Adiós, Iván

Leo con sorpresa acerca de la muerte esta madrugada de Iván Zulueta, uno de los directores españoles más innovadores y personales. Nos deja maravillas como Arrebato, A MAL GAM A, Frank Stein, Masaje, Leo es pardo...

Dérives número 2

El segundo número de la expcepcional revista+DVD Dérives que saldrá a la venta en Enero, ya puede reservarse. Tras el primer número dedicado a Jean-Claude Rousseau, Dérives numéro 2 autour de Tariq Teguia et Akram Zaatari nos ofrece 'Imágenes, textos y sonidos, trazar los contornos de un territorio contemporáneo, entre el Magreb, Europa y Oriente Medio'.

La Clôture (Tariq Teguia, 2004)

Además de los titulares Tariq Teguia y Akram Zaatari (que servidor confiesa desconocer...), podemos disfrutar de las siempre indispensables Véronique Goël y
Frédérique Devaux, de la se incluye su serie íntegra K.

Apprends-moi (Akram Zaatari, 1996)

Textos:
- Entretiens avec Tariq Teguia
- Entretiens avec Akram Zaatari
- 'Al Youm' de François Cheval
- 'L’art et l’autre image du réel' de Rachida Triki
- 'Images du désastre', de Giancarlo Ricci
- Entretiens avec Véronique Goël
- 'Ici entre Iran et Cuba' y 'Quand le Sang est admis' de Samir Youssef
- 'Hommes en tenues Kabyles', photografías de Soufiane Adel y Angela Terraill
- 'Royaumes du Maroc', serigrapfías de 'Mohammed El Mourid'
- 'La bobine trouvée', texto y photografías de Edouard Beau
- 'Utopie' de Martine Rousset

Soliloque 3 (Véronique Goël, 1992)

DVD:
- La Clôture de Tariq Teguia, 2004, 23’
- Lumière de Akram Zaatari, 1995, 10’
- Apprends-moi de Akram Zaatari, 1996, 6’
- Compte à rebours de Akram Zaatari, 1995, 10’
- Chants de Akram Zaatari, 1995, 6’
- Soliloque 3 de Véronique Goël, 1992, 37’
- La cassette de Soufiane Adel, 2006, 20’
- Série des K de Frédérique Devaux, 2001-2008, 19’
- Two thousand walls (Song for Jayyous) de Peter Snowdon, 2006, 6’
- Résonances de Ismaïl Bahri, 2008, 7’12
- Vues du monde : le regard d’un cinéaste à un point du monde. Films de Waël Noureddine, Dominique Dubosc, Philippe Cote, Ben Russell, Combes & Renaud, Edouard Beau, Miro Soares, Mazen Kerbaj...

Fotograma de la serie K (Frédérique Devaux, 2001-2008)

Se dice, se comenta, se rumorea...

...que el próximo pack de DVDs que Criterion dedicará a Brakhage y verá la luz en unos meses no será la única sorpresa. Tanto este nuevo volumen como el ya mítico By Brakhage serán también editados en Blu-ray.

Por si alguién aún no sabe el contenido del nuevo pack, es el siguiente:

- The Wonder Ring (1955, 16mm, 6 minutos, color, muda)
- The Dead (1960, 16mm, 11 minutos, color, muda)
- Two: Creeley/McClure (1965, 16mm, 3 minutos, color, muda)
- 23rd Psalm Branch (1966-7, 8mm, 69 minutos, color, muda)
- Scenes From Under Childhood (Part One) (1967, 16mm, 24 ½ minutos, color, muda o sonora)
- The Machine of Eden (1970, 16mm, 11 ½ minutos, color, muda)
- Star Garden (1974, 16mm, 22 minutos, color, muda)
- Desert (1976, Super-8mm and 16mm, 18fps, 11 minutos, color, muda)
- The Process (1972, 16mm, 9 minutos, color, muda)
- Burial Path (1978, 16mm, 18fps, 15 minutos, color, muda)
- The Domain of the Moment (1977, 16mm, 15 ½ minutos, color, muda)
- Murder Psalm (1980, 16mm, 18 minutos, color, muda)
- Duplicity III (1980, 16mm, 23 ½ minutos, color, muda)
- Arabic 12 (1981, 16mm, 18fps, 27 minutos, color, muda)
- Visions in Meditation 1-4 (1989-90, 16mm, 71 ½ minutos, color, muda)
- Unconscious London Strata (1981, 16mm, 22 minutos, color, muda)
- Boulder Blues and Pearls And... (1993, 16mm, 23 ½ minutos, color, sonora)
- The Mammals of Victoria (1994, 16mm, 35 ½ minutos, color, muda)
- First Hymn to the Night - Novalis (1994, 16mm, 4 minutos, color, muda)
- I Take These Truths (1995, 16mm, 18 minutos, color, muda)
- The Cat of the Worm's Green Realm (1997, 16mm, 15 ½ minutos, color, muda)
- Yggdrasill: Whose Roots Are Stars in the Human Mind (1997, 16mm, 17 minutos, color, muda)
- Ellipses #5 (1998, 16mm, 16 minutos, color, sonora)
- Persians 1-3 (1999, 16mm, 13 minutos, color, muda)
- Chinese Series (2003, 16mm or 35mm, 2 ½ minutos, black and white, muda)

Imágenes de Murder Psalm (1980), Visions in Meditation 2 (1989) e Yggdrasill: Whose Roots Are Stars in the Human Mind (1997).

Film ist 13: A girl and a gun

En La Casa Encendida, todos los martes de Diciembre a las 20:00h:

Según Jean-Luc Godard, lo único que se necesita para hacer una película es una chica y una pistola. Esta frase le sirve a Gustav Deutsch para resumir su nuevo largometraje, un vertiginoso montaje de imágenes de archivo. Durante cuatro años Deutsch rastreó medio mundo en busca de películas antiguas para luego construir este cautivador relato de las primeras décadas de la cinematografía. Érase una vez un cine que nació en el mundo de la feria, los trucos y los fuegos artificiales (génesis). El mundo de las imágenes en movimiento pronto se llenó de seres felices saltando y corriendo por bosques y playas (paradeisos). Más tarde el hombre reveló su escondite a la mujer y los tiernos besos inauguraron la edad de la mascarada y la actuación (Eros). Pero el deseo se topó con la muerte (Thanatos) para luego dar paso a la conciliación y el conocimiento (symposium). Con estos cinco títulos, prestados de la mitología griega, Gustav Deutsch narra la historia de las primeras cuatro décadas del cine.

Con secuencias procedentes de 11 archivos de todo el mundo ha construido un drama fílmico en cinco actos, un musical que recorre los géneros del cine desde múltiples perspectivas. En su hábil montaje las afinidades escondidas entre ficción, documental, propaganda y películas científicas se revelan en sorprendentes combinaciones y asociaciones. Son precisamente estos lugares comunes de la historia del cine los que vertebran el trabajo de Deutsch. Su capacidad para encontrar nexos, a veces truculentos, a veces sutiles, entre películas tan distintas entre sí, se demuestra en la originalidad de su montaje. También destaca su empeño y perseverancia como investigador, consiguiendo impresionantes imágenes de fuentes poco o nada conocidas como son el Kinsey Institute o El Imperial War Museum. Como viene siendo habitual con Deutsch, la película cuenta con una banda sonora muy especial: desde hace años colabora en sus montajes un grupo de música electrónica de Viena (Fennesz, Siewert y Stangel) cuyas composiciones para la pantalla demuestran una compenetración absoluta entre el sonido y la imagen.

Mesa redonda: Noise speakers

Mesa redonda: “El porqué de un cine bastardo”. Con la intervención de Anders Weberg, Antoni Pinent, Joseph Morder y Jara Rocha. Moderada por Gonzalo de Pedro, comisario del ciclo.

Cuatro cineastas bastardos. Cuatro caminos diferentes dentro de un mismo cine que huye de técnicas, tecnologías y formatos convencionales. Cuatro cineastas en una mesa para compartir sus miradas ruidosas o píxeladas, sus tecnologías caseras, sus inquietudes tecnopolíticas, e intentar dilucidar entre todos el porqué de un cine bastardo, ruidoso, píxelado y al alcance de cualquiera.

Esta tarde a las 20:00h, en La Casa Encendida, Madrid.

Muestra itinerante de found footage Playtime

Nif fin (Albert Alcoz, 2007)

Playtime Audioviduales presenta un programa itinerante con obras recientes de found footage español. Presentando los filmes:

- The End (Fernando Franco)
- Alone (Gerard Freixes)
- Jean Claude Van Dance (Left Hand Rotation)
- La Cosa Nuestra (María Cañas)
- ¿Quién Puede Matar A Un Hombre? (Enrique Piñuel)
- Tabla aeróbica Nº4 (Entrenamiento para pintores) (Gonzalo de Pedro)
- Matar A Hitchcock (Alberto Cabrera)
- Nif Fin (Albert Alcoz)

Matar a Hitchcock (Alberto Cabrera Bernal, 2008)

Fechas:

- 28 de octubre 2009, a las 20.00 horas en Anteneo de Igualada, Carrer de Sant Pau, 9 - Igualada (Barcelona)
- 03 de noviembre 2009, a las 21.00 horas, en Sala el Cachorro - C/ Procurador, 19 - Barrio de Triana - Sevilla
- 06 de noviembre 2009, a las 11.00 horas, en la Facultad de BB.AA. de Bilbao - Barrio de Sarriena s/n - Leioa (Bizkaia)

Entrada libre. Programa comisariado por Playtime Audiovisuales.

LEM: Studio West y Érik Bullot

Este mes de Octubre, en La Enana Marrón, dos interesantes propuestas que parten del género documental como base para explorar otros territorios.

Studio West

Studio West es una asociación independiente que respalda a cineastas en Salzburgo y Austria. La asociación está permanentemente dedicada a ofrecer a sus miembros propuestas especiales. En nuestro estudio tienen la posibilidad de producir de manera económica y de trabajar dentro de un equipo. Studio West es además un socio de confianza en la realización de proyectos creativos de cine a un nivel internacional. Desde que se fundó la asociación en 1993 se han producido docenas de documentales y cortos que han participado en numerosos festivales internacionales.

Programa I (15 y 25 de Octubre)
- In the ghetto. The Roma of Stolipinovo (Hermann Peseckas & Andreas Kraus, Austria, 2008, Video, 80 min). VOSI.
Charla-coloquio con Hermann Peseckas el día 15 de Octubre.

Programa II (16 de Octubre y 1 de Noviembre)
- Bis zum letzten tröpferl (Karin Helml, Austria. 2002, Video, 23 min). VOSI.
- Rosa tage wartet nicht (Andreas Baumgartner, Austria, 2005, Video, 60 min). VOSI.
Charla-coloquio con Hermann Peseckas y Karin Helm el día 16 de Octubre..

In the ghetto. The Roma of Stolipinovo (Hermann Peseckas & Andreas Kraus, 2008)

Programa III (17 y 30 de Octubre)
- Engin boxt sich durch (Hermann Peseckas, Austria, 2007, Video, 40min). VOSI.
- ...I und... (Sina Moser, Austria, 2006, Video, 58 min, 2006). VOSI.
Charla-coloquio con Hermann Peseckas y Karin Helm el día 17 de Octubre.

Programa IV (18 de Octubre)
- Ich erzähl dir von mir (Petra Hinterberger, Austria, 2006, Video. 83 min). VOSI.
Charla-coloquio con Hermann Peseckas y Karin Helm el día 18 de Octubre.

Bis zum letzten tröpferl (Karin Helml, 2002)

Lengua y geografía: Érik Bullot

¿Cuál es el vínculo entre las lenguas y la geografía? Esta pregunta se repite una y otra vez en las películas presentadas en estos dos programas. ¿Cómo transmitir pensamientos sin desplazarse (Telepatía)? ¿Cómo hacer una crónica filmada de tus propios viajes (The Pencil of Nature)? ¿Cómo jugar con idiomas imaginarios (Glossolalia)? ¿Cómo filmar a tu hijo con el resquemor del tiempo que pasa (Tohu-bohu)? ¿Cuál es la relación entre tres ciudades (Barcelona, Génova y Marsella) y cuatro idiomas (Tres caras)?

Estas películas están situadas a medio camino entre el ensayo y la ficción, el documental y el diario filmado. Son objetos paradójicos, o incluso irónicos. Las relaciones entre los temas son a veces lúdicas. Las figuras propuestas son muchas veces irónicas. Lo que domina es la función poética.

Programa I (23 y 31 de Octubre)
- Telepathie (Érik Bullot, Francia, 2009, video, 6 min). VOSE.
- The pencil of nature (Érik Bullot, Francia, 2009, video, 20 min). VOSE.
- Glossolalie (Érik Bullot, Francia, 2005/07, video, 26 min). VOSE.
Charla-coloquio con Érik Bullot el día 23 de octubre.

Telepathie (Érik Bullot, 2009)

Programa II (24 y 29 de Octubre)
- Tohu-Bohu (Érik Bullot, Francia, 2004/07, video, 17 min).
- Trois faces (Érik Bullot, Francia, 2007, video, 46 min). VOSE.
Charla-coloquio con Érik Bullot el día 24 de octubre.

Tohu-Bohu (Érik Bullot, 2004-7)

El ruido y el píxel: cine bastardo

Aún más interesante el ciclo El ruido y el píxel: cine bastardo, que se proyecta todos los miércoles de Octubre, también a las 20h. Un viaje por las distintas exploraciones de la degradación de la imagen, los pequeños formatos, la baja calidad, el píxel y el grano.

7 de octubre: Pixel lovers
- 00:03:57:21: Reponedoras (Jara Rocha. España, 2008. 4 min.)
- MAMO/Mother (Anders Weberg Suecia, 2008. 3 min.)
- Phone portrait (Stephen Dwoskin Francia/Gran Bretaña, 2007 6 min.)
- Phone strip (Stephen Dwoskin Francia/Gran Bretaña, 2007-2008 8 min.)
- Why didn’t anybody tell me it would become this bad in Afghanistan? (Cyrus Frisch. Holanda, 2007 70 min.)<

MAMO/Mother (Anders Weberg, 2008)

14 de octubre: VHS lovers
- Track projections (Raya Martin Filipinas, 2007. 6 min.)
- Met (Philippe Grandrieux Francia, 2005. 5 min.)
- ¼ / C regeneraciones de VHS a VHS (Antoni Pinent. España, 1999-2000 15 min.)
- The Neotoma Tape (Cameron Jamie EE.UU., 1995. 57 min.)

The Neotoma Tape (Cameron Jamie, 1995)

21 de octubre: Expired lovers
- Les soviets plus l’electricité (Nicolas Rey. Francia, 2001 175 min.)

Les soviets plus l’electricité (Nicolas Rey, 2001)

28 de octubre: Political lovers
- Iraqi short films (Mauro Andrizzi Argentina, 2008. 94 min.)

Iraqi short films (Mauro Andrizzi, 2008)

El tiempo transfigurado

Una interesante propuesta de La Casa Encendida para todos los miércoles del mes de Octubre, a las 20h.

- Works and Days (Hollis Frampton EE.UU., 1969. 12 min.)
- Meshes of the Afternoon (Maya Deren & Alexander Hammid, EE.UU.,1943. 14 min.)
- Body Music 1 (Charlemagne Palestine EE.UU./Italia, 1973. 13 min.)
- Invocation Of My Demon Brother (Kenneth Anger. EE.UU., 1969 10 min.)
- Trio A (Yvonne Rainer EE.UU., 1978. 10 min.)
- Valse Triste (Bruce Conner EE.UU., 1977. 6 min.)

Valse Triste (Bruce Conner, 1977)

(Yvonne Rainer, 1978)

Invocation Of My Demon Brother (Kenneth Anger, 1969)

P.D.: Que alguien me explique qué hace 'Works and days' en ese programa...

Benning da el paso al digital

El trailer para la edición de este año de la Viennale viene de la mano de James Benning, con una característica especial: es el primer trabajo del anunciado paso de Benning al digital. El corto parece ser parte de lo que será su nueva película, Ruhr, sobre la región del mismo nombre. Para ver el vídeo, haced click sobre la imagen.

Trailer Viennale: Fire and Rain (James Benning, 2009)

Mekas en Madrid

Jonas Mekas viene a Madrid en Octubre, en un minitour por la península a la que llega invitado por el MNCARS y DocLisboa. Las fechas de sus estancia en Madrid son:

- 13 de Octubre, 20:00, en La Enana Marrón.
Pase único de Walden (EEUU, 16mm, 1964-69, 180 min.). Charla-coloquio con Jonas Mekas y Pip Chodorov.

- 14 de octubre, 20:00 en MNCARS, Auditorio Sabatini.
Conferencia de Jonas Mekas. (Incluye la proyección de fragmentos de Lithuania and the collapse of the USSR y de su nueva película inédita).

Lithuania and the Collapse of the USSR se proyectará en dos partes, los días 16 de octubre y 10 de diciembre (primera) y 17 de octubre y 11 de diciembre (segunda), dentro del programa 'Multitud singular - El arte de resistir'.


Walden (Jonas Mekas, 1964-69, fragmento)

Peter Gidal. 5 filmes

Resulta muy curioso observar la evolución de Ubu. En sus inicios era prácticamente considerada como una página 'pirata', pero ha sido siendo paulatinamente aceptada, a tal punto de que comienza a establecer relaciones con archivos y cooperativas: primero, albergando los archivos sonoros de Anthology Film Archives, y ahora cooperando con la británica Lux. Fruto de esta última es la presentación de cinco películas del máximo exponente del estructuralismo británico: Peter Gidal.

Epilogue (Peter Gidal, 1978)

Film & Video: Peter Gidal

Del éxtasis al arrebato. 50 años del otro cine español

Esta mañana se celebró en la sede de la SEACEX la rueda de prensa de presentación del proyecto 'Del éxtasis al arrebato', una retrospectiva que intenta cubrir el desarrollo del cine experimental español de los últimos 50 años. Este proyecto, producción conjunta del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), se inicia en Septiembre de 2007 con un arduo proceso de catalogación y visionado de más de 2500 títulos, que han sido condensados en un ciclo itinerante de 6 programas con un total de 43 piezas y una edición en 2 DVDs por Cameo, a modo de catálogo.
El proyecto ha sido un esfuerzo titánico, no sólo en el proceso de selección, sino en la búsqueda de materiales, contacto con artistas, cesión de derechos, restauración y creación de nuevas copias, y que ha sido llevado a cabo por Antoni Pinent (comisariado de la muestra y DVD), Andrés Hispano (comisariado del DVD), bajo la coordinación de Gloria Vilches y dirección de Carolina López.
La primera parada del ciclo será en Melbourne (ACMI) el mes que viene, con proyecciones ya confirmadas en Anthology Film Archives-Nueva York (Marzo 2010), National Gallery-Washington (Enero-Febrero 2010), Bass Museum of Art of Miami (Enero-Febrero 2010), Image Forum Experimental Film Festival-Tokyo (Abril 2010) y TATE-Londres (Marzo-Abril 2011), y casi una veintena más en preparación. A nuestras fronteras llegará en Mayo del año que viene inicialmente al MNCARS y CCCB, y posteriormente en el 2011 a los principales centros de arte de España.
Se pueden decir muchas cosas sobre la selección realizada, ver carencias, piezas faltantes (o sobrantes), pero esto no le quita meritos a lo que debe ser saludado como un hito, una piedra fundacional sobre la que poder crecer. Un paso para dar a conocer ese 'cine invisible' (Andrés Hispano), no sólo al espectador, sino también (y quizás con mayor importancia) de servir como material de referencia (y visionado) para un 'género' apenas tratado en las escuelas de cine.

Film experiencia nº 1 (Equipo 57, 1957)

Sesión 1. Documentos / Itinerarios
La sesión inaugural del ciclo se abre con una obra de José Val del Omar, cineasta visionario e inventor, y una de las figuras más relevantes que ha dado la cinematografía española. Fuego en Castilla forma parte de su inacabado “Tríptico elemental de España”. Otros cineastas que componen la sesión son el arquitecto Gabriel Blanco, más conocido como animador, pero representado aquí con un documental que muestra los quehaceres del ciudadano español en una jornada cualquiera de domingo en la periferia urbana; los artistas multidisciplinares Benet Rossell y Antoni Miralda, que proponen un itinerario por la iconografía bélica; y José Luis Guerin, quien tras debutar con el largometraje Los motivos de Berta (1983) realizó esta pieza corta con ciertas reminiscencias del hoy llamado cine-ensayo. Cierra la sesión un documental de Virginia García del Pino sobre la identidad laboral de quienes ejercen profesiones relacionadas con la muerte, la suciedad o el sexo.

- Fuego en Castilla (José Val del Omar, 1958-59)
- De purificatione automobilis (Gabriel Blanco, 1974)
- Miserere (Antoni Miralda y Benet Rossell, 1979)
- Souvenir (Silvia Gracia y José Luis Guerin, 1985)
- Lo que tú dices que soy (Virginia García del Pino, 2007)


Sesión 2. Apropiaciones / Gran Super 8
Esta sesión presenta una serie de piezas realizadas en súper 8, un formato nacido en el año 1965 cuyo uso sigue vigente hoy en día, y otras pertenecientes al subgénero del found footage film o cine de metraje encontrado/apropiado. Algunas de las obras reúnen las dos características, como For/Against de Eugènia Balcells o Súper 8 de David Domingo. En este programa se establece un diálogo entre cineastas de diferentes generaciones: los que formaron parte de ese intento de vanguardia en el campo del cine experimental centrada en Barcelona, Madrid y Valencia durante la década de los 70 (con Eugeni Bonet, Juan Bufill, Manuel Huerga y Eugènia Balcells a la cabeza) y la nueva hornada surgida entre finales de los 90 y la actualidad.

- For / Against (Eugènia Balcells, 1983)
- Minnesota 1943 (Toni Serra, 1995)
- Alice in Hollywoodland (Jesús Pérez-Miranda, 2006)
- Súper 8 (David Domingo, 1997)
- Bloodfilm (Marcel Pey, 1975)
- Roulette Wheel (Luis Cerveró, 2005)
- Signaturas (síntesis) (Juan Bufill, 2008)
- I Love You Because (Lope Serrano Sol, 2007)
- 22arroba (Maximiliano Viale, 2008)
- Photomatons (Eugeni Bonet, 1976)
- A escala del hombre (David Reznak, 1991)
- Copy Scream (Oriol Sánchez, 2005)
- Brutal Ardour (Manuel Huerga, 1979)

Photomatons (Eugeni Bonet, 1976)

Sesión 3. Experimentos Animados: Ritmo, Luz Y Color
Esta tercera sesión colectiva abarca períodos muy diferentes de la historia de cine en España, si bien todas las piezas tienen el común denominador de la experimentación en el campo de la animación, cubriendo el amplio espectro que va desde la pura abstracción hasta la narración. Las técnicas y los resultados son igualmente dispares: estudios clásicos sobre la correspondencia entre color y música (Aguirre, Mestres, Sirera), el cine sin cámara (Puigvert, Artigas, Granell), el stop motion (Marimón, Pié Barba), el trazo como esbozo (Amat, Oñederra, Etcheverry), la animación de collage recortables (Herguera) y la animación de arena sobre cristal (Vicario).

- Forma, color y ritmo (Josep Mestres, 195)
- Ballet Burlón (Fermí Marimón, 1959)
- Exp. I / II (Joaquim Puigvert, 1958-59)
- Pregunta por mí (Begoña Vicario, 1996)
- Pintura 63 (Ton Sirera, 1963)
- Hezurbeltzak, una fosa común (Izebene Oñederra, 2007)
- Ritmes cromàtics (Jordi Artigas, 1978)
- Spain loves you (Isabel Herguera, 1988)
- Espectro siete (Javier Aguirre, 1970)
- Lluvia (Eugenio Granell, 1961)
- La 72.024 mil'lèssima part d’un any (Marcel Pié Barba, 2008)
- Danse noire (Frederic Amat, 2006)
- Monos (Juan Pablo Etcheverry, 1997)


Sesión 4. Pintura – Movimiento
...ere erera baleibu izik subua aruaren... , un conjunto de palabras sin ningún significado, da título al primer largometraje en la historia del cine español – y el único hasta el momento - pintado íntegramente con la técnica de la animación sin cámara. José Antonio Sistiaga emplea el celuloide de 35mm a modo de lienzo en blanco – transparente, para ser más precisos-, aplicando directamente la pintura sobre la película con diferentes técnicas. Realizada a lo largo de 17 meses, carente de elementos figurativos y de acompañamiento sonoro, el resultado es una pieza indescriptible con la palabra, hecha para ser contemplada idealmente en su formato cinematográfico. En suma, un placer sin igual para la vista.

- …ere erera baleibu izik subua aruaren… (José Antonio Sistiaga, 1968-70)

Super 8 (David Domingo, 1997)

Sesión 5. Investigaciones / Metacine
La última de las sesiones colectivas pretende reflejar la esencia del cine en sus diferentes vertientes, desde la reflexión sobre el propio medio o el ensayo metacinematográfico (Lertxundi, León Siminiani, Rivera, de Pedro) hasta la pantalla en blanco (Casas Brullet), pasando por los contactos con otras artes como la danza (Marimón y Ramos), la performance (Santos), la fotografía (Lacuesta, Cosmen) o la poesía cinematografiada (Padrós). Se trata de un conjunto de tentativas que dan muestra de las diferentes ramas de las que está constituido el gran árbol que es el cinematógrafo.

- Blanc Dérangé (Blanca Casas Brullet, 2008)
- Límites (1ª persona) (Elías León Siminiani, 2009)
- Travelling (Lluis Rivera, 1972)
- Teoría de los cuerpos (Isaki Lacuesta, 2004)
- Figura (Gonzalo de Pedro, 2007)
- In girum imus nocte et consumimur igni (Jorge Cosmen, 2003)
- BiBiCi Story (Carles Durán, 1969)
- Farce Sensationelle! (Laida Lertxundi, 2004)
- In crescendo (Joan Marimón y Jesús Ramos, 2001)
- Ice Cream (Antoni Padrós, 1970)
- LA RE MI LA... (Carles Santos, 1979)


Sesión 6. Arrebatado
El ciclo se cierra con la obra cumbre de la filmografía de Iván Zulueta, film de culto dentro de la cinematografía española. Su autor logra aunar aquí muchas de las técnicas que había puesto en práctica en piezas cortas anteriores como A Mal Gam A, Frank Stein o Kinkón, realizadas en súper 8, y aglutina una serie de temas que le venían obsesionando desde su infancia. Largometraje hipnótico donde los haya, cargado de un cierto misticismo y susceptible de múltiples lecturas, Arrebato es una indiscutible obra maestra a cuyo injusto desconocimiento fuera de nuestras fronteras resultaba preciso poner fin.

- Arrebato (Iván Zulueta, 1980)

A escala del hombre (David Reznak, 1991)

Una noche en blanco...

...y '364 noches sin blanca'. Esto es es lo que nos propone La Enana Marrón paa el próximo 19 de Septiembre, dentro de los eventos de 'La noche en blanco'

El blanco no es una ausencia de coloración, una anemia de las cosas. El blanco introduce en la pantalla un juego de tensiones único, una irremediable fuga, huida hacia delante.., ¿del espectador?

Un loop de 16mm transparente. En los fotogramas sin imágenes (en blanco) van apareciendo las marcas que el polvo ha inscrito en la sensible superficie. El blanco se opaca. Rallas y motas se generan hasta que los espectadores digan basta, abucheen enfurecidos al programador, cansados de ver reflejado su aburrimiento existencial en la pantalla. Mientras tanto aparece ese momento privilegiado, suspendido, antes de la acción y la narración: una pura promesa de luz que es a la vez nostalgia de la opacidad y el olvido.

El blanco, una noche en blanco y “364 Noches Sin Blanca”, resultan una de las grandes contradicciones no solo del arte, sino de la percepción en general. Un color que pareciendo vacío ejemplifica lo más lleno; la luz del sol en estado puro en lugar de darnos calor puede llegar a congelar; el no color que es, físicamente, la unión de todos los colores. Por supuesto, además, el opuesto al negro. Una noche sin luna abarrotada de estrellas que vacía las 364 restantes.

Del éxtasis al arrebato...

Bajo el título de 'Del éxtasis al arrebato. Cincuenta años del otro cine español' se condensa el fruto del trabajo de varios meses para montar una retrospectiva del cine experimental realizado en nuestro país. Una retrospectiva en forma de programas itinerantes que recorrerá el mundo entero antes de volver por nuestras tierras en Mayo del año que viene, y que vendrá acompañada de una edición en DVD de una selección de las obras.

Para abrir boca, los contenidos del doble DVD que publicará Cameo y que saldrá a la venta el próximo 7 de Octubre.


DVD 1
- Film experiencia I. Base teórica: interactividad del espacio plástico (Equipo 57, 1957. 5’, color, muda, 35mm)
- Fuego en Castilla (Tactilvisión del páramo del espanto) (José Val del Omar, 1958 – 1960. 17’51”, b/n y color, sonora, 35mm)
- Exp. nº 1 (Joaquim Puigvert, 1958. 1’30”, color, sonora, 16mm)
- Exp. II (Joaquim Puigvert, 1959. 1’40”, color, sonora, 16mm)
- Pintura 1962 - 63 (Ton Sirera, 1962 – 1963. 5’30”, color, sonora, 16mm)
- L´espectador (50”) / La llum (20”) / Habitació amb rellotje (50”) / Conversa (4’) (Carles Santos, 1967. 6’45”, b/n, sonora, 16 mm)
- BiBiCi Story (Carles Durán, 1969. 8’, color, sonora, 35 mm)
- Ice Cream (Antoni Padrós, 1970. 8’30”, b/n, sonora, 16 mm)
- Espectro siete (Javier Aguirre, 1970. 8’34”, color, sonora, 35mm) [fragmento 5’]
- Travelling (Lluis Rivera, 1973. 12’, b/n, sonora, 16 mm)
- Arriluce (José Ángel Rebolledo, 1974. 8’, color, sonora, 16mm)
- Bloodfilm (Marcel Pey, 1975. 2’33“, color, muda, súper 8)
- Photomatons (Eugeni Bonet, 1976. 3’, b/n, sonora, súper 8)

DVD 2
- A MAL GAM A (Iván Zulueta, 1976. 33’, color, sonora, súper 8)
- Ritmes cromàtics (Jordi Artigas, 1978. 4’55”, color, sonora, 16 mm)
- Brutal Ardour (Manuel Huerga, 1978 – 1979. 30’, color, sonora, súper 8)
- Boy Meets Girl (Eugènia Balcells, 1978. 10’, color, sonora, 16mm)
- Green (Juan Bufill, 1978. 4’, color, muda, súper 8)
- Paraíso (Juan Bufill, 1978. 4’, color, muda, súper 8)
- Arena (Juan Bufill, 1979. 3’, color, muda, súper 8)
- Miserere (Antoni Miralda y Benet Rossell, 1979. 12’, b/n, sonora, 16mm)
- Impresiones en la alta atmósfera (José Antonio Sistiaga, 1988-89. 7’, color, sonora, 70 mm) [fragmento 1’20]
- A escala del hombre (David Reznak, 1992. 10’, color, sonora, súper 8)
- Súper 8 (David Domingo, 1997. 7’25”, color, sonora, súper 8)
- GIOCONDA / FILM (Antoni Pinent, 1999. 50”, color, sonora, 35 mm)
- La Costra Láctea (Velasco Broca, 2001. 8'56”, b/n, sonora, 16 mm)
- Farce Sensationelle! (Laida Lertxundi, 2004. 3’10”, b/n, sonora, 16 mm)
- Copy Scream (Oriol Sánchez, 2005. 2’19”, color, muda, súper 8)

Más detalles en breve.

Nathaniel Dorsky

Sarabande (2008)

La habilidad que desarrollas como cineasta se traslada a la pantalla. Entonces, ¿cómo hacer de la pantalla algo tan vital como el mundo que ves? Muchísimos cineastas de la realidad mediocre toman imágenes de las cosas que ven, pero su filmes son reductivos de la realidad. La cuestión es ¿cómo tomas esa pantalla y la enciendes, y haces que tenga el mismo tipo de sentido original de lo que estás fimando? Como cineasta comienzas a comprender cosas que son traducibles, especialmento sobre la película. Kodachrome tiene unos cielos azules terribles y unos blanco terribles y cosas así. Así que te apartas de todo eso hacia lo que puede hacer. Tu habilidad como creador es que comienzas a entender qué es traducible. Algunas veces veo algo y me aproximo con la cámara y no pulso el botón, porque comprendo que no puedo llegar a traducirlo.

Sarabande (2008)

Ya que mis películas no tienen personajes, que la pantalla no es unn escenario y que mis películas no están en esa tercera persona donde la gente tiene problemas que resuelven o no, la propia pantalla es el personaje. En cierto sentido, mis películas son realmente para el espectador. Eres el centro de la película. ¿Quizás lo has notado? Mis películas son para tí. Son sobre tí. Por ello tienes que estar plenamente presente. Me enseñaron muy pronto que es muy imoortante que la pantalla entera esté viva. La plasticidad de la pantalla. La pantalla no es sólo una ventana muerta o un agujero muerta a una vista. La pantalla misma puede florecer. Una pantalla viva es probablemente la cosa más maravillosa. ¿has visto alguna vez las películas en blanco y negro de Antonioni?

Threnody (2004)

Fragmentos de la entevista realizada a Nathaniel Dorsky en Twitch. Por cierto, no puecde dejar de recomendar su libro 'Devotional cinema'.

Cinemad: Leighton Pierce

Interesante entrevista del programador y editor de Cinemad Mike Plante a Leighton Pierce, sobre temas como sus inicios en el cine, su paso del 16mm al DV, la importancia del sonido en su obra...

Cinemad: Leighton Pierce

The miracle of change (Leighton Pierce, 1984)

Véronique Göel - Kenwin (1996)

Kenwin es un recorrido por la villa del mismo nombre, que la poetisa H.D. (Hilda Doolittle), Bryher y el cineasta Kenneth Macpherson (cuadro editorial de la mítica revista 'Close-up') construyeron a principios de los años 30 en La Tour-de-Peilz (Suiza) a los piés del lago Léman.

Göel traza este recorrido no sólo por el espacio físico, sino particularmente por el espacio humano y la frontera entre ambos. La casa no es nada sin sus habitantes, su tiempo, y la historia de estos queda estrechamente ligada a la de aquella.

Góel se vale de múltiples elementos para trazar estos espacios: en la parte visual un lento vagar por Kenwin, imágenes (¿reconstruídas?) de la vida de otros ocupantes, home movies, álbumes de fotografías,... a la que sriven de contrapunto la lectura, voz en off, de la correspondecia de Bryher, H.D. McAlmon. Mcpherson,... así como del texto 'Keeper of the flame' de Perdita Schaffner (hija de H.D.).

"Los filmes de Véronique Goël son como rodajas de memoria talladas en un lenguaje cinematográfico sólido. Entre las líneas de este lenguaje, la lucidez se desarrolla en sucesivas ampliaciones que llenan la compleja sencillez de sus propias experiencias. Confrontando personas y acciones, personas y espacio y sobre todo, personas y personas (estas personas cuya existencia misma parece cuestionar la de los otros), Véronique analiza en sus películas muchas de las cuestiones que nos preocupan. Sus películas delimitan esos momentos a los cuales somos sensibles (aquellos que tendemos a olvidar o que casi nos negamos a ver). Se apoderan de estos fragmentos de vida con una intensa preocupación, permitiendo al espectador experimentar la fuerza de las emociones que los cubren, y pretenden penetrar estos elementos de significado que demasiado a menudo queremos ignorar."

"Es en estos momentos en que sus filmes alcanzan su nivel de expresión más alto y más emotivo, el nivel en el que se revela lo no dicho, se convierte en el eco silencioso entre el conciente y el inconsciente - un lugar de muchas cuestiones son de las respuestas se encuentran atrapadas en las estribaciones de la memoria. Las voces surgen en brillantes murmullos, a la búsqueda de una pertinencia que las palabras no pueden describir, pero las imágenes hacen inmensamente coherente. Unas imágenes controladas con tal precisión que sólo ellas parecen dotadas de habla. Como si la simplicidad de las estructuras fílmicas se volviera la única defensa contra las lágrimas imperceptibles que contienen, resonancias de un grito desgarrador, que, como la poesía pura, permanece en nosotros por mucho tiempo." - Stephen Dwoskin. Texto inicialmente publicado por el cine Sputnik (Ginebra).

Kenwin (Véronique Göel, 1996, 16mm, color, 85 min)

Jenny Okun - Still Life (1976)

Still Life (1976, 16mm, Color, 6 minutos, muda, 24fps)

Como la propia Okun ha relatado, la idea de STILL LIFE tuvo su origen en la irritación sobre la forma en la que muchios cineastas de los 70 integraban el negativo en sus trabajos como una especie de truco que estaba de moda. Okun decidió realizar una película en la que el negativo en color jugase un papel primordial. La idea principal, montar un bodegón de frutas y vegetales, rodándolo en película negativa - que no sería posteriormente positivada, sino copiada y proyectada en negativo. Enfrente de la cámara pintaría sobre los extraños aunque predecibles colores hasta que llegara el momento en que parecieran colores en positivo. Una idea sencilla, o así lo parece. La preparación y ejecución debian ser también simples y económincas - la falta de medios típica del trabajo independiente tenía que quedar marcada en la película. Jenny Okun requería de una mesa, una pared, pinturas y una brocha, dos kilos de fruta, dos peqqueños rollos de negavtivo, y de una segunda persona para operar el obturador. Se utilizó el montaje en cámara en lo posible para ahorrar celuloide. -Christine Noll Brinckmann, "Structural Film, Structuring Color: Jenny Okun’s Still Life " (1995)

Expanded Cinema

Este video que acabo de encontrar en el canal de la Tate Modern recoge lo que fue una de las sorpresas más agradables del seminario 'Expanded Cinema: Activating the Space of Reception' celebrado en Londres el pasado Abril: la 'reconstrucción' de tres instalaciones de cine expandido en los 'oil tanks' de la Tate Modern. The Machine (1978-88) de Steve Farrer, Light Music (1975) de Lis Rhodes y Time Revealing Truth (1983) de Tamara Krikorian.

A destacar las piezas de Farrer y Rhodes, de las que el vídeo no logra transmitir (ni lo hará) la sensación de verlas 'en vivo'.

Y por cierto, salgo en el vídeo (aunque muy brevemente)...

Étienne O'Leary

Homeo (Étienne O'Leary, 1967)

Es todo un placer y sorpresa encontrarse con joyas como los filmes de Étienne O'Leary. Asombra también descubrir la poca información que existe sobre él y la escasa distribución que tiene su obra. Canadiense originario de la región de Quebec, emigró de joven al tumultuoso París de los años 60, donde se codearía con almas gemelas como Pierre Clémenti, Frédéric Pardo o Piero Heliczer. Los filmes de O'Leary se pueden ubicar dentro del amplio género de los 'diary films', registrando el hedonista ambiente de la época y comparten muchas características del estilo de Clémenti: tomas rápidas, múltiples superimposiciones y un alto grado de montaje.

Homeo (Étienne O'Leary, 1967)

Por desgracia sólo nos dejó cuatro piezas, de las que la pimer permanece inédita: Champs Élysées (1966), Day Tripper (1966), Homeo (1967) y Chromo sud (1968). Poco después, un 'mal viaje' con las drogas le llevaría a ser ingresado en un centro psiquiátrico, donde, aparentemente, moriría muchos años después.

Chromo Sud (fragmento) (Étienne O'Leary, 1968)

Merce Cunningham 1919-2009

Coreografía de Cunningham para el Variations V de John Cage.

Márgenes 2009

Dentro del Festival Visual de Majadahonda nos llega la segunda edición de Márgenes ('Un conjunto de futuros abandonados'), un evento que nació en Dublín en Junio del año pasado de la mano de Esperanza Collado para divulgar el cine y vídeo experimental español. Márgenes 2009 busca sin embargo, un objetivo más ambicioso: la presentación y discusión del cine/vídeo experimental situado en los márgenes, tanto del ámbito canónico como geográfico (aunque siempre del primer mundo): Irlanda, Portugal y España.


Márgenes constará de cinco sesiones de proyecciones: tres programas dedicados a selecciones de cine/vídeo de cada uno de los países, un programa dedicado a la obra de Vivienne Dick más el documental de Fergus Daly Experimental conversations; y una mesa redonda. Las proyecciones se realizarán en el Auditorio de la Biblioteca Histórica "Marqués de Valdecilla, (Calle del Noviciado, 2), y la mesa redonda en La Casa Encendida (Ronda de Valencia, 2)

Experimental Conversations (25 y 29 de Mayo, 20:00)
(Fergus Daly, 2006, DigiBeta, colour, 98 mins)

Velocidade De Luz Variável (Velocidad de luz variable) (26 de Mayo, 20:00)
Vídeo abstracto portugués
Comisariado y presentado por Alexandre Estrela (Oporto)

- Matemática: Eu Vi O Que Não Existe No Mundo Cósmico Em Redor De Uma Estrela (Vasco Lucena, VHS, 2')
- Disco G Parado (Vasco Lucena, VHS, 40')
- Roda Lume (E. Melo E Castro, 1969-1986, U-Matic, 2'43'')
- Alphabet (Portuguese) (Pedro Diniz Reis, 2005-7, HDV, B&W, stereo, 12'55'')
- GR 352-2 (Pedro Diniz Reis, 2007, HDV, colour, stereo, 21'32'')
- Vlanta (Miguel Soares, 2006, 3D HD animation, colour, stereo, 1'26'')
- Wabane (Miguel Soares, 2006, 3D HD animation, colour, stereo, 59'')
- Bogless (Miguel Soares, 2006, 3D HD animation, colour, stereo, 1'38'')
- Lake Loop (Miguel Soares, 2005, 3D HD animation, colour, stereo, 2'21'')
- Mp Rlan (Miguel Soares, 2005, 3D HD animation, colour, stereo, 2'57'')

Imágenes De Espectros (27 de Mayo, 20:00)
Film y vídeo español contemporáneo
Comisariado y presentado por Albert Alcoz (Amalgama)

- Eumig 80/60 (Isaac Gimeno, 2005, 4')
- Fascinación (Javier Otaduy, 1999-2009, 3')
- ABC pornographique (Sonia Armengol Teixidó, 2007, 2’)
- La materia (Ramón Ayala, 2008, 1')
- La mort de Marat (Ramón Ayala, 2008, 3')
- Propiedad particular (David d'Ors, 2006, 5')
- Cinco películas breves (Víctor Iriarte, 2007, 5’)
- Tabla aérobica nº4 (Gonzalo de Pedro, 2007, 8')
- El chaleco salvavidas está debajo de su asiento (Daniel Cuberta, 2008, 10)
- The end (Fernando Franco, 2008, 6')
- No es la imagen es el objeto (Andrés Duque, 2008, 10')
- A spanish delight (Eugeni Bonet, 2007, 5')
- Moza de ánimas (Oriol Sánchez, 2009, 15')

Descentrados. Otra(s) Historia(s) del Cine Experimental (28 de Mayo, 17:00)
Mesa redonda.

More Or Less Annihilated By Saccadic Enchainment By The Sea (28 de Mayo, 20:00)
Cine experimental irlandés
Comisariado por Esperanza Collado con Maximilian Le Cain (Experimental Film Club)

Programa de cortos
- Self-Portrait With A Red Car (Bob Quinn, 1975, 16mm, colour, 15mins)
- Film By The Sea (Donal Foreman, 2005, video, colour, 3min)
- 4 You (Donal O'Ceilleachair, 2006, 16mm, b&w, 4 mins)
- Annihilated At The Same Time As The World (Fergus Daly, 2007, DVD, b&w, 10 min)
- After & Before (Barry Ronan, 2009, miniDV, colour, 2 min)
- Un Peu Moins (A Little Less) (Donal O'Ceilleachair & Konstantin Bojanov, 2006, Super8, b&w and colour, 6 mins)
- Making A Home (Maximilian Le Cain, 2007, video, b&w and colour, 10min)
- Film From The Sea (Alan Lambert, 2000, 35mm, colour, variable duration)

Films de Vivienne Dick
- She Had Her Gun All Ready (1978, 16mm, shot on super8, colour, 22 mins)
- Saccade (2004, DVD, 3 mins)
- A Skinny Little Man Attacked Daddy (1994, betacam, shot on 16mm/Hi8, 28 mins)