibración (Lois Patiño, 2012. HD. Color. Sonido. 12’ 15”)
El espectáculo de la naturaleza, a través de un recorrido poético por un paisaje primitivo donde es posible observar los procesos de formación de la Tierra: placas tectónicas, campos de lava, volcanes, cataratas... todo es extremo en su violencia y tamaño. El ser humano, insignificante, se ve desbordado y excluido de este proceso.
- Microkripto [The Space In Between] (Alba G. Corral. 2012. Digital. Color. Sonido. 2’ 31”)
Obra generada digitalmente, a través de Processing, un lenguaje de programación de código abierto, desde el que Alba genera imágenes abstractas y emocionales, que dialogan con los paisajes sonoros, de electrónica melancólica creados por Nikka.
El evento contará además con la celebración de un sorteo sorpresa. Este evento también se celebrará en Barcelona el 8 de Marzo, a las 20h. en NIU, espai artistic contemporani, C/ Almogàvers 208 [M] Llacuna.
El DVD recoge una selección de 12 piezas escogidas entre las proyectadas en los diversos programas de la muestra, ofreciendo un amplio y diverso abanico del audiovisual contemporáneo español.
Contenido del DVD
- Aprop, de Aitor Echeverría
- Paralelo 10, de Andrés Duque
- Bell and Howell 2146XL, de Ana Rodríguez León
- The only flower, de César Pérez Herranz
- The variations Dielman, de Fernando Franco
- Suena Brillante, de Luis Cerveró
- Texas sunrise, de Lluís Escartín
- Passer 8, de César Pesquera
- El ataque de los robots de Nebulosa – 5, de Chema García Ibarra
- Ich allein auf fremde wegen, de Félix Fernández
- Footnotes to a house of love, de Laida Lertxundi
- Disney attraction highlights Nº 1, de David Domingo
Además, se estrenará un nuevo programa de la muestra, bajo el título de "Los Hipnóticos":
- La melodía del afilador [Pegasvs, Canada, 2012. 16mm. B/N. Sonido. 5’ 35”)
Videoclip realizado por Canada para el grupo Pegasvs, en el que a un ritmo vertiginoso y con un contrastado blanco y negro en esplendoroso 16mm, se superponen diferentes capas y texturas, con intervenciones físicas en el negativo incluidas.
- Na vibración (Lois Patiño, 2012. HD. Color. Sonido. 12’ 15”)
El espectáculo de la naturaleza, a través de un recorrido poético por un paisaje primitivo donde es posible observar los procesos de formación de la Tierra: placas tectónicas, campos de lava, volcanes, cataratas... todo es extremo en su violencia y tamaño. El ser humano, insignificante, se ve desbordado y excluido de este proceso.
- Microkripto [The Space In Between] (Alba G. Corral. 2012. Digital. Color. Sonido. 2’ 31”)
Obra generada digitalmente, a través de Processing, un lenguaje de programación de código abierto, desde el que Alba genera imágenes abstractas y emocionales, que dialogan con los paisajes sonoros, de electrónica melancólica creados por Nikka.
El evento contará además con la celebración de un sorteo sorpresa. Este evento también se celebrará en Barcelona el 8 de Marzo, a las 20h. en NIU, espai artistic contemporani, C/ Almogàvers 208 [M] Llacuna.
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